Perdidos en el río con BOB DYLAN...

Uno de los grandes discos del año pasado; con buenas intenciones y lleno de mejores canciones.

ROYAL BLOOD vuelven a España...

Y nosotros rescatamos nuestra crítica de su álbum para ir calentando motores.

Cuomo, un acidente en carretera y la meditación Vipassana...

Han logrado que WEEZER publique uno de sus mejores discos en años, "Everything Will Be Alright In The End".

¡Nos largamos al HELLFEST!

Otro año más, nos vamos a Nantes para cubrir un cartel de auténtico lujo; le meilleur festival du monde!

PINK FLOYD se despiden...

David Gilmour y Nick Mason rinden homenaje a Richard Wright en "The Endless River", un disco bello y tranquilo.

MACHINE HEAD en caída libre...

En apenas veinticuatro horas muchos dijeron que era el mejor disco de metal del año, lamentamos llevarles la contraria; es quizá uno de los peores.

Ocho ciudades, ocho canciones y ninguna que justifique un disco

Foo Fighters vuelven con un disco mediocre que hará las delicias de sus fans más recientes y menos exigentes.

Con máscaras y a lo loco...

Cuando uno piensa en SLIPKNOT, piensa en esa descarga de adrenalina, en ese caos en el que se convierten sus directos...

Cantos de sirena de IN FLAMES en Madrid

Llegaban nuevamente a la capital para presentarnos un magnífico álbum por mucho que algunos se dediquen a dilapidar y a criticar con argumentos carentes de criterio.

MORRISSEY en ESPAÑA: "Todo lo que necesitas soy yo"

Moz estuvo en nuestro país y recuperamos nuestra crónica de su paso por Madrid.

Cuarenta minutos de abstracción

Un disco fascinante, extraño, menor pero extrañamente bonito, diferente y excitante...

Bonamassa contra el mundo

Porque discos así no se escuchan todos los días y, por desgracia, no se graban tan a menudo como debiera...

El Quadrophenia de U2, según The Edge

Podemos seguir echando de menos el pasado más glorioso de U2 y dejar de disfrutar del presente; “You glorify the past when the future dries up” que decían ellos mismos...

INTERPOL y EL PINTOR, su nuevo disco

Complicado no dejarse llevar por la emoción pero, tras más de dos docenas de escuchas desde su publicación, ya puedes leer nuestra crítica...

BRIAN FALLON, tocado pero no hundido…

Tras diez años de matrimonio ha decidido exorcizar todos los demonios internos de su ruptura en el nuevo disco de su grupo, THE GASLIGHT ANTHEM.

THE NATIONAL en España y nosotros nos refugiamos en su último disco...

Como dice Chuck Palahniuk, "la mejor venganza de todas es la felicidad. No hay nada que vuelva más loca a la gente que ver a alguien teniendo una vida jodidamente maravillosa" y nosotros somos felices con la música de los de Cincinnati.

IN UTERO: un viaje sin retorno

Analizamos en profundidad la grabación del último gran disco de NIRVANA y quizá de los noventa...

MASTODON: La vuelta al sol en ochenta días

Si lo que Mastodon pretende es llevarnos a otra dimensión, el experimento se queda a medio gas y es que sólo en la segunda parte de su disco seremos testigos de ese viaje...

Tenemos carta de Neil Young...

El canadiense graba su último disco en una antigua cabina del 47, una de las experiencias más low-tech que ha tenido, un experimento interesante pero desigual...

El heroico retorno de SABATON

Con su nuevo disco los suecos consiguen posicionarse en un buen puesto dentro de los grandes grupos de Power Metal...

¿Qué haríamos sin la música de STRUMMER?

Nuestro amigo Joe no ha dejado de acompañarnos y, muchos años después de que se haya ido, su voz sigue sonando con la misma fuerza. Repasamos su discos en solitario…

LA ZONA MUERTA

Estrenamos una nueva sección, la más oscura de toda nuestra web...

PIXIES en Madrid; benditos los SMITHS...

Black Francis pasaba por nuestro país sin apenas dirigirse a su público y esbozando una sonrisa con trabajo.

¡Hemos visto a BLACK SABBATH en París!

Y te contaremos casi todo lo que Ozzy, Iommi y Butler han hecho en Bercy...

ARCADE FIRE van al Primavera, nosotros al HELLFEST

"Reflektor" es el nuevo disco de los canadienses y la crítica lo ha encumbrado a lo más alto en apenas unas horas.

PEARL JAM: Rayos y centellas

Un disco de Pearl Jam tiene sentido en pleno 2013 porque estamos hablando de ROCK con mayúsculas, de una banda auténtica que sigue estando muy viva...

¡AMÉN, hermanos, WATAIN han vuelto!

Estamos ante el mejor disco de METAL del año y Erik lo celebra invitándonos a una misa negra muy especial con "The Wild Hunt"...

Conociendo a DAVE MUSTAINE...

Tuvimos la gran suerte de poder conocerle con motivo de su visita a España en su gira con Slayer hace dos años y ahora lo recordamos, breve pero intenso.

KRISTONFEST 2015: Fiestas presentación con SLEEP, TORCHE, ATOMIC BITCHWAX y HORISONT

El Kristonfest 2015 viene con novedades respecto al formato de las anteriores ediciones: Por primera vez se organizarán fiestas de presentación con actuaciones de grupos internacionales en Barcelona (24 Abril), Madrid (9 Mayo) y Bilbao (16 Mayo), donde se harán sorteos de entradas, merchandising y alguna sorpresa más.

Tras estas fiestas, la cuarta edición del Kristonfest tendrá lugar el SÁBADO 27 JUNIO 2015 en la bilbaína Santana 27. Atentos porque en unos pocos días iremos anunciando los primeros artistas que encabezarán el Kristonfest 2015.

Por primera vez en la historia, los míticos SLEEP actuarán en nuestro país y será en la fiesta presentación que el KRISTONFEST ha organizado en la barcelonesa sala Bikini para el Viernes 24 Abril 2015. SLEEP solo ofrecerá 2 únicos conciertos en todo Europa, el de Barcelona y su aparición como cabeza de cartel en el Desertfest de Londres.

Todo lo que se pueda decir de este grupo y la influencia que ha supuesto su existencia en el mundo del stoner-rock/metal es cierto aunque insuficiente, ya que nunca consiguieron llegar a las cotas de popularidad y ventas que si consiguieron sus amigos, contemporáneos y también californianos KYUSS. Problemas con su discográfica y la popularidad de sus proyectos paralelos (Matt Pike con HIGH ON FIRE, Al Cisneros con OM, etc…) hicieron que en 1995 los miembros de SLEEP decidieran disolver el grupo y dedicarse al 100% a sus otros grupos. Tuvieron que pasar 15 años hasta que el festival ingles ATP consiguiera convencerles para que actuaran en la edición del 2009. Desde entonces, sorprendidos por la atención mediática que despertaron y el crecimiento de su base de fans por todo el mundo, SLEEP no ha parado de girar por USA y Europa principalmente, aunque también lo han hecho por Sudamérica y Australia. Festivales de renombre se han disputado al grupo al ser obvio que el público considera a SLEEP una referencia en la historia del stoner, ya que supieron crear un estilo único partiendo de los sonidos mamados de BLACK SABBATH y la psicodelia de los grupos de los ´60s principalmente.

A mediados de 2014 el propio grupo nos sorprendía con nuevo material, el primero en veinte años, demostrando que SLEEP está más vivo y en forma que nunca.

Los norteamericanos The Atomic Bitchwax y los suecos Horisont serán los artistas que den forma a la fiesta de presentación que el KRISTONFEST celebrará el próximo 16 Mayo 2015 en el bilbaíno Kafe Antzokia. Ambos grupos nos visitarán presentando sus nuevos trabajos de estudio, donde el stoner-rock vendrá dado por los ya veteranos THE ATOMIC BITCHWAX (power trio formado por músicos de MONSTER MAGNET, BLACK NASA, etc...) y el hard-rock de corte mas setentero de la mano de HORISONT, punta de lanza de una nueva generación de músicos que revitalizan el rock clásico y el blues-psicodélico

Culminada ya la celebración de sus diez años de carrera con “Harmonicraft” (2013 / Volcom Entertainment), Torche vuelve en 2015 con un nuevo álbum, el primero a través del sello de culto Relapse Records y bajo el título de "Restarter". Su último disco de estudio será publicado el 24 Febrero 2015 y embarcará al grupo en una gira americana junto a Clutch y Lionize para posteriormente venir a presentarlo a Europa.

Estos doce años de carrera encumbran a Torche como uno de los mejores y mas activos grupos de sludge-stoner-rock a nivel mundial, aportando un estilo propio que marca la diferencia sobre grupos de cabecera como Mastodon, Melvins o Black Sabbath…. Hecho que hace de Torche un grupo único y muy apreciado por sus fans. Giras por USA y Europa con artistas como Kvelertak, Mogwai, Isis, Baroness, Converge, Jesu, Dredg, Coheed and Cambria, The Sword, etc…han hecho de Torche una máquina sólida, experimentada, llena de detalles y perfectamente engrasada encima de un escenario, lo que se traduce en actuaciones inolvidables de calidad garantizada.

Crítica: Angelus Apatrida "Hidden Evolution"

"El mejor disco del año/ son los Slayer españoles/ ¡qué tiemble el thrash metal!" Son algunas de las afirmaciones que nos hemos encontrado durante estos días en las redes sociales y medios "especializados" en referencia a "Hidden Evolution", el nuevo álbum de los albaceteños. Leyendo este tipo de soplapolleces -porque eso nos parecen a los que ya tenemos cierta edad- es inevitable que se nos quede cara de tontos y no porque nos pillen de nuevas (tan sólo es un simple déjà vusino porque resulta realmente sorprendente ver cómo hay gente que no aprende y vuelve una y otra vez a tropezar con la misma piedra. Angelus Apatrida es un buen grupo español; el mejor de thrash metal de nuestro país (con una competencia y una escena feroz, ¿verdad?), pero eso es una cosa y otra muy diferente la sarta de majaderías que en estos días se pueden leer en la red, más propia de unos individuos que parecen vivir en una burbuja y que saben más bien poco de lo que hay fuera de ella o pretenden hacernos creer al resto algo que no es verdad. ¿Recordáis lo que se decía de "Uluh" y sus exageradas comparaciones con Pantera? Cualquiera puede encontrar esas críticas y comentarios en la red si bucea un poquito. ¿Dónde está ese disco actualmente? ¿Dónde está "The Call" ahora mismo, dónde estará dentro de diez años? ¿De verdad nos imaginamos a Angelus Apatrida tocando en un festival internacional, en el escenario principal a una hora en la que no compitan con los cortadores de entradas en los accesos al recinto?

Referirse a "Hidden Evolution" como mejor disco del año nos parece, cuando menos, un poco atrevido si tenemos en cuenta que aquellos que así lo proclaman lo están comparando con el resto de producciones internacionales y arriesgado si nos percatamos de las fechas en las que estamos (¡todavía no ha finalizado el mes de enero!) y, sobre todo, sabiendo que a lo largo del año muchas bandas de cierta relevancia tienen ya anunciado nuevo trabajo discográfico. Pero es que sí somos un poquito espabilados y pensamos con la cabeza, tampoco nos hace falta esperar a febrero o meses sucesivos para ver si esa afirmación de "el mejor disco del año" se puede o no cumplir. Mirad, esto es mucho más sencillo de lo que parece, no nos compliquemos; centrémonos en su sello discográfico (Century Media) y miremos un poquito hacia atrás y hacia adelante en el tiempo; si sois de los que seguís la evolución y el día a día de los sellos discográficos, sabréis que unos días antes de que se pusiese en el mercado "Hidden Evolution", hacían lo propio con "Frontschwein" de unos suecos llamados Marduk y, si hacemos la misma operación hacia adelante, nos daremos cuenta de que ocurre lo mismo con "Apex Predator-Easy Meat" de los británicos Napalm Death. Pues bien, llegados a este punto y, al margen de que cada uno puede pensar lo que quiera (faltaría más), no podemos sacar otra conclusión de que tan sólo esos dos discos acaban por hacerle un buen sándwich a "Hidden Evolution". Porque queremos medir a Angelus Apatrida con bandas internacionales, ¿verdad? Aquí en España con quién les vamos a medir; ¿con Vita Imana, con Hamlet, con Merche? Por Dios.

Todos sabemos que las comparaciones son odiosas y que no deberíamos hacerlas (e incumplo dicha regla el primero) pero es que el mero hecho de que a alguien se le ocurra comparar a Angelus Apatrida con Slayer pone los pelos de punta y da pistas del poco conocimiento de música de muchos o la cara de algunos. Por favor, no comparemos churras con merinas, estamos equiparando a uno de los grupos más importantes (sino el que más) de thrash metal de la historia con unos "principiantes"; pero ojo, no principiantes porque lleven poco tiempo, pienso que cinco discos ya son un número relativamente importante (Metallica con los cinco primeros ya eran gigantes) pero es que si comparamos el sonido de "Hidden Evolution" con, por ejemplo, "Reign In Blood" a más de uno se nos suelta, inevitablemente, la risa floja. Con poco más de veinte años Slayer parieron un álbum en el mismísimo infierno, posiblemente con un equipo bastante inferior al que cuentan Angelus Apatrida en la actualidad, eso sí con Rick Rubin como maestro de ceremonías que empezaba a erigirse como uno de los grandes nombres dentro del rock y el metal. Cuesta entender cómo alguien se atreve a comparar de esa manera tan burda, supongo que muchas de estas tonterías vienen infundadas por el hambre voraz que muchos tienen de que un grupo español "reviente" y se haga grande de una vez por todas fuera de nuestras fronteras (para, por otra parte, luego darles la espalda y tacharles de vendidos, algo muy propio de este país y nuestra bendita envidia de la que hay sobrados ejemplos) pero es que, por desgracia, eso no ocurre de la noche a la mañana. Del mismo modo que muchos lloran por no tener en nuestra tierra un gran festival de la talla del Hellfest, Wacken o Graspop porque pensamos que nos lo merecemos porque sí, sin trabajarlo. Pero, claro, eso significaría escapar del estúpido corralito doméstico de promotoras medianas y pequeñas que convierten la música en directo en un cortijito en el que "mi amigo lo prepara, el de la tienda lo reparte, yo te lo vendo como si fuese alta cocina y tú, que eres un niño que se te hace el culo pepsicola por cualquier cosa que te venda; te lo tragas sí o sí"; tenemos lo que nos merecemos, a todos los niveles.

"Hidden Evolution" es un buen disco, con temas aceptables y con un sonido trabajado y notable en las guitarras, pero ya está, nada más; no nos compliquemos y queramos ver a Mustaine, Dimebag o Hanneman porque no. Que no nos ciegue la pasión con un tema como "Immortal" (por cierto, los noruegos sí que son una apisonadora en directo), un corte acelerado y pretendidamente revolucionario pero más simple que el mecanismo de un chupete y donde, por desgracia, sale a relucir uno de las asignaturas pendientes de esta banda y es que la voz de Guillermo Izquierdo y su pronunciación en inglés deja bastante que desear. ¿No podría aprender inglés que no pareciese escupido por una parodia chanante de Mustaine? Debemos de tener en cuenta que este es un punto esencial si queremos destacar y ser grandes fuera de nuestras fronteras y no uno más. Todos somos conscientes de ello, si cantamos en español no nos vamos a comer un colín una vez crucemos los Pirineos y dejemos nuestro África particular atrás pero si lo hacemos en inglés no basta con chapurrear ni utilizar un inglés macarrónico de andar por casa, hay que ser más exigente con uno mismo, ser coherente con lo que queremos e ir a por todas, pero es que tras "Hidden Evolution" sigo pensando que Angelus Apatrida todavía tienen muy lejos esa fase y está dirigido a un público inevitablemente veinteañero que se cree estar viviendo su "Rust In Peace" particular cuando Guillermo grita "Immorchal!".

"First Of World Of Terror" es una de mis canciones favoritas, me recuerda mucho a "Of Men And Tyrants" de su "Clockwork" (2012), una canción muy thrasher en unas estrofas adornadas por una sucesión de riffs potentes y musculosos que contrastan con los decelerados estribillos, más propios de un medio tiempo de tinte épico (¿veis cómo no todo es malo, veis cómo sabemos reconocer cuándo el grupo de Izquierdo hace las cosas bien?). "Architects" no me gustó mucho en su momento cuando Century Media lanzó el "lyric video" aunque he de reconocer que cuanto más la escucho más me engancha y más gusto le voy cogiendo, gracias a unas guitarras afiladas y cortantes como espadas. La parte negativa es esa obsesión que tiene Guillermo con Dave Mustaine que, por su forma de cantar, parece que en muchas partes del álbum estás escuchando una demo de Megadeth. "Tug Of War" no vale dos duros, espero que se olviden de ella en su próxima gira europea junto a los helenos Suicidal Angels y los suecos Dr Living Dead, ya que escucharla en directo sería sin duda uno de los "off" del concierto. Por cierto, gira que en el resto de Europa (en los conciertos españoles seguramente no sea así por obra y gracia de los amiguetes) Angelus Apatrida ocupa el vagón de cola, siendo los primeros en actuar cada noche; vamos que lo de Suicidal Angels es obvio (hemos visto en directo en varias ocasiones a ambas bandas y no hay color), pero lo de situar a unos "desconocidos" Dr Living Dead (desconocidos porque en este país los conocen cuatro y después de este año serán cinco) por encima suyo creo que puede dar una ligera idea por donde nos estamos moviendo todavía...

El comienzo de "Serpents On Parade" ya lo escuchamos con anterioridad en "To The Rats" de Trivium ("The Crusade"), cualquiera puede comprobarlo poniendo ambas canciones, aquí no hay ningún tipo de animadversión ni manía conspiranoica hacia los de Albacete. Un corte donde Guillermo vuelve a hacer aguas con su tosca y ratonera pronunciación, ¿debemos decir que lo hace bien, que todo vale? ¿Qué nos parecería escuchar a un grupo inglés -hagamos el esfuerzo por imaginarlo- que se quisiera comer el mercado español cantando rumba con su media lengua de guiri y chapurreando en spanglish? Por contra, "Wanderers Forever" es otro de los mejores cortes que esconde este "Hidden Evolution", una gran composición que viene marcada por un soberbio estribillo y que muestra el mejor perfil de los thrashers. De "End Man" destacamos su videoclip, una producción que parece más propia de un grupo internacional que patrio pero que musicalmente no acaba por convencernos y no termina de cuajar en nuestra cabeza, ya que vemos a una banda apelotonada, cegada y obsesionada en ser los más rápidos y "duros del Oeste" y no por componer buenos temas.

Aunque los coros les han quedado bastante originales, tenemos que confesar que de "Speed Of Light" esperábamos algo más, posiblemente motivados por el fantástico tema del mismo título que hicieran en los años noventa unos tales Stratovarius dentro de su cinco estrellas, "Episode". Con "I Owe You Nothing" no sabes si estás escuchando a Angelus Apatrida o a Megadeth, Guillermo vuelve "erre que erre" con Mustaine y eso que el tema tiene recursos suficientes y abundante mala hostia, pero es que esa jodida obsesión con el astro californiano acaba por acusar una falta de identidad propia... Y finiquitan "Hidden Evolution" con el tema homónimo al álbum, nueve minutos que comienzan con unas guitarras chillonas al más puro estilo "Victim Of Change" de Judas Priest y se mueven por terrenos que abarcan desde el thrash al power en su parte instrumental, donde a veces te planteas si estás escuchando la guitarra de David o Guillermo o la de Alberto Rionda en "La llama eterna" o "Llanto de un héroe". Una canción con muchos cambios que no desagrada en absoluto pero que tampoco se convertirá en un "hit" y, mucho me temo, que tampoco está compuesta, como el resto del álbum, con la intención de trascender.

En resumen, "Hidden Evolution" es un buen disco de una banda interesante y luchadora (nunca lo hemos puesto en duda) en la que quizá el mayor defecto esté en sus defensores y esas eternas comparaciones con los grandes del metal para unos músicos que, en muchas ocasiones, no suenan más que a una banda de versiones de Megadeth que se ha embarcado en la difícil tarea de componer temas propios como si el talento fuese tan fácil de conseguir como emular la voz de rata del Mustaine de los ochenta en un karaoke a altas horas de la madrugada y la mitad de parroquianos jaleando como si estuviesen en Donington. Más allá de eso que cada uno piense lo que quiera. ¿El mejor grupo de España? Pues así en frío no sabríamos muy bien qué responder en vista de la estupenda y poderosísima escena metálica de nuestro país... No obstante, si la mejor banda española es la que tiene que tocar en el Hellfest a las diez y media de la mañana eso es lo mismo que no ser nadie y los experimentos mejor realizarlos con gaseosa en Eurovisión y no paseando palmito por festivales europeos. Por lo menos, la portada es infinitamente superior que aquel horror de "The Call" y eso ya es todo un logro.

© 2015 Lord Of Metal & Jack Ermeister

Crítica: B.B. King "My Kind Of Blues"

Los blancos no pueden cantar blues porque el blues, el autentico blues, nace de la condicionante miseria de ser negro en los albores del género. Nunca sentirán lo que es utilizar aseos para negros, sentarse en asientos diferenciados según el color de su piel, trabajar de limpiabotas en el mejor de los casos o vivir recogiendo algodón y que, a la caída de la tarde, te guarden como al resto de animales en un granero. Puede parecer una forma de pensar radical y, no haciéndola propia, no puedo evitar recordarla para hablar de B.B. King porque así pensaba la comunidad negra a principios de siglo. El blues nació de la pena diaria, era un lamento que los blancos nunca podrían hacer suyo porque no lo llevaban en los genes. B. B. King nació en la pequeña cabaña de madera de una plantación de algodón a las afueras de Mississippi, en Berclair. Su padre, Albert King (no confundir con el otro bluesman, autor de “Born Under A Bad Sign”) abandonó a su madre y el niño (que por aquel entonces, se llamaba Riley todavía), a la edad de cuatro años, se fue a vivir con su abuela falleciendo su madre muy pronto y después de casarse por segunda vez. Siendo aún muy joven ya canta en el coro gospel y el primo de su padre, Bukka White (otro de los legendarios músicos del Delta) le regala su primera guitarra cuando el niño apenas tiene doce años, ésta cuesta poco más de doce dólares pero le sirve al pequeño King para tocarla día y noche en la iglesia y allá donde le dejen. A los diecisiete abandona el colegio para conducir tractores y seguir tocando la guitarra, se larga a Memphis con White y con veinticuatro años firma con RPM Records -aunque poco antes publicase sin pena ni gloria su primer single con Bullet Records, "Miss Martha King"- y graba en Los Ángeles con Sam Phillips tras los mandos (quien cinco años más tarde fundaría la mítica Sun Records y pasaría a la historia no sólo por descubrir a King o Howlin’ Wolf sino por sus grabaciones a Johnny Cash, Carl Perkins, Jerry Lee Lewis, Roy Orbison y, nada más y nada menos, que Elvis Presley), toca en el programa de radio de Sonny Boy Williamson II en donde éste le presenta ante su audiencia de la KWEM y además trabaja para la emisora WDIA en donde conoce a T-Bone Walker, después de tocar la guitarra y anunciar el tónico Pepticon a modo de cuña para poder tocar unos minutos en directo. 

King desarrolla una forma muy personal de tocar la guitarra en la que se escucha la claridad de sus licks con una válvula a punto de romper (ése chasquido, ése grano mágico que aporta calidez), muy poquita reverb y un vibrato ya clásico basado en un tintineante juego de muñeca y una fórmula en la que no existen los acordes (él mismo reconoce no saberse ni los nombres de éstos) si no únicamente notas, unas poquitas, con las que construye canciones enteras gracias a su expresividad. King es capaz de componer canciones enteras con tan sólo tres notas, entregando su alma al blues y sus dedos a las seis cuerdas. “My Kind Of Blues” es su sexto disco, publicado en el 61 y en apenas media hora se puede considerar un clásico y uno de los favoritos del propio King (según su propio biógrafo) que después de dar cientos y cientos de conciertos graba un álbum básico en su concepción, un año más tarde firmaría con ABC-Paramount Records. Me explico, lo que me gusta en especial de “My Kind Of Blues” es que lejos de las estridencias de una gran banda, graba una obra maestra en tan sólo una sesión de grabación (algo impensable hoy en día y que en aquellos años era muy común) en la que se siente la inmediatez con un formato clásico de guitarra, bajo y batería con el único lujo de un piano como aderezo a modo de acompañamiento, una grabación tan cruda y sencilla que es imposible enmascarar cualquier fallo de haberlo pero que en su sencillez realza lo sublime del arte de King. Nada más que por ese comienzo en “You Done Lost Your Good Thing Now” en el que la guitarra suena tan desprovista de cualquier recurso de estudio y se hace acompañar por la voz de King, ya podría haber pasado a la historia; ahí, en ese primer minuto, están todos los ingredientes de su sonido y cuando se suma la base rítmica y el piano, la canción despega y te sumerge de lleno en la noche; suena íntima, acogedora y a puro blues. En ella, King narra el desengaño pero teñido de toda la amargura propias del estilo cuando, a pesar del maltrato y del amor ya no correspondido, él suplica que le deje amarla una vez más; “You used to say that you loved me and you would do anything I said. You used to say that you loved me baby and you would do anything I said but the way you treat me now baby I would much rather be dead. You said at once that you love me. Honey, but now I believe you've changed your life. Oh you said that you love me baby but now I believe you've changed your mind but I don´t blame you baby because you ain’t what you used to be but let me, let me love one more time, baby…” 

En “Mr. Pawnbroker” se convierte en un prestamista en el que es capaz de tasar los anillos de compromiso de las mujeres que acuden a él, según los quilates; “I'm a pawnbroker, what do you want on your ring? See like every woman I loaned they want the same old thing. Have to use my tester and see if will stand the test. Don’t have nothing but the best;18 carat is okay but 14 carat will make the grade. Yes, I'm a payin' pawnbroker I pay the best price in town. Well, if you don't believe me. Baby, just lay your ring down”, un medio tiempo ligeramente más animado en el que todo encaja a la perfección y la guitarra de King suena al finalizar cada verso, cada estrofa, para terminar animándose a los dos minutos en un solo sencillo pero magnífico mientras el piano acompaña sobre una batería y un bajo que sirven de lienzo. Pide clemencia cuando llega a una nueva ciudad en la que nadie quiere ayudarle porque es pobre en “Understand (I’m A Good But A Poor Man) de Cecil Gant; “I've traveled from town to town seems like everybody wanna throw me down 'cause I'm a poor man but I'm a good man, understand” y se lamenta “My money was too light, baby. Couldn't go nowhere at all. The burden that I carry is so heavy, you see It seems like there ain't nobody in this world. Who would wanna help poor me?” pero guarda un poco de esperanza porque sabe que los malos tiempos no duran eternamente (ni hay cuerpo que los resista, por otra parte) y canta; “Just give me a break. Good things come to those who wait 'cause I've been a good man but I'm a poor man, understand”.

La versión de “Someday Baby” de Lightnin’ Hopkins sí que llega a colocarse entre los diez singles más vendidos (por lo menos de blues) y cambia de tercio en una canción en la que se echa el mundo por montera y aunque sienta todavía algo de pesar al calzarse unos zapatos con la suela agujereada (“Really give me the blues when I wore a hole in my last pair of shoes”) clama a ese sentimiento que tan bien supo resumir Elvis cuando dijo aquello de “algún día me compraré un Cadillac” y apenas tenía para una Coca Cola cuando King canta; “Someday, baby I ain't gonna worry my life anymore”. Pero King también llega a sentirse afortunado siendo la rueda motriz de su amor (manteniendo a su mujer), imaginémonos una canción así, fuera de contexto en nuestro tiempo, pero situándonos en aquellos años es lógico el orgullo del protagonista en “Driving Wheel” cuando canta su dicha y ésta es sinónimo de éxito y proesperidad; “Well, my baby don`t have to work and she don`t have to rob and steal. I`ll give her everything she needs `Cause I am her driving wheel” casi tres minutos de blues clásico y moderado en el que, lógicamente, lo mejor sigue siendo la guitarra de King y su voz, sin desmerecer el conjunto, por supuesto. El juguetón ritmo de "Walking Dr. Bill (Gotta Find My Baby)” sirve para exagerar en clave de humor la visita a un médico; King se encuentra mal pero, a pesar de acudir a consulta, el bluesman sabe perfectamente lo que necesita y es una novia; “Well, my head's in misery. My heart's in a swing I'm a walking Doctor Bill. People, my whole life is full of pain. Yes, I need my baby” y hasta la canción de Peter J. Clayton bromea con cierta ironía cuando King cree no tener “el blues” sino la insatisfacción de no encontrar a su amor; “I believe I'm gonna lose my mind. Well, I walked my bedroom floor. Hung down my head and cried. I didn't exactly have the blues I just want satisfied” 

Es el turno de la sentida “My Own Fault, Darling (It’s My Fault)” en la cual, la clásica balada blues se siente aún más melancólica cuando el protagonista asume toda la culpa del fracaso de la relación y no sólo deja que ella le trate como quiera por declararse culpable; “It's my own fault, baby. Treat me the way you wanna do” sino que descorcha el estribillo cuando admite no haberla amado: “Yes, when you were loving me, baby. At that time, little girl, I didn't love you…”, la garganta de King alcanza cierta altura e incluso se rasga en las notas más altas al igual que su guitarra suena quizá más afilada entre verso y verso.”Catfish Blues” vuelve al jugueteo del cortejo en el que él es demasiado pobre y harapiento para que le miren e incluso bromea; “Well, I wish I was a catfish. Swimmin’ in the deep blue sea I'd have all you women fishin' after me” pero cuando más me gusta el disco, cuando más disfruto de su guitarra es cuando suena más sentida y, como en “My Own Fault, Darling (It’s My Fault)”, la guitarra parece hablar y así suena en “Hold That Train”, pide que el tren no arranque “Hold that train, conductor. Please don't let that engineer start” y la canción hace rato que ya se ha puesto en marcha mientras, a los dos minutos, desgarra inusualmente algunas notas contra el diapasón en un solo cristalino. Para acabar, un clásico; “Please Set The Date” de Minnie McCoy en donde King pide que la chica fije la cita en cualquier momento menos mañana porque ya es muy tarde; “Hey baby, baby please set a date Well, don't say tomorrow 'Cause tomorrow is too far away”. 

Una obra maestra contenida en poco más de media hora de blues; de sencillo y efectivo blues en el que da gusto comprobar que la pena dura cuanto uno quiera, las inquietudes hace cincuenta años siguen siendo las mismas y el arte está hecho para ellas se tenga o no el blues en el cuerpo. King es quizá uno de los bluesman más felices que, a pesar de llevar nueve décadas a sus espaldas, no piensa retirarse y finalmente encontró el amor en sus más de quince hijos, cincuenta nietos, sesenta discos, más de una centena de singles y miles de seguidores, imposible no sonreír como él cuando uno pincha “My Kind Of Blues”.
© 2015 Jota Jiménez

Crítica: The Decemberists "What a Terrible World, What a Beautiful World"

Séptimo disco de estudio de los de Portland y es inevitable echar el freno y, antes de continuar con la reseña, acercarse a Colin Meloy y darle un apretón de manos y un par de palmadas en la espalda porque después de "The King is Dead" (2010) la verdad es que no esperaba que se pudiesen superar y ni siquiera se lo pedía a estas alturas tras un disco como el de hace cuatro años y un "Picaresque" (2005) y "The Crane Wife" (2006) seguidos. Además, por qué no decirlo; cuatro años son muchos y estaba convencido de que después de "The King Is Dead" les resultaría francamente difícil volver con algo a la altura, un digno sucesor, así que era un hipócrita porque no es que no se lo pidiese; es que ni siquiera lo esperaba, todo un descreído. Y es que The Decemberists hace tiempo que, quizá como R.E.M. (con quien guardan más de una similitud en cuanto a sonido y, como no, amigos de mandolinas con Peter Buck) y sin llegar a las cotas de éstos debido a no poseer ningún single del éxito de los mejores tiempos de los de Athens, el grupo de Meloy ha sabido oscilar de manera drástica pero sin titubear entre el indie y el pop más atemporal y radiable sin perder por ello credibilidad, como así ocurrió tras "The Hazards of Love" (2009). Abandonando el barroquismo, el exceso y a veces las innecesarias progresiones en temas de corte puramente indie-folkie, con "What a Terrible World, What a Beautiful World" dan un paso a la madurez en el cual confluyen lo mejor de su carrera y melodías redondas en una producción de Tucker Martine en la cual hay un huequecito para cada instrumento, para cada arreglo, para que las canciones vuelen y, sin llegar a empachar, suenen dulces y agradables sin caer en lo forzado y todo con buen gusto.

Recapacitando sobre su impacto en sus propios seguidores y los efectos de la fama, "The Singer Addresses His Audience" establece una conversación con el oyente en la cual Meloy te dice: "sabemos que te pertenecemos, que construyes tu vida alrededor nuestra pero debemos cambiar algo" y recurre inconscientemente a Lampedussa y "El Gatopardo" cuando dice que tienen que cambiar algo para que, en el fondo, no cambie nada. Ironiza y quita hierro al asunto cuando caen en la cuenta de que te has cortado el pelo como Rachel Blumberg en el videoclip y abren este "What a Terrible World, What a Beautiful World" de manera auténticamente gloriosa con esas voces dobladas en la ascensión hacia el estribillo y los arreglos de cuerda. Pero la canción no es más que una introducción que en su clímax te conduce en una suerte de éxtasis en el que las guitarras se desbocan sobre los violines, los metales y el piano hasta que la batería exhala su último platillazo y el amplificador se queda ronroneando como un gato lleno de feedback hasta "Cavalry Captain" en la que se descorcha toda la alegría del grupo y los días más soleados quedan ensombrecidos por tan deslumbrante comienzo; "I am the cavalry captain. I am the remedy to your heart. I am the carbon collected, I am the printing upon your stars" y los juegos de voces se muestran magníficos en el puente hacia el estribillo de nuevo, una y otra vez, una y otra vez hasta matarte de felicidad o arrancarse con un "Philomena" que suena como un pastiche de los cincuenta y los sesenta agitados, no removidos. El pizzicato es jodidamente espectacular y le añade un toque especial junto con los coros y los suspiros y creemos morir una y otra vez ante un estribillo tan delicioso: "So I’ll be your candle and I’ll be your statuette, I’ll be your lashing loop of leatherette. Aw Philomena, if only you’d let me go. Down, down down!" ¡Sobresaliente! 

"Make You Better" es un medio tiempo poco arriesgado, sí, no lo vamos a negar y no cuesta nada imaginarlo cantado por el propio Michael Stipe. "I wanted you, I needed you. Oh-oh, to make me better. Oh-oh, to make me better" y el estribillo sube hasta la luna allá donde se quedaron los mejores Jayhawks de Mark Olson. No exagero, tan sólo han pasado cuatro canciones y las cuatro son de una exquisitez pop que abruma. "Lake Song" es engañosa porque aunque lo que se lleve el protagonismo sea la voz y la guitarra acústica que marca el ritmo, si uno permanece atento encontrará la belleza en las guitarras de Chris Funks (que, por momentos, recuerdan a los punteos de free jazz de Nels Cline), los teclados de Jenny Conlee, el bajo de Query y el magnífico trabajo de percusión de Moen cuyo mayor logro es no hacerse notar pero estar ahí; al servicio de la melodía, siendo su colchón. Y Meloy canta; "And when the light broke dawn. You were forever gone but I remember you: You were full. You were full and sweet as honeydew".

Las guitarras de "Till the Water Is All Long Gone" encajan a la perfección y demuestran que la sencillez siempre es un buen aliado pero, claro, los coros se unen a la voz principal de Meloy, el bajo aparece sinuoso tras los punteos, la rítmica y el piano decoran con suaves pinceladas mientras las cuerdas dibujan sobre las palabras de Colin. Tras las últimas dos canciones, el disco había entrado en un sueño del que despertamos con "The Wrong Year" en la que la acordeón de Jenny Conlee lleva todo el peso, "And she wants you but you won't do and it won't leave you alone, and the rain falls on the wrong year, and it won't leave you alone. It won't leave…". Cuatro minutos de belleza y buen gusto. La oscura "Carolina Low" nos guía con trazas de canción tradicional, un poquito de reverb, una guitarra y la voz de Meloy antes de la folkie "Better Not Wake the Baby" en la que parece que suena un banjo pero no; ¡es el bouzouki! Y con él nos sumergimos en la irlandesa/rootsy "Anti-Summersong". Si algo está claro es que desde "Carolina Low" el disco ha cambiado susceptiblemente y, aunque "Easy "Come, Easy Go" siga siendo pop, tiene mucho menos brillo y, obviamente, es menos radiable. Me gusta el trémolo de la guitarra de Chris Funk, los efectos burbujeantes y los coros en low-fi.

Con "Mistral" parecen volver tras las pistas de Olson y Louris, de ella me gusta especialmente el puente, en el que bajan un tono y con un sostenido; "And then furrow this aching jet. The streets are built on ancient gold and the crib, and the will" elevan el estribillo de manera natural, sin estridencias;  "Woah, the mistral. Blown it all away". Y no, no podía faltar la armónica y el acompañamiento parco de una guitarra y un bombo en "12-17-12" pero The Decemberists todavía se guardan un as en la manga, sí, todavía. Nada más y nada menos que acabar con "A Beginning Song", una canción triunfal que acaba "What a Terrible World, What a Beautiful World" como empezó, por todo lo grande y Meloy; "...and i am wanting, should i be wanting? and i am hopeful, should i be hopeful? when all around me, when all around me. Is the sunlight, is the shadows, is the quiet, is the work, is the beating heart, is the ocean, is the boys, is you, my sweet..." y rematan "and the light bright light, it's all around me, all around me, all around me..." dejándonos sin aliento en un orgasmo final que te hará volver a escuchar entero el álbum. Pocas veces escucharás un disco así, pocas veces leerás una crítica como ésta...

© 2014 Jota Jiménez

Crítica: Belle And Sebastian "Girls in Peacetime Want to Dance"

Habiendo comprado “If You're Feeling Sinister” (1996) en plena adolescencia y disfrutando, sin saberlo, quizá de los mejores Belle And Sebastian me resultaría muy sencillo enarbolar la estupidísima bandera de la veteranía en sus filas, decir que Stuart Murdoch hace ya mucho tiempo que no es el de antes y la carrera de los escoceses hace años que navega a la deriva pero lo cierto es que no puedo porque “Girls in Peacetime Want to Dance” (2015) es un magnífico regreso tras cinco años desde “Belle And Sebastian Write About Love” (2010) y podría situarse perfectamente entre “The Boy With The Arab Strap” (1998) y “Dear Catastrophe Waitress” (2003). Cambio de productor, ahora es Ben Allen quien les hará entrar en calor como si éste no se respirase ya en el estudio a pesar del título del álbum que no parece nada más que pura ironía pero es que con “Girls in Peacetime Want to Dance” el grupo parece querer romper sus propias ataduras y crecer, abandonar ese pop lánguido treinteañero y pretendidamente indie para embarcarse en el gran viaje hacia la madurez. No es un camino fácil y al circo de este disco ya le han crecido convenientemente los enanos; esos seguidores que siempre querrán a los Belle And Sebastian de siempre, esos más críticos que no ven con buenos ojos los últimos discos de Murdoch y, por último, los plumillas que escriben sobre este disco con desesperanza, sin pasión y tan sólo porque es lo que toca, transmitiendo toda su tibieza, desentendimiento y poco conocimiento en la carrera de los de Glasglow sin saber, sin entender, que éstos encaran con ilusión una gira en la que presentar “Girls in Peacetime Want to Dance” y con la que esperan, si cabe, afrontar lo que queda por llegar. Tampoco vamos a ser hipócritas, el álbum no es una obra maestra y conviene pisar el freno de la ilusión por tenerles de vuelta. Aburrirá a los mismos de siempre y encantará a todos aquellos que siguen al grupo, pocos nuevos seguidores captará y tampoco recuperará a los más incrédulos, hay que tomarlo como lo que es; un disco de transición. Esperar un giro de ciento ochenta grados en la carrera de Murdoch -a pesar del fichaje de Allen para maquillar lo inmaquillable, todo hay que decirlo- o que repita jugada es absurdo. Por lo tanto, “Girls in Peacetime Want to Dance” hay que disfrutarlo en su justa medida, tomar de él lo que merece la pena y no querer encontrar lo que no se nos ofrece, para ello hay otros ocho discos anteriores en los que bucear y acomodarse.

“Nobody's Empire” abre de manera gloriosa, no vamos a decir que sea lo mejor de Belle And Sebastian ni que recuerde vagamente a ello pero es una entrada triunfal, el videoclip con la ayuda de los fans del grupo es ligeramente conmovedor y dudo que mucha gente se pueda sentir engañada con semejante carta de presentación pero quizá sea en “Allie”, su aire sixties y su pegada -clásicamente inglesa- lo que haga que se pegue como un chicle. No digo que sea un single como “Nobody's Empire” ni que vaya a reventar las listas pero me gusta y transmite ese humor melancólico, mustio, nublado, grisáceo y "clásicamente anglo" con esas guitarras melancólicas ligeramente coloreadas con un poquito de fuzz. La mano de Allen es más que evidente en “The Party Line” en donde consiguen ponerse pedorros y resultar hasta plenamente kitsch, es lo que pasa cuando intentas mezclar a Animal Collective, sin éxito, con Belle And Sebastian o el envoltorio estético y sintético de Bombay Bicycle Club. Pero la mano de Allen se siente quizá más aún, lejos de sonoros experimentos, cuando intenta la cuadratura del círculo y mezcla lo analógico y lo digital o intenta hacerles sonar más actuales con las herramientas de siempre, como ocurre en “The Power of Three” con Sarah Martin como protagonista.

Me gusta lo emocional de “The Cat with the Cream” a pesar de que nunca termine de despegar; es lo más parecido a esperar el subidón de una bebida enérgetica tomando una infusión pero los arreglos de cuerda son deliciosos y aprueba la reválida. Pero si con “The Party Line” asistíamos a todo un experimento, con “Enter Sylvia Plath” entramos en pleno éxtasis electrónico, casi siete minutos de cabalgada pseudo-techno en el que, sin embargo, hay que aplaudir el valor porque Belle And Sebastian dejan de sonar a ellos mismos y nos encontramos a unos New Found Glory remozados. Y es verdad que el esfuerzo es loable porque en éste “Girls in Peacetime Want to Dance” los supuestos experimentos ocurren en las canciones con más duración, parecen estar jugándose todo a la carta más alta porque probar en tres minutos no tiene emoción, debe producirle el mismo vértigo a Murdoch ni el mismo tedio a sus fans.

La mejor del conjunto resulta “The Everlasting Muse” con su comienzo jazzy y sus constantes cambios de ritmo folkies. Pero Murdoch y Allen no quieren dejar de sorprendernos y no contentos con “The Party Line” o “Enter Sylvia Plath”, se sacan un as de la manga en el que nadie parece haber caído, pero el comienzo de “Perfect Couples” es un auténtico robo a mano armada, con premeditación y alevosía, a Geinō Yamashirogumi. Nada que objetar porque pronto utilizan el “fade” y aparecen las guitarras y las voces dobladas para caminar sobre la base de Yamashirogumi y añadir efectos especiales más propios de serie B que otra cosa. Las aguas vuelven a su cauce con el estilo clásico de Belle And Sebastian y esos juegos desacompasados entre guitarra y voz que tanto nos gustan en “Ever Had a Little Faith?”

Pero, ¿qué sería de la vida sin un poquito de riesgo? Eso debieron pensar Murdoch y Allen para volver a los experimentos en la más larga de todo “Girls in Peacetime Want to Dance”, más de siete minutos en “Play for Today” con Murdoch a dúo con Dee Dee Penny de Dum Dum Girls que, a veces engancha y a veces sonroja. De nuevo Sarah Martin en la colorida “The Book of You” y un final tristón y descorazonador con “Today (This Army's for Peace)” para un disco que produce sentimientos encontrados y en el que Belle And Sebastian son capaces de lo mejor y de lo peor (aunque sea sublimemente adornado) y en el que sus fans más clasicorros, esos con las mangas de los jersey absurdamente largas y tabaco de liar, sentirán hasta cierto rubor escuchando algunas de las nuevas canciones pero, por otro lado, hay que saludar este nuevo álbum con buen humor porque Murdoch y los suyos están creciendo, están madurando poco a poco con todo el equipaje de sus anteriores canciones sobre sus espaldas y les costará encontrar el camino. El problema de Belle And Sebastian con este disco y la senda que abre no es que no sean capaces de crecer como artistas sino que pueden perder a todos aquellos seguidores que ya han crecido. Irregular pero con buenas ideas, el clásico disco que puede servir de puente para construir o convertirse en el punto de inflexión hacia el hundimiento. Tan valiente como aburrido.

© 2014 Jim Tonic

KRISTONFEST 2015: Fiestas presentación con SLEEP, TORCHE, ATOMIC BITCHWAX y HORISONT

El Kristonfest 2015 viene con novedades respecto al formato de las anteriores ediciones: Por primera vez se organizarán fiestas de presentación con actuaciones de grupos internacionales en Barcelona (24 Abril), Madrid (9 Mayo) y Bilbao (16 Mayo), donde se harán sorteos de entradas, merchandising y alguna sorpresa más.

Tras estas fiestas, la cuarta edición del Kristonfest tendrá lugar el SÁBADO 27 JUNIO 2015 en la bilbaína Santana 27. Atentos porque en unos pocos días iremos anunciando los primeros artistas que encabezarán el Kristonfest 2015.

Por primera vez en la historia, los míticos SLEEP actuarán en nuestro país y será en la fiesta presentación que el KRISTONFEST ha organizado en la barcelonesa sala Bikini para el Viernes 24 Abril 2015. SLEEP solo ofrecerá 2 únicos conciertos en todo Europa, el de Barcelona y su aparición como cabeza de cartel en el Desertfest de Londres.

Todo lo que se pueda decir de este grupo y la influencia que ha supuesto su existencia en el mundo del stoner-rock/metal es cierto aunque insuficiente, ya que nunca consiguieron llegar a las cotas de popularidad y ventas que si consiguieron sus amigos, contemporáneos y también californianos KYUSS. Problemas con su discográfica y la popularidad de sus proyectos paralelos (Matt Pike con HIGH ON FIRE, Al Cisneros con OM, etc…) hicieron que en 1995 los miembros de SLEEP decidieran disolver el grupo y dedicarse al 100% a sus otros grupos. Tuvieron que pasar 15 años hasta que el festival ingles ATP consiguiera convencerles para que actuaran en la edición del 2009. Desde entonces, sorprendidos por la atención mediática que despertaron y el crecimiento de su base de fans por todo el mundo, SLEEP no ha parado de girar por USA y Europa principalmente, aunque también lo han hecho por Sudamérica y Australia. Festivales de renombre se han disputado al grupo al ser obvio que el público considera a SLEEP una referencia en la historia del stoner, ya que supieron crear un estilo único partiendo de los sonidos mamados de BLACK SABBATH y la psicodelia de los grupos de los ´60s principalmente.

A mediados de 2014 el propio grupo nos sorprendía con nuevo material, el primero en veinte años, demostrando que SLEEP está más vivo y en forma que nunca.

Los norteamericanos The Atomic Bitchwax y los suecos Horisont serán los artistas que den forma a la fiesta de presentación que el KRISTONFEST celebrará el próximo 16 Mayo 2015 en el bilbaíno Kafe Antzokia. Ambos grupos nos visitarán presentando sus nuevos trabajos de estudio, donde el stoner-rock vendrá dado por los ya veteranos THE ATOMIC BITCHWAX (power trio formado por músicos de MONSTER MAGNET, BLACK NASA, etc...) y el hard-rock de corte mas setentero de la mano de HORISONT, punta de lanza de una nueva generación de músicos que revitalizan el rock clásico y el blues-psicodélico

Culminada ya la celebración de sus diez años de carrera con “Harmonicraft” (2013 / Volcom Entertainment), Torche vuelve en 2015 con un nuevo álbum, el primero a través del sello de culto Relapse Records y bajo el título de "Restarter". Su último disco de estudio será publicado el 24 Febrero 2015 y embarcará al grupo en una gira americana junto a Clutch y Lionize para posteriormente venir a presentarlo a Europa.

Estos doce años de carrera encumbran a Torche como uno de los mejores y mas activos grupos de sludge-stoner-rock a nivel mundial, aportando un estilo propio que marca la diferencia sobre grupos de cabecera como Mastodon, Melvins o Black Sabbath…. Hecho que hace de Torche un grupo único y muy apreciado por sus fans. Giras por USA y Europa con artistas como Kvelertak, Mogwai, Isis, Baroness, Converge, Jesu, Dredg, Coheed and Cambria, The Sword, etc…han hecho de Torche una máquina sólida, experimentada, llena de detalles y perfectamente engrasada encima de un escenario, lo que se traduce en actuaciones inolvidables de calidad garantizada.

Crítica: Marduk "Frontschwein"

Cuanto más pasa el tiempo más me fascina y me sorprende el enorme poder de adaptación que ha experimentado Mortuus en Marduk. Suplantar a un personaje del calibre de Legion no se planteaba tarea sencilla para cualquiera, pero es que el frontman de Funeral Mist ha demostrado ser de otra pasta y ha llegado a cuajar a la perfección en una banda donde el black metal es poco menos que una religión y una forma de vida. Todos sabemos que los años más fructíferos de Marduk fueron aquellos en los que Legion hizo acto de presencia con su característica y legendaria voz, aquellos que abarcan desde "Heaven Shall Burn..." (1996) hasta "World Funeral" (2003), alcanzando su punto más álgido con la edición de "Panzer Division Marduk" en 1999, uno de los discos más importantes del black metal… La forma de cantar de Mortuus puede que no sea la más ortodoxa, y digamos eficiente, para las personas afines al metal extremo. No son pocas veces las que escuchamos alguna que otra "gárgara" salir de su garganta en determinados pasajes o fraseos de las estrofas más rápidas a las que tiende a ser expuesto, aunque los que ya le conocemos por su trabajo en Funeral Mist, sabemos sobradamente cuál es su forma de cantar. Nunca me ha gustado alimentar los eternos debates entre músicos, ofreciendo las interminables listas de elegir entre unos u otros. El debate entre Legion y Mortuus pienso que está más que zanjado, posiblemente lo estuvo desde el primer día que Mortuus llegó a Marduk. Ya no son pocos los años que lleva Rostén cubriendo a la perfección las labores de vocalista en Marduk, concretamente desde "Plague Angel" (2004), por cierto uno de mis discos favoritos de los suecos. Temas como "Throne Of Rats", "Steel Inferno" o "Everything Bleeds" pienso se muestran como los mejores defensores para aquellos que piensen que mi afirmación es cuando menos un tanto atrevida. Pero es que si algo positivo tiene Mortuus, es que con él Marduk no conoce disco malo. Entraremos en el eterno debate personal y subjetivo de que si este disco me gusta más o menos que este otro; pero como decía Buda, "hay tres cosas que no se pueden ocultar por mucho tiempo: el sol, la luna y la verdad", y sinceramente, la verdad de Mortuus en Marduk ya hace mucho tiempo que se ha destapado.

Con "Frontschwein" Morgan ha querido dar continuidad a "Serpent Sermon" componiendo un disco sobrio y eficaz con el que ningún fan del black metal va a sentirse defraudado. Morgan como fundador y principal compositor es el que mejor conoce su acierto con "Panzer Division Marduk", y como tal conocedor siempre ha querido buscar una segunda parte o un heredero legítimo de aquella obra de 1999. El Panzer de su portada clásica, posteriormente sustituido por un tanque inglés (en la más conocida) nunca dejó de recorrer su inquieta y enferma mente. En el año 2011 se atrevió a recuperar parte de aquel espíritu bélico lanzando al mercado el EP "Iron Dawn", un trabajo que contenía tan solo tres temas, pero que funcionaron a la perfección, y le demostraron que los tanques tenían mucho juego en una banda como Marduk, ya que muchos de sus fans quisimos ver en aquel mini-ábum una reencarnación de su mejor obra. Reencarnación que ya lucía desde la portada, donde el carro de combate volvía a ser el principal protagonista de la muerte y destrucción que posteriormente afligían de forma despiadada con su música y con sus letras. 

Con "Frontschwein" Marduk vuelven a recuperar el espíritu combativo y bélico que tan buen resultado les ha dado en el pasado. La portada ya se muestra como un buen escaparte a lo que nos vamos a encontrar en el interior. La guerra, el dolor y la muerte se percibe desde el segundo uno del tema homónimo que abre el álbum. Al igual que ocurrió con "Serpent Sermon", y como no, con "Panzer Division Marduk", la primera canción además de ser la que otorga nombre y apellidos al álbum, es la que va a marcar el ritmo y el devenir del resto de temas. "Frontschwein" sorprende en un primer momento por la melodía de las guitarras de Morgan, surcando a sus anchas y ejerciendo de animadoras y calentando al personal antes de que el gran protagonista salga a escena...Mortuus vuelve a demostrar su maestría y el gran momento de forma por el que atraviesa en una canción que asciende por segundos y donde su nuevo batería, Fredrik Widigs, nos deja muy buenas señales. Todo lo contrario que en "The Blond Beast", donde Fredrik se tira más de cuatro minutos sin cambiar un ápice el ritmo de su batería, tan solo adornado de vez en cuando con el uso de unos platillos llorosos y apagados. El tema es demasiado lineal y simétrico, no cuaja para nada, ya que no tiene los cambios de ritmo que tanto nos gusta escuchar en un tema de Marduk.

Por suerte con "Afrika" la banda da un giro de 180 grados y volvemos a subirnos en una montaña rusa de cambios fugaces y trepidantes, capaces de acelerar nuestro corazón y confundir nuestra mente. Doble bombos y locura sonora que extenúa y exprime nuestros sentidos más paganos. La sin razón llega con "Wartheland", uno de los mejores cortes de "Frontschwein", donde la guerra y la destrucción vuelve a ser la principal receta de la que echa mano Morgan para convertir la pieza en todo un señor single con el que mostrar al mundo su astucia y virulencia. No en vano "Wartheland" ha sido el corte elegido por su discográfica, Century Media, para dar a conocer el sonido "Frontschwein" al planeta Tierra...

"Rope Of Regret" es quizá menos elaborada que "Wartheland" pero lo que pierde en complejidad lo gana en virulencia y versatilidad. Estamos ante uno de las canciones más directas y alocadas del nuevo álbum, donde los dobles bombos imprimen un ritmo satánico y donde las cuerdas de la Esp de Morgan llegan a llorar de dolor. Todo un lujo para los que disfrutamos con los Marduk más rápidos e incisivos...A nivel personal elegiría como mejor tema de "Frontschewein", " Between the Wolf-Packs", gracias a unas guitarras de las que no resulta difícil enamorarse a primera escucha. La melodía es en este caso su principal arma y baza de combate, que en combinación con el trepidante ritmo que imprime Fredrik desde los bombos dan como resultado un "little boy" lanzado desde un bombardero B29.

"Nebelwerfer" de ritmo más lento y pesado, es la típica canción que te destruye y aniquila poco a poco, ayudada por un ritmo tan denso y compacto, que se podría cortar con un cuchillo. Por su parte "Falaise-Cauldron of Blood" muestran el lado más salvaje y agresivo de una banda venida a más en popularidad y aceptación con el paso de los años. En "Doomsday Elite", el tema más largo firmado en "Frontschwein", la fuerza radica en el espectacular trabajo vocal que son capaces de encarnar las cuerdas vocales de Mortuus, donde el vocalista parece moverse y danzar como pez en el agua ante los vaivenes a los que es expuesto con los cambios de ritmo más trepidantes y locuaces que os encontraréis en el álbum. "503" nos mete de lleno en "Panzer Division Marduk" por dos motivos; el primero por su título, claramente relacionado con el séptimo corte que se incluía en el clásico de 1999 ("502"), y en segundo lugar (y desde mi punto de vista el más llamativo) por el enorme parecido y los continuados efluvios que tiene de "Blooddawn", uno de los tesoros más valiosos de la corona sueca y el tono con el que un servidor despierta cada mañana desde hace unos cuantos años. Todo un lujo para nuestros oídos y un recuerdo para nuestra memoria.

El álbum finaliza de forma brutal con "Thousand-Fold Death", otro de mis temas favoritos (y ya van unos cuantos); un tema explosivo donde Morguus vuelve a dar el do de pecho, cantando sus frases a una velocidad no apta para cualquiera y donde las guitarras vuelven a demostrar que tienen cuerpo y presencia, volviendo una vez más a ser veloces como el rayo, pero en este caso acompañadas de un componente melódico y rítmico que las convierten en resultonas y coquetas. En resumidas cuentas, "Frontschwein" podría definirse como uno de los discos más brutales de Marduk, tan sólo empañado mínimamente por "The Blond Beast". Ya contamos los días para verles de gira en España el próximo mes de Marzo, acompañados por los blackers austriacos Belphegor. Como ya os podréis imaginar, aquí os lo contaremos...

© 2015 Lord Of Metal


Concierto: Emperor (Clisson, Hellfest) 22.06.2014

SETLIST: In the Nightside Eclipse Intro/ Into the Infinity of Thoughts/ The Burning Shadows of Silence/ Cosmic Keys to My Creations & Times/ Beyond the Great Vast Forest/ Towards the Pantheon/ The Majesty of the Nightsky/ I Am the Black Wizards/ Inno a Satana/ Ancient Queen/ Wrath of the Tyrant/ 

No es ningún secreto que Ihsahn está plenamente centrado en su carrera en solitario -la cual últimamente le está dando más alegrías que nunca ya que su esfuerzo se está viendo recompensado- y resucitar a Emperor no entraba en sus planes y así lo cuenta el propio Vegard cuando habla de su reunión con Samoth y Faust: "Samoth y yo estábamos hablando y llegó el 20 aniversario de este disco. No es un secreto que yo he sido reacio a hacer el tema de la reunión porque quiero centrarme en mis prioridades como artista en solitario. La gente nos ha preguntado siempre por conciertos de Emperor y, como fan, puedo entender ese tipo de nostalgia, pero estoy mucho más metido en mi actual trabajo. Ahora siento que tengo una base mucho más sólida en cuanto a mi carrera en solitario, y puedo apreciar mejor el pensar en celebrar este disco que fue un gran punto de entrada para nosotros. Al comienzo de mi carrera como artista en solitario es cierto que creé una cierta barrera entre Emperor y mi trabajo como solista, pero tras los últimos discos he sido capaz de recuperar ese sentimiento de black metal de la vieja escuela. Es de hecho una parte fundamental de mi vena creativa, incluso aunque los arreglos y el punto de mi música actual sea muy diferente a día de hoy, puedo sentir que la fuente en su forma primigenia es bastante similar a la que tenía cuando empezamos. Cuando Emperor toque en estos festivales el próximo año, quiero ser capaz de tocar esas canciones con la convicción y la autenticidad de antes" . Por lo que ser testigo de excepción de la gira veinte aniversario de su primero disco, el mítico “In The Nightside Eclipse” en el mejor festival de Europa no era algo que pudiésemos dejar escapar y, si el año pasado fuimos testigos de la actuación de Ihsahn presentando el poderoso “Eremita”, el morbo de verle con Samoth y Faust resucitar, nada más y nada menos, que al viejo emperador noruego era irresistible.

Pronto saltó la noticia, Emperor no sólo estaría en Wacken y el Hellfest sino también en el Sweeden Rock o Bloodstock. Ihsahn se haría acompañar de Samoth y Faust para tocar íntegramente “In The Nightside Eclipse” pero rápidamente y para acallar todo tipo de rumores Ihsahn anunció que no habría más conciertos tras la gira y mucho menos un nuevo disco, volvería a centrarse en su propia carrera en solitario y la producción de otros artistas. Algo que agradezco ya que la carrera de Ihsahn en solitario es lo suficientemente interesante y variada como para hacer las delicias de los seguidores del Black Metal, Progresivo e incluso géneros más calmados e intimistas, con lo que no hay necesidad de resucitar el espíritu de hace veinte años y anclarse en un único estilo. Y así, tras la arrolladora actuación de Behemoth y una descafeinada aparición de lo que queda de Soundgarden, todo se dispuso para recibir a Ihsahn Samoth y Faust sobre las tablas. Un enorme muro de pantallas Marshall (a excepción de los Blackstar de Ihsahn) presidía el escenario y puntual sonaba la introducción de “In the Nightside Eclipse”. Algo que me gusta especialmente de Ihsahn y esta nueva versión de Emperor es la dignidad con la que acometen los conciertos. Lejos quedó cualquier rastro estético del Black Metal a excepción del color negro. Para que nos demos cuenta, Ihsahn prescinde de su Ibanez negra o Red Sunburst de ocho cuerdas para armarse con una impoluta Ibanez Iceman blanca, lejos quedaron las muñequeras y las hombreras, bienvenidas las gafas de pasta; ahora Ihsahn, Samoth y Faust son sólo músicos ya maduros que ejecutan a la perfección una obra que firmaron en la veintena y, honestamente, prefiero que así sea.

Tras la introducción de "In The Nightside Eclipse", un cielo francés nublado y tristón y unas parcas llamaradas a pie de escenario,  Emperor atacan "Into The Infinity Of Thoughts" a toda velocidad. El volumen es ensordecedor y volvemos a escuchar la clásica y chillona voz de Ihsahn de sus mejores años blackmetaleros, cambio de ritmo y a todos nos parece mentira estar escuchando esta canción tantos años después de haber sido escrita. Ihsahn saluda al grito de "Hellfeeeeeeest!" y se presenta: "Estamos aquí de nuevo, después de mucho tiempo, celebrando nuestro primer disco "In the Nightside Eclipse", ¿estáis preparados para celebrarlo con nosotros?" y el charles de Faust anuncia "The Burning Shadows Of Silence", Faust e Ihsahn se miran y se ponen de acuerdo en los riffs mientras descargan una tormenta sobre Clisson. Un Ihsahn, inusualmente hablador, vuelve a presentar la siguiente canción y Faust llena de negrura el festival con "Cosmic Keys To My Creations & Times", aquí la voz del noruego ya ha terminado de rasgarse y, aunque haya perdido potencia y se apoye en las segundas voces para los guturales, en "Cosmic Keys…" ya sí que percibimos cierta nostalgia noventera al sentirnos ante la presencia de Emperor.


Después de darnos las gracias, es el turno de "Beyond the Great Vast Forest" que, con un tempo mucho más lento, nos da cierta tregua. Los teclados en Emperor siempre fueron algo característico de su firma pero aquí es donde nos damos cuenta de lo importante que son al llenar los huecos de la composición, dotarla de densidad y crear atmósfera ahora que ha oscurecido y las luces del escenario ya sí se aprecian sobre los músicos. Precisamente, el teclado de Einar Solberg es esencial en la introducción de "Towards the Pantheon" que logra transmitir cierta melancolía y un aura de intranquilidad junto a las notas de la Ibanez de Ihsahn hasta que la canción se desboca y con el ahogado grito de éste vuelve a zambullirnos en toda la oscuridad noruega posible. El caos llega de la mano de una composición tan anárquica y violenta como es "The Majesty of the Nightsky" cuyas guitarras suenan auténticamente orgásmicas en directo cuando llega el clímax de la canción mientras que una de mis favoritas,  "I Am the Black Wizards", se convierte en un torbellino escupido por el grupo bajo luces verdosas con un Samoth ya caliente desde hace un buen rato tocando uno de los riffs más emblemáticos de toda la historia del metal extremo. El público vitorea al grupo mientras Ihsahn presenta a Faust y gruñe: "Inno A Sataaana!!!!" que cierra el concierto de manera machacona y fulgurante.


Es el momento de los bises, el escenario se tiñe de rojo sangre, Ihsahn presenta a Samoth y comienza a sonar "Ancient Queen" de "Wrath Of The Tyrant" y precisamente ésta como broche de oro a una actuación histórica que tardaré mucho, mucho tiempo en olvidar. Ihsahn cerraba el círculo celebrando "In the Nightside Eclipse", reuniéndose con Emperor y yo con él, volveremos a vernos, Vegard…


© 2014 J.Cano

KRISTONFEST 2015: Fiestas presentación con SLEEP, TORCHE, ATOMIC BITCHWAX y HORISONT

El Kristonfest 2015 viene con novedades respecto al formato de las anteriores ediciones: Por primera vez se organizarán fiestas de presentación con actuaciones de grupos internacionales en Barcelona (24 Abril), Madrid (9 Mayo) y Bilbao (16 Mayo), donde se harán sorteos de entradas, merchandising y alguna sorpresa más.

Tras estas fiestas, la cuarta edición del Kristonfest tendrá lugar el SÁBADO 27 JUNIO 2015 en la bilbaína Santana 27. Atentos porque en unos pocos días iremos anunciando los primeros artistas que encabezarán el Kristonfest 2015.

Por primera vez en la historia, los míticos SLEEP actuarán en nuestro país y será en la fiesta presentación que el KRISTONFEST ha organizado en la barcelonesa sala Bikini para el Viernes 24 Abril 2015. SLEEP solo ofrecerá 2 únicos conciertos en todo Europa, el de Barcelona y su aparición como cabeza de cartel en el Desertfest de Londres.

Todo lo que se pueda decir de este grupo y la influencia que ha supuesto su existencia en el mundo del stoner-rock/metal es cierto aunque insuficiente, ya que nunca consiguieron llegar a las cotas de popularidad y ventas que si consiguieron sus amigos, contemporáneos y también californianos KYUSS. Problemas con su discográfica y la popularidad de sus proyectos paralelos (Matt Pike con HIGH ON FIRE, Al Cisneros con OM, etc…) hicieron que en 1995 los miembros de SLEEP decidieran disolver el grupo y dedicarse al 100% a sus otros grupos. Tuvieron que pasar 15 años hasta que el festival ingles ATP consiguiera convencerles para que actuaran en la edición del 2009. Desde entonces, sorprendidos por la atención mediática que despertaron y el crecimiento de su base de fans por todo el mundo, SLEEP no ha parado de girar por USA y Europa principalmente, aunque también lo han hecho por Sudamérica y Australia. Festivales de renombre se han disputado al grupo al ser obvio que el público considera a SLEEP una referencia en la historia del stoner, ya que supieron crear un estilo único partiendo de los sonidos mamados de BLACK SABBATH y la psicodelia de los grupos de los ´60s principalmente.

A mediados de 2014 el propio grupo nos sorprendía con nuevo material, el primero en veinte años, demostrando que SLEEP está más vivo y en forma que nunca.

Los norteamericanos The Atomic Bitchwax y los suecos Horisont serán los artistas que den forma a la fiesta de presentación que el KRISTONFEST celebrará el próximo 16 Mayo 2015 en el bilbaíno Kafe Antzokia. Ambos grupos nos visitarán presentando sus nuevos trabajos de estudio, donde el stoner-rock vendrá dado por los ya veteranos THE ATOMIC BITCHWAX (power trio formado por músicos de MONSTER MAGNET, BLACK NASA, etc...) y el hard-rock de corte mas setentero de la mano de HORISONT, punta de lanza de una nueva generación de músicos que revitalizan el rock clásico y el blues-psicodélico

Culminada ya la celebración de sus diez años de carrera con “Harmonicraft” (2013 / Volcom Entertainment), Torche vuelve en 2015 con un nuevo álbum, el primero a través del sello de culto Relapse Records y bajo el título de "Restarter". Su último disco de estudio será publicado el 24 Febrero 2015 y embarcará al grupo en una gira americana junto a Clutch y Lionize para posteriormente venir a presentarlo a Europa.

Estos doce años de carrera encumbran a Torche como uno de los mejores y mas activos grupos de sludge-stoner-rock a nivel mundial, aportando un estilo propio que marca la diferencia sobre grupos de cabecera como Mastodon, Melvins o Black Sabbath…. Hecho que hace de Torche un grupo único y muy apreciado por sus fans. Giras por USA y Europa con artistas como Kvelertak, Mogwai, Isis, Baroness, Converge, Jesu, Dredg, Coheed and Cambria, The Sword, etc…han hecho de Torche una máquina sólida, experimentada, llena de detalles y perfectamente engrasada encima de un escenario, lo que se traduce en actuaciones inolvidables de calidad garantizada.

Crítica: Sylosis "Dormant Heart"

Tras más de dos años de la primera edición de "Monolith", Sylosis, una de las bandas más prometedoras de rock duro con las que cuenta actualmente la todopoderosa Inglaterra, vuelven a ser noticia, ya que en estos días el sello alemán Nuclear Blast (con el que llevan desde su debut en 2008, "Conclusion Of An Age") pone en circulación su nuevo trabajo de estudio, titulado "Dormant Heart". Josh Middleton vuelve a la carga en esta ocasión con un larga duración lleno de sonidos death, algún toque thrash y mucho metal técnico. Como primer apunte podemos decir que el nuevo álbum no defraudará a ninguno de sus fans, ya que si algo positivo tienen Sylosis desde sus comienzos, es que en estudio nunca fallan, comportándose siempre como un bloque sólido, macizo e infranqueable. Resaltamos la palabra "estudio" porque no podemos decir lo mismo de su habilidad en directo, al menos de la última vez que les vimos en directo dentro del marco del Resurrection Fest del año 2013...

En aquella ocasión, y como ya comentamos en esta página en el análisis que hicimos de dicho festival, la banda de Reading no supo estar a la altura presumida, convirtiendo su concierto (por cierto, uno de los más esperados del que suscribe estas palabras) en un auténtico recital de aburrimiento y desidia. Es cierto que la hora que tenían asignada para salir al escenario no era las más idónea (las dos de la mañana), pero contaban con la singular ventaja de tocar en el escenario principal; y si una banda que se está dando a conocer tiene esa oportunidad, pienso no debería desperdiciarla y dejarse los cuernos y lo que haga falta para salir por la puerta grande. Desde mi punto de vista, lo más alarmante del concierto fue el comportamiento estanco y hasta cierto punto antipático que mostró Josh Middleton, tan sólo corregido y compensado, en parte, por el carácter afable y bonachón que mantuvo siempre y en todo momento Alex Bailey, corriendo de un lado a otro del escenario e incitando a los presentes a hacer lo mismo.

Sylosis es una banda que ha ido creciendo y se ha ido afianzando disco tras disco. Sus comienzos no fueron nada sencillos, ya que como la mayorías de bandas los continuos cambios de músicos y formación no fueron una excepción en su caso. Recordemos que Josh Middleton no desempeñó siempre el papel de vocalista dentro de la banda, en "Conclusion Of An Age", para muchos su mejor álbum, dichas labores las ocupaba entonces Jamie Graham, un fantástico cantante que encajó a la perfección en el proyecto que Josh tenía en mente en aquellos momentos, pero que por desgracia no acabó por cuajar del todo dentro de la retorcida mente del frontman. Tras su macha y probar con otros cuatro cantantes diferentes, Middleton decide agarrar el toro por los cuernos, siendo él mismo el que a partir de entonces ocupe el puesto de vocalista además del de guitarra solista.

Tras dos grandes discos como "Edge Of The Earth" (2011) y "Monolith" (2012) Josh vuelve a erigirse como el máximo artífice y principal compositor de Sylosis, aunque en los créditos aparezca que toda la música está compuesta por todos los miembros. "Dormant Heart" tiene los ingredientes principales de sus dos últimos trabajos, si acaso resaltando un tanto más su aspecto técnico y laborioso, sobre todo en lo concerniente al sonido de las guitarras. Si echamos un vistazo rápido a su portada, la presencia del Nazgul y la imagen de un cordero moribundo a punto de ser degollado (al más puro estilo del "Evangelia Heretika" de Behemoth) podían dar ciertas señales de que podríamos encontrarnos con un disco más oscuro y siniestro; pero tampoco ése es un aspecto o una característica que prime demasiado en "Dormant Heart". Puede que haya algún toque o alguna pincelada de atmósferas más oscuras o densas (no vamos a negarlo), pero en cualquier caso no es ése el marco general por el que se han decantado...Tras la breve "Where the Wolves Come To Die" que hace las veces de intro y no sin cierto aire sinfónico en algunas partes, llega la explosión sónica que todo fan de metal espera en los primeros compases de un álbum. "Victims And Pawns" se convierte en un señor tema que arranca de manera magnífica con el redoble de batería de Rob Callard (apuntemos que Callard fue el encargado de grabar las pistas de batería del álbum, aunque posteriormente dejara su puesto en favor de Ali Richardson de Bleed From Within) y que ya muestra desde su inicio el componente técnico de las guitarras de Alex y Josh; y donde ambos guitarristas dejan el pabellón muy alto con un solo claro como un cristal y acelerado como un misil. 

El tema homónimo tiene un inicio más pausado y tranquilo, aunque no tarda mucho en coger fuerza y empuje motivado por los riffs más cortos y letales de "Dormant Heart". La batería se muestra apabullante, se nota a un Rob crecido y bien plantando, queriendo convertir su instrumento en el epicentro del sonido de Sylosis, cosa que por otra parte lleva haciendo desde "Conclusion Of An Age" (2008). "To Build a Tomb", al igual que la mayoría de temas del disco, se acentúa y prima su presencia más en el death que en el thrash metal. Viendo lo visto, parece que Josh quiere virar un el rumbo de su viaje, descentralizándose un poco (o un mucho, según como se mire) del thrash metal "moderno" que marcaron sus dos últimos trabajos, para poner en su punto de mira en el death metal de corte melódico y técnico. Si analizamos los gustos de Josh veremos que en muchas entrevistas tiende a tirar de bandas de componente técnico, tal y como puedan ser los polacos Decapitated o los franceses Gojira. Bien es cierto que sus gustos son muy variopintos, pasando desde Metallica hasta Slipknot y desde Rush hasta Tool.

"Overthrown" abraza en ciertos momentos una tonalidad metalcore que no me acaba por convencer del todo. Josh modula su voz, realizando unos registros limpios que chocan con el sonido y con el alma que debe tener Sylosis para no perder su identidad. Por su parte "Leech" es una gran composición, un tema con una presencia mucho más thrash metal en sus líneas, y con un componente épico fantástico, lo que conduce y guía a Middleton a cantar con un alma y un sentimiento raramente visto anteriormente en su figura. Sin duda, una de mis favoritas y una canción con un alto componente "hit" en su haber.

"Servitude" viene marcada por un ritmo denso y compacto, lo que lo convierten por fuerza propia en un tema copioso y opulento. Una de las características que más me gustan de la canción es que esta vez Josh no se enroca una y otra vez en imitar el rango vocal de Matt Heafy (Trivium). Si un día ambos vocalistas hicieran un dueto yo tendría serias dudas para poder distinguir quién estaría cantando en cada momento. Por otra parte he de decir que me fascina el cambio de ritmo rompe-cinturas y rompe-cuellos que impone Rob en su parte intermedio, acelerando el tema un 200% y descargando las guitarras las notas más técnicas y sibilinas que os vais a encontrar en "Dormant Heart". "Indoctrinated" destaca por su furia y por su garra; no sería descabellado decir que estamos ante una de las canciones más rápidas y convulsas de la discografía de Sylosis. Hasta ahora todo parecía un juego de niños comparado con esta maravilla, así que damas y caballeros, prepárense para disfrutar de la canción más thrasher y jodidamente enrevesada del disco. "Indoctrinated" es una bomba de principio a fin, una bala que el cuarteto británico tenía muy bien guardada en la recámara para hacer las delicias de los que amamos las guitarras afiladas y veloces. Toda una composición magnánima que disfrutaréis de principio a fin, mi favorita...

De "Harm" podríamos reseñar que es la pieza que viene diseñada con más componentes técnicos que ninguna otra del álbum. No es difícil ver en ciertas partes de la misma (sobre todo en los punteos y solos) determinada similitud con varios de los temas de "Sun Eater" de los americanos Job For A Cowboy; otra de las bandas que ha dejado aparcado su sonido clásico (en este caso el deathcore) para centrarse en un death metal más técnico y goloso. "Mercy", su primer single, y el tema que dio a conocer "Dormant Heart", lleva hasta su último extremo el sonido clásico y casto de la banda. Una pieza muy en la onda de otros singles anteriores como "Fear The World" o "A Serpents Tongue", y donde el componente melódico y gutural, adornados por una sucesión de punteos cristalinos, forman el ADN de Josh y compañía.

"Callous Souls" tiene por su parte un comienzo muy duro, guiado por unas guitarras hasta cierto punto saturadas, que emborronan en parte su calidad y buena predisposición inicial; mientras que "Quiescent" se convierte en una castaña infumable e inaguantable. Más de nueve minutos de sopor que no tienen ni un sólo aliciente para que no dar al "stop" antes de que finalice por sí sola; y eso que lo "mejor" llega en la segunda parte, pero es que ni con esas. Un corte donde la voz clara y anodina de Josh Middleton se muestra totalmente incapaz de alcanzar un mínimo de calidad, provocándote un sentimiento de amargura y desidia. Algunos dirán que es una belleza, otros dirán que es magnífica; yo diré que es una auténtica basura difícilmente defendible e indigna para finalizar un álbum de Sylosis.

En términos globales diremos que es un buen álbum, no es una obra maestra pero sí tiene varios temas que se dejan querer. A ver que les depara el futuro...

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