Crítica: Behemoth "Messe Noire"

Era del todo lógico que Behemoth quisiesen cerrar una etapa como la de “The Satanist” por todo lo alto, con un directo como el que nos ocupa, “Messe Noire”. Para aquellos poco familiarizados con los polacos y su álbum del 2014 (que celebran con esta publicación), no sólo estamos hablando de uno de sus mejores discos o aquel que resume a la perfección el elán vital de la banda y su carismático líder, sino también todo un punto de inflexión en su carrera y sus propias vidas (por no mencionar su relevancia en el metal actual). No debemos olvidar que Adam Darski, Nergal, estuvo luchando por la suya contra una temible leucemia, siendo todo un ejemplo de superación y lucha ya que supo entender que quizá su peor momento también podía ser aquel para renacer. Los recién llegados quizá no sepan o recuerden sus palabras de desafío a la enfermedad, su negación a cualquier fe durante su intervención y duro proceso de rehabilitación que devendría en una gira a modo de resurgimiento de lo que podrían haber sido sus cenizas y la grabación de “The Satanist”. En los últimos años, Behemoth se han convertido en todo un referente del metal, abandonando la exclusiva y, a veces, absurda escena underground, para abrazar a las masas con su negrísima ceremonia. Siendo así, le pido al lector de esta humilde crítica que se olvide de lo leído en otro portales o webs supuestamente especializadas porque evitaré recitar los títulos de las canciones como si de la tabla de multiplicar se tratase, la calidad del DVD o si su sonido es 5.1. o no, como tampoco incidiré en las gratuitas loas hacia el “artwork” de “Messe Noire” (de sobra es conocido por todos que Behemoth cuidan al máximo cualquier detalle en sus producciones, tanto como miman a sus seguidores) y tampoco ahondaré en el infantil debate acerca de las ventas de la banda, de si han vendido su alma o no al ‘mainstream’. Atrás quedan esos que no saben o se niegan a disfrutarles lejos de una sala de cien personas (como si eso fuese sinónimo de virtud), aquellos que se consideran legitimizados para hablar de Behemoth por eso de haber llegado antes que otros y esos que tampoco saben, no entienden, pero quieren escribir sobre aquello que no les interesa porque viven felices, instalados en la metaignorancia más absoluta y ni siquiera saben que no saben, no entienden y no les interesa. Será algo mucho más personal…

Esta última gira de Behemoth, en mi caso, ha supuesto la oportunidad de verles en tres ocasiones; cada una de ellas muy diferente a la anterior y en contextos completamente distintos. “Messe Noire” significa un reencuentro, una suerte de cápsula del tiempo personal de los últimos cuatro años, gracias a la cual soy capaz de conectar con algunos momentos de mi vida personal a través del hilo conductor de sus canciones y aquel que en el 2014 se encontró con Nergal, fuego en ambas manos o golpeándose el pecho con el puño, al ritmo de “Blow Your Trumpets Gabriel” con Seth, Inferno y Orion secundándole, para desatar toda su ira con “Furor Divinus”, como “Messe Noire”, la canción, irrumpía con esa misma fuerza que aquí es reflejada cuando Nergal grita ese “Aaaaaamen!” que parece arrancárselo del pecho a su mismísimo Dios. Presentaban “The Satanist”, la crítica los había tratado bien, había seguidores que todavía creían que “Evangelion” (2009) era superior y ellos acudían al encuentro en el mítico Hellfest francés, evangelizando a todo aquel que no creyese en las bondades de su, por aquel entonces, último álbum.

Tres años más tarde, me reencontraría con ellos, esta vez en sala (acompañados de dos invitados de lujo como MGLA y Secrets Of The Moon), Behemoth ya sabían lo que había significado “The Satanist” y no había duda posible de su grandeza, “Ora Pro Nobis Lucifer” sacudía nuestros cuerpos al galope, la seguridad de Nergal, Orion e Inferno en piezas como “Amen” o las épicas “The Satanist” (mística y oriental, ceremonial en directo) y “Ben Sahar”, era innegable. Habían trascendido todas las etiquetas posibles, ya no eran una simple banda de black, death, blackened death metal o como diablos quieran definirlos aquellos que creen entender… Behemoth eran capaces de llevarte a otros mundos, de transportarte, algo al alcance de muy pocos. La intimidad de una sala y la oscuridad tan sólo reforzaban su magia.

Un año después, volvía a encontrarme con ellos en un festival, el largo viaje de “The Satanist” ya tocaba su fin, era una puesta de largo de nuevo en Francia, un canto triunfal que no contó con el mejor de los sonidos y un Nergal que acusaba el desgaste de más de tres años de gira constante. Aquello no impidió que “In the Absence Ov Light” u “O Father O Satan O Sun!” sonasen como himnos, acompañadas de otros clásicos de su carrera (como “Ov Fire And The Void”), cimentando su leyenda.

Es por eso que “Messe Noire”, para todos aquellos que hemos vivido esta gira significa algo muy especial, es la gloriosa banda sonora de nuestros últimos cuatro años; el paso del tiempo atrapado en un vinilo rojo sangre, en un plateado soporte que algunos llamarán DVD, Blu-Ray o CD, como quieran, peor para ellos. Superior a “Evangelia Heretika” (2010), indispensable para todo aquel que ame la música y tenga el deseo de vivir una experiencia, a la altura de los más grandes.

© 2018 James Tonic

Crítica: A Perfect Circle “Eat The Elephant”

Es el propio Maynard Keenan quien admite que, con medio mundo esperando eternamente ese nuevo álbum de Tool que nunca llega, tras haber publicado "Money Shot" (2015) de Puscifer, era el momento de grabar material nuevo de A Perfect Circle si no quería que sus seguidores le mataran, le cortasen el cuello mientras dormía, en sus propias palabras. Lo que ninguno de nosotros nos podíamos esperar era un álbum como “Eat The Elephant” tras una espera de catorce años desde aquel “Emotive” (2004) que supo a despedida. No es que en este nuevo álbum hayan bajado las revoluciones o Howerdel haya preferido el piano en lugar de la guitarra (que también) sino la clara constatación de la actual desafección de Maynard por cualquier de sus dos proyectos musicales de más peso. Está claro que A Perfect Circle es el retoño de Billy Howerdel y Tool el de Adam Jones, que Maynard disfruta más practicando artes marciales, produciendo su vino en Caduceus Cellars y disfrutando de su vida familiar mientras salpica su tranquilidad con Puscifer como auténtica vía de escape a su creatividad mientras deja que Howerdel, Carey, Jones y Chancellor graben su música (en A Perfect Circle y Tool, respectivamente) y él, una vez ha acabado el proceso de composición, escribe las letras y acude al estudio a grabar las pistas con su voz. A estas alturas, huelga decir que Maynard es poseedor de una de las gargantas más características, singulares y bellas del rock pero que ese proceso de trabajo es el que pasa factura a “Eat The Elephant” y escuchamos en algunas de sus canciones. Según Keenan, atiende los ensayos de ambas bandas a través de Internet, ellos graban la música y él la recibe, la escucha, da su opinión y cuando hay consenso, escribe las letras y acude al estudio a grabar su voz. No pretendo decirle a uno de los artistas que más admiro cómo debe componer, ni mucho menos, pero esta rutina de trabajo dista mucho de lo que entiendo por el apasionamiento propio de estar en una banda, de la ilusión por grabar un nuevo disco. Seré sincero, quería que “Eat The Elephant” me gustase más, quizá por el cariño que le tengo a A Perfect Circle o por el miedo que me da el nuevo trabajo de Tool y una posible desilusión.

Con la ayuda de James Iha, Matt McJunkins y Jeff Friedl (aunque en directo, Iha atenderá su agenda en la reunión con Smashing Pumpkins y será Greg Edwards de Failure el que se cuelgue la guitarra) como simples mercenarios, Howerdel parece haber aprovechado algo del material reunido a lo largo de los años. Como es la inicial “Eat The Elephant”, que escribió junto a Chester Bennington de Linkin Park, una canción que estaba destinada a formar parte de “One More Light” (2017). Quizá porque es levemente más oscura que el disco más poppie de Shinoda y Bennington, “Eat The Elephant” fue retocada y, con la ayuda de Dave Sardy, productor del álbum, finalmente encontró su lugar en el cuarto álbum de la banda. Es verdad que no cuesta en absoluto imaginarse a Chester cantándola y Maynard la borda, llevándola a un terreno más cercano al de Martin Gore de Depeche Mode que al de “Mer De Noms” o “Thirteenth Step”. Un comienzo serpenteante y lleno de calma que, a pesar de lo que podríamos esperarnos, no termina de estallar gracias al contraste de una segunda canción que rompa realmente la tónica.

“Disillusioned” es una gran composición, más cercana a Katatonia que a la identidad de la banda, con Maynard dejando vía libre a sus neuras habituales y recurrentes, en este caso la hiperconectividad del ser humano (aunque Howerdel cite la muerte de Robin Williams como su verdadera inspiración, la canción se titulaba “Dreams” en claro homenaje a la película “Más allá de los sueños” de 1998, parece que Keenan disfruta más llevándola a su propio terreno); “Hemos sido invadidos por nuestro deseo animal, adictos de lo inmediato que nos mantiene obedientes e inconscientes. Alimentando esta mutación, esta desesperación pavloviana. Hemos perdido la ilusión, así que corremos hacia algo que brille tenuemente. Es hora de disminuir la obsesión por el silicio, mira a tu alrededor, encuentra camino en el silencio. Acuéstate con tu espalda en el suelo, desconéctate y reconéctate a la resonancia. Nunca fuiste una isla… “ en una de las mejores letras, junto con “TalkTalk”, de un álbum en el que Maynard, lamentablemente, no se muestra especialmente inspirado en el apartado lírico.

La desolación pinkfloydiana de “The Contrarian” es hipnótica pero hunde el ritmo de un álbum que recuperará el pulso con “The Doomed”, quizá la más dura, la más pesada del conjunto en la que Maynard parece reescribir el sermón de Cristo en la montaña, tanto la canción, como el videoclip son increíblemente brillantes, pena que una nadería como “So Long, and Thanks for All the Fish” haya sido saludada como una de las mejores composiciones de A Perfect Circle, en la que rinden homenaje no sólo a Gene Wilder, Carrie Fisher, Muhammad Ali, David Bowie o Prince sino también a Douglas Adams y su célebre novela "Guía del autoestopista galáctico". Arreglos enlatados y un envoltorio inofensivo, más cercano a Snow Patrol que a A Perfect Circle. Sí, es pegadiza, posee una melodía feliz y Maynard logra alejarse de su tono pero, de nuevo, rompe el álbum por la mitad tras la intensidad de “The Doomed”. Tras una de cal; una de arena.

A mi gusto, la verdadera joya es “TalkTalk”, no sólo por Maynard, la tensión instrumental y el dramatismo sino por su bonita melodía o el desgarro de su estribillo. Si antes aseguraba que James Iha, Matt McJunkins o Jeff Friedl son simples mercenarios es por su escaso aporte en la composición o instrumentación, Howerdel se hace cargo de todas las guitarras y el bajo, excepto en "By and Down the River" y "Feathers", en el que deja la labor a McJunkins, mientras que por la banqueta de la batería han pasado Jeff Friedl, Matt Chamberlain e Isaac Carpenter. Un collage que tan sólo evidencia que A Perfect Circle es cosa de Howerdel, algo que también se siente en una segunda cara con una vieja conocida como "By And Down the River" que ya pudimos escuchar en directo bajo el nombre de “By And Down”. “Delicious” es imaginativa en el puente de sus acústicas, como “DLB” no aporta gran cosa al resultado u “Hourglass” es, directamente, un exceso que deberían haberse ahorrado y estéticamente habría encontrado mejor cabida entre los remixes de Puscifer. Quizá sea “Feathers” aquella que más tiene que ver con el pasado de la banda ante la desconcertante despedida que es "Get the Lead Out"

Un álbum de reunión que sirve para que A Perfect Circle protagonicen el cartel de muchos de los más prestigiosos festivales veraniegos y como aperitivo a lo nuevo de Tool, que posee canciones que valen su peso en oro, pero en el que los grandes momentos son sofocados compartiendo minutaje con otras canciones de naturaleza menor que hacen que el álbum pierda altura en su segunda mitad y acuse cierta falta de cohesión en ese nuevo envoltorio propuesto por Howerdel. Lejos, muy lejos de “Mer De Noms” y “Thirteenth Step”, me alegro de haber vivido aquellas giras.

© 2018 Lord James Tonic

Crítica: Jack White "Boarding House Reach"

Recuerdo una actuación de White Stripes, seguramente la última que hubo en nuestro país, cuando tuve sentimientos encontrados en momentos muy puntuales en los cuales creí estar viendo a una gran banda y otros a toda una tomadura de pelo elevada a la enésima potencia, con Meg pidiendo disculpas por una espantada prematura de Jack del escenario y este huyendo con su fino bigotito italiano y sombrerito cordobés. A partir de entonces, esa sensación me ha rondado constantemente y, seamos sinceros, los últimos pasos de Jack White no han sido excepcionalmente limpios, tanto como para que haya un gran consenso con su obra y crítica y público coincidan en su juicio. De los lanzamientos póstumos de The White Stripes a la estupidez de Jack White pisando su guitarra o haciendo el ridículo en aquel desgraciado documental, titulado “It Might Get Loud”, hay que sumarle una carrera en solitario que nos la han pretendido vender, maquillada con el eufemismo de lo ecléctico o lo auténtico, cuando lo único que hemos escuchado son discos irregulares, con tantos aciertos como defectos; siendo “Blunderbuss” (2012) de lo mejor de White si lo comparamos con lo que ha venido detrás, el frío y desangelado “Lazaretto” (2014) y esa revisión de la posmodernidad más rancia y, por fin, una pequeña y amable sorpresa como fueron las “Acoustic Recordings 1998-2016 (2016) a la que ahora hay que añadir este “Boarding House Reach” del que, madre mía, he tenido que leer descabelladas comparaciones con Captain Beefheart cuando es un álbum parido a base de descartes, experimentos, falta de contención o autocrítica, con la clara vocación de convertirse en la referencia excéntrica y obligada de la carrera de un White cuya mejor obra es él mismo.

“Connected By Love”, como prácticamente el resto del álbum, es una amalgama de influencias y homenajes velados, un sintetizador post-punk, un gayo desgarrado y un estribillo terriblemente pop e insustancial que sería el inicio, la introducción de cualquier álbum que quiera intentar remontar el vuelo. Lo malo es que tras ella, “Why Walk A Dog?” es tan decepcionante en su ejercicio de encapsular el soul en dos minutos, con una letra tan ridícula, que nos deja sin fuerzas para “Corporation” con White calzándose un zapato de fusión y el otro de funky de palo, en el que la tristeza se adueña de nuestro oído con ese interludio que es “Abulia And Akrasia”, esa suprema idiotez de “Hypermisophoniac” o el clímax de “Ice Station Zebra” con White rapeando la sintonía de un programa infantil y jugando a ser el Dylan más surrealista con versos como: “If Joe Blow says, ‘Yo, you paint like Caravaggio’ You respond, ‘No, that’s an insult, Joe…!”, en la que sentimos que la broma ha ido demasiado lejos y White hace mucho tiempo que parece perdido en su propio mundo, el riff de “Over And Over And Over” es lo único salvable de la última triada, con un estribillo puramente zappiano. El verdadero problema es que la música de Zappa mostraba su inteligente mirada crítica a través de su absurdísimo y surrealista sentido del humor, en el caso de White es inversamente proporcional: la pretendida búsqueda de originalidad oculta un dudoso gusto estético pero no desvela inteligencia crítica alguna sino pretenciosidad en esos versos saqueados de titanes de los setenta.

Más fragmentos, "Everything You've Ever Learned" y experimentos como “Respect Commander” que parecen ensayos sobreproducidos. Famélicos intentos de emotividad, “Ezmeralda Steals The Show”, el soporífero pasaje de pura egolatría que es “Get in the Mind Shaft”, el country prefabricado, de mentirijilla, de “What’s Done Is Done” o la adaptación de esa nana que es “Humoresque” como desesperante broche final de un álbum breve que se hace excepcionalmente largo y extenuante.

En esta decepcionante relación entre artista y público, no puedo menos que culparme a mí mismo por masoquista. Cada dos años acudo fiel a mi cita con White como si algo hubiese cambiado entre nosotros, como si White no estuviese creciendo asalvajado, mimado por la crítica más exclusiva y comprendido por esos fans tan esnobs que serían capaces de tolerar una flatulencia de su ídolo mientras sonase a través de un amplificador vintage de los años sesenta. White ha firmado su peor álbum hasta la fecha y a nadie parece importarle lo suficiente mientras se suceden vergonzosas comparaciones con Don Van Vliet, Funkadelic o Prince. Blando, amorfo, inconsistente, irritante, ridículo y, lo peor de todo; la culpa es nuestra por seguirle la corriente y alimentar el monstruo de la mediocridad.

© 2018 Conde Draco

Crítica: Memoriam “The Silent Vigil”

El debut de Memoriam fue uno de los discos de metal que más disfruté del año pasado, quizá porque sus protagonistas procedían de Bolt Thrower y Benediction (también Napalm Death) y sabían perfectamente lo que se traían entre manos. “For The Fallen” era oscuro y opresivo, capturaba perfectamente la esencia del death metal y tenía canciones que funcionaban como ganchos directamente a la mandíbula para todo aquel que disfrutase en su momento de Willetts y los míticos Bolt Thrower. Un año después de aquel, Memoriam regresan con este “The Silent Vigil”, como si sintiesen la urgencia de plasmar en el estudio el estupendo momento que están atravesando, justo cuando parecen estar consiguiendo la imposible tarea de que el público deje de echar de menos a Bolt Thrower, pinchen sus vinilos en señal de duelo, y acepten que la nueva aventura de Willetts es Memoriam, una banda que sigue ahondando en la guerra pero desde una perspectiva muy diferente; más enfocada a la dicotomía filosófica de esta, a su futilidad, su origen en el ser humano y las heridas que deja en su alma pero no menos que la soledad, la frustración o una amplia variedad de temas universales con los que es relativamente fácil conectar.

En cuanto a la producción, no hay grandes novedades en “The Silent Vigil”, el álbum sigue los pasos de “For The Fallen”, su sonido es potente y crujiente, puro death, pero también es verdad que hay veces que puede llegar a ser desconcertante como cuando, dependiendo del momento, el bajo de Healy suena muy por encima de las guitarras de Fairfax o la voz de Willetts parece zambullirse en ese mar eléctrico, perdiendo algo de presencia. Aunque me parezca algo inexplicable, pasa en algunos momentos lo que me lleva a pensar que es un resultado claramente buscado.

“Soulless Parasite” no es la mejor apertura que podríamos esperar de un álbum con semejantes protagonistas, pero sirve para entrar en calor con ese musculoso riff que evoca a Bolt Thrower. Una solidísima base rítmica que se resuelve en “Nothing Remains” y la maldad que toda la canción parece supurar, aunque en ella seamos testigos de aquello que comentaba en la voz de Willetts, hay fraseos que parecen simplemente estar a otro volumen, como lo que ocurre en “From The Flames” en la cual las guitarras parecen tener un sonido más oscuro, más sordo en la producción, igual que en “The Silent Vigil”, aquella que da nombre al álbum, que suena aún más desnuda y Healy y Whale se comen crudo a Fairfax, cuya guitarra se siente completamente desnuda en el riff de su introducción.

“Bleed The Same” y la atropelladísima “As Bridges Burn” son de lo mejor del álbum, la primera por su cambio de tercio, su tempo y la parsimonia de su progresión, mientras que la segunda es buen ejemplo del death bruto y sin complicaciones que Memoriam son capaces de facturar en un álbum que parece volverse más excitante en su segunda mitad con la crítica social en “The New Dark Ages” o la mejor de esta recta final que es “No Known Grave” y ese riff que sabe a clásico desde el primer segundo. Una lástima que decidan cerrar con “Weaponised Fear” en la que la voz de Willetts parece enterrada en un mar de reverb durante los primeros compases y la mezcla del resto de los instrumentos parezca haber perdido lustre.

Desde un punto de vista formal, “The Silent Vigil” (por cierto, magnífica portada de Seagrave), cumple con el consabido tópico del segundo álbum para el cual las bandas no suelen tener todo el tiempo del mundo, como se supone que ha ocurrido con el primero, y graban la continuación mientras siguen de gira o cumpliendo los compromisos del primero, pero los miembros de Memoriam no son ningunos advenedizos -todo lo contrario- y este no es el segundo álbum de ninguno de ellos, por lo menos en sus respectivas carreras. “The Silent Vigil”, aunque inferior a su predecesor, cumple y tiende un puente con aquel, “For The Fallen”, en una banda en la que estamos seguros de que lo mejor está por llegar y en su directo. Seguimos confiando en el buen hacer de Willetts, como para no hacerlo…

© 2018 Lord Of Metal

Crítica: Stone Temple Pilots "Stone Temple Pilots"

Lo que muchos le echaremos en cara siempre a Stone Temple Pilots es ese seguir hacia delante aún con la pérdida de Scott Weiland pero lo que el tiempo nunca nos dijo es que, según fuésemos cumpliendo años, entenderíamos ambas posturas; tanto aquella de no seguir, como esa otra y muy diferente de hacerlo pese a todo. Ejemplos de ambos casos los hay a patadas y luego, aparte, está el de Alice In Chains y la enorme dignidad en su reencarnación con William Duvall en la cual no hay un cantante emulando a Layne Staley o, por el contrario, alguien que arruine su legado sino que Cantrell ha logrado el dificilísimo equilibrio entre el homenaje, el respeto y continuar con el mismo nombre, lidiando cada noche con “Rooster” o “Man In The Box”, sin caer en el esperpento.

Pero quizá, lo peor de este innecesario “Stone Temple Pilots” (segundo álbum sin nombre, tras aquel del 2010) es la clara demostración de que los hermanos de DeLeo y Eric Kretz no tiene el suficiente gancho, el suficiente talento y el peso de la banda correspondía al difunto Weiland. Una cara (por su genialidad) y una cruz (por sus adicciones) que se evidenció en proyectos anodinos como “Art of Anarchy” (2015) y discos fácilmente olvidables como ese “Blaster” (2015) pero también una banda que le permitió de nuevo subirse a los grandes escenarios de medio mundo, como es el caso de Velvet Revolver y su resultón “Contraband” (2004) que devino en el flojito “Libertad” (2003) y más problemas de Weiland que llevó a la banda a la separación o, algo mucho peor, la grabación de un tercer álbum con Corey Taylor a las voces que, parece ser, guarda polvo en los sótanos de Slash o Duff.

Y es que Stone Temple Pilots fueron un producto de su época y, como tal, murieron en aquella, “Core” (1992) y el genial “Purple” (1994) les encumbraron ante un público sediento de la marca comercial denominada “grunge” y les granjeó el desprecio de compañeros y aquellos seguidores más fundamentalistas que les veían como un producto, como unos advenedizos que se habían subido al carro del sonido Seattle, siendo de San Diego. “Tiny Music... Songs from the Vatican Gift Shop” (1996) mantenía el tipo tras la muerte de Cobain y en el mágico y cautivador “Nº4” (1999), mi favorito, parecían despedirse de todos con un sonido oscuro, grueso y glam repleto de rímel y cuero, para hacerlo definitivamente con un tibio “Shangri-La Dee Da” (2001) que debería haber sido realmente el último. Por el camino, la innecesaria colaboración con el también tristemente desaparecido Chester Bennington y la carrera por conseguir un cantante y olvidarse de su dependencia de Weiland. El destino quiso que el 3 de diciembre del 2015, el corazón de este dejase de latir y con él y el forzoso y temporal luto de los hermanos DeLeo, la aprobación, el visto bueno para seguir con su proyecto porque ya quedó patente que continuar con Stone Temple Pilots en el mismo mundo que Scott Weiland era jodidamente difícil, lo demostraron sus cinco años de silencio tras aquel poco aceptado EP llamado “High Rise” (2013).

Quizá sea porque su nuevo cantante, Jeff Gutt, procede de un concurso televisivo que para los amantes de la música es poco menos que sinónimo de “televisión basura”, como es The X Factor o porque, a pesar de cantar bien, le falta el poso de Weiland, que este álbum de regreso, sin sonar mal, no termina de convencer. No hay lugar para el existencialismo de Weiland, no hay adicciones o perdedores en sus canciones, no hay mujeres inalcanzables ni amargos relatos, el séptimo estudio de Stone Temple Pilots se abre con un rocanrol fácil a modo de presentación, “Middle Of Nowhere” y una guitarra slide fronteriza, la de “Guilty”. El espíritu de Weiland sobrevuela, nuestra cabeza piensa en lo bien que a alguna de estas canciones le habría sentado su voz para, acto seguido, darnos cuenta de que son igual de mediocres que las que integraban su también álbum homónimo de 2010 y que Gutt, el pobre de Gutt, lo hace lo mejor que sabe; así lo demuestra en “Meadow” en la que escuchamos lo parecido de su timbre con el de Scott. Bostezaremos con “Just A Little Lie” o “Six Eight” y su forzadísimo riff o la ingenuidad en unos tipos con el bagaje vivido en "Thought She'd Be Mine", que sonaría bastante más creíble en la voz de Weiland que en la Gutt. Inevitable acordarse de él constantemente...

El single “Roll Me Under” es puro Temple Pilots; es cierto, pero sin ese ingrediente de peligro, como la voz de Gutt en “Never Enough” que parece estar sonando a través de un megáfono, por mucho que él se resista a utilizarlo en escena por aquello de las comparaciones. "The Art of Letting Go", como aquella "Thought She'd Be Mine", nos desvela a unos Stone Temple Pilots sin identidad (menos mal que la guitarra de Dean DeLeo sigue siendo la seña de identidad de su sonido), aburridísimo es el complaciente final con “Final Hour”, “Good Shoes” o la acústica “Reds & Blues” en la que, de nuevo, las comparaciones son odiosas.

Recuerdo como si fuese ayer, pero han pasado catorce años, la noche en la que Velvet Revolver actuaban en Madrid, era la sala La Riviera, todo agotado por ver a Weiland con Slash, Duff y Sorum. Yo era un chaval que adoraba a los Pilots y, por aquello del fanatismo, estuve esperando a Weiland a la entrada del local. Slash y Duff estaban ya dentro y faltaba un minuto para que empezase el concierto, una furgoneta blanca con los cristales tintados llegó a toda velocidad, derrapó y de su interior saltó Scott Weiland vistiéndose que, aún teniendo prisa sacó un par de minutos y mostró una sonrisa cuando me vio en la puerta con mi camiseta de STP. No tuvo más remedio que acercarse mientras toda la sala pitaba porque la banda saliese. Me firmó “Nº4”, me dio un apretón de manos mientras me miraba a los ojos y me daba las gracias por comprar su música. Dos minutos más tarde sonaba “Sucker Train Blues” y yo estaba en una puta nube, es por eso que escuchar canciones como “Guilty” o “Meadow”, en mi caso, es poco menos que cometer una traición, es una estupidez sin sentido cuando a esta banda lo que le falta es su alma.

© 2018 Jim Tonic

Crítica: Myles Kennedy “Year Of The Tiger”

Nadie puede decir lo contrario, Myles Kennedy nos cae bien a todos, a uno nos despierta la simpatía del colega, aquel que es imposible que te decepcione y a otros muchos, también muchas, sus más lúbricos instintos. Podríamos decir que Myles, el bueno de Myles, es un buen tipo. Pero esto, que a cierta edad parece una bendición, con el paso del tiempo pasa factura y es que al ser humano le gusta los blancos y los negros, y pudiendo elegir; siempre elegimos a los malos. Es más interesante ver una película o leer un libro sobre la vida de alguien con claroscuros o sumido en las tinieblas que la de esos otros seres humanos tan buenos, pero tan anodinos. Parece cierto que los amores reñidos son los más queridos, que aquellos que no ofrecen resistencia alguna devienen en matrimonios aburridos, que cuando uno es niño se identifica con Luke, de adolescente con Han Solo y cuando se madura, con Darth Vader, que es el único personaje verdaderamente interesante de la saga y, por ende, de toda la galaxia.

Musicalmente, sin embargo, me cuesta ver las bondades de Myles. Nunca me ha parecido un guitarrista especialmente brillante y su voz, aunque bonita, me recuerda demasiado a Richie Kotzen o al difunto Chris Cornell pero sin el alarido sónico que este poseía en los noventa. Sin embargo, en Alter Bridge, las cosas parecen funcionar algo mejor, es verdad que Tremonti, en solitario, tampoco termina de despegar (que nadie me diga lo contrario, sus discos son cada vez más planos, más monótonos) pero su unión con Myles nos ha dado canciones resultonas -algunas más que otras- y discos bastante más interesantes que los que firmaron bajo el nombre de Creed. Alter Bridge, después de haberles visto en varias ocasiones en directo, parece que son esa banda que puede llegar a despuntar pero que, por una u otra razón, nunca abandonan el nicho de las eternas promesas.

Entre acústicas, con un ligero sabor a country descafeinado, suena el single “Year Of The Tiger” que realmente no aporta nada en su cancionero, ni descubre ningún color nuevo. Será en la segunda en donde de verdad sintamos que Myles arriesga un poco más, quizá ”The Great Beyond” sea la más arriesgada pero también la que rompe la dinámica por completo, pero la gracia dura poco y en “Bind Faith” llega la versión más descafeinada de sí mismo. Ojo, no estoy criticando su interpretación sino unas canciones que deberían mostrar más arrojo, más sangre, más pasión o más sudor. “Devil On The Wall” es un western de cartón piedra. “Ghost Of Shangri La” es tan bonita como su slide pero “Turning Stones” es tan predecible y aburrida que uno agradece el toque bluesy de “Haunted By Design” o la descarnada sinceridad en el desnudo de “Mother” en la que, paradójicamente, parece la única canción en la que se lo pasan bien a nivel instrumental, aunque Myles decida sacar algún que otro fantasma del armario.

“Nothing But A Name” es horrorosamente aburrida como “Love Can Only Heal” bebe de las fuentes de Zeppelin y “Battle Of Evermore”, pero sin la pulsión de aquella, o “Songbird” de Crosby Stills & Nash, toque oriental y curry de mercadillo incluido. Cuando llega el momento de escuchar “One Fine Day”, la guitarra evoca el timbre intimismo de Elliott Smith, pero el álbum hace mucho que nos hizo entrar en un estado comatoso en el que sólo los más apasionados tendrán fuerzas y ganas de defenderlo. 

Un disco de fogueo, con algunas canciones bonitas -en el que, sin embargo, ninguna termina por destacar realmente- pero ligeramente amorfo, parece que Myles ha querido teñir su álbum de acústicas, mandolinas, resonadores, violines y alguna que otra eléctrica y llevar una dirección clara pero en la práctica, cuando uno se sienta a escucharlo, escucha un disco completamente desdibujado, como si su protagonista no hubiese sido capaz de encontrar una dirección. El ejercicio de honestidad está fuera de duda, se aprecia en sus letras y su interpretación, pero Myles, el eterno buen chico, tiene tan poco peligro como su música, como cuando le escuchas cantar “Civil War” y entiendes que no, que eso no es más que una versión…

© 2018 Conde Draco

Crítica: Primordial "Exile Amongst The Ruins"

Cada vez que una banda de metal se olvida de la figura arquetípica de satanás, reduce el maquillaje, abandona la sangre de mentirijilla como recurso escénico, las muñequeras exageradas y las cruces de Poliespan, la crítica y los seguidores unen sus voces y recurren al eufemismo de la maduración. Suele ocurrir que el mundo del metal, que es tremendamente hipócrita, se echa encima suya; si una banda o artista decide cambiar, son insultados; si, por el contrario, se mantienen fieles a sus raíces, significa que no quieren evolucionar y son tildados de inmovilistas o mirados con desdén por las nuevas generaciones; si hablan de monstruos, sangre y muerte es que son brutales, si se inclinan por hablar de temas sociales (como le ocurrió al bueno de Chuck Schuldiner, cuando alegaba que lo verdaderamente terrorífico era lo que ocurría en nuestro día a día y no el habitual festín de vísceras del death más clásico) significa que han crecido. ¿Acaso el aficionado al metal no defendemos nuestros gustos contra capa y espada cuando se nos sugiere que escuchamos esta música porque no somos los suficientemente maduros? ¿Cómo es posible que habitualmente entremos en el juego y seamos tan predecibles, tan fáciles?

Primordial, Alan Averill "Nemtheanga", son una de esas bandas sólidas que representan toda una garantía, con una discografía verdaderamente inmaculada que comenzó allá por 1995 con “Imrama”, “A Journey’s End” (1998), el glorioso “Spirit The Earth Aflame” (2000), “Storm before Calm” (2002) y las indiscutibles obras maestras que son “The Gathering Wilderness” (2005) y “To The Nameless Dead” (2007), con notables continuaciones como “Redemption At The Puritan’s Hand” (2011) y “Where Greater Men Have Fallen” (2014), fue en esta última gira en la que me percaté del fervor que se siente por Nemtheanga fuera de nuestro país, mientras que en una gira tan mágica y absolutamente épica como fue la de “Where Greater Men Have Fallen” la banda fue incapaz de llenar un tercio de la sala en la que actuaron. Que luego nadie se queje si Primordial, y cientos de bandas como ellos, son incapaces de vivir de la música y somos los amantes de la música los que somos privados de su arte. Escribir una crítica sobre el último álbum de una banda irlandesa de metal puede resultar muy cool para cualquier blog o para presumir en Instagram con su último vinilo en ristre, pero cuando hay que rascarse el bolsillo y vivir la experiencia de su directo, es muy distinto.

“Nail Their Tongues” es un comienzo espectacular, reminiscencia celta en la introducción de las notas de su guitarra, un riff repleto de fuerza y la voz melódica pero dramática de Averill y una emoción contenida en sus últimos dos minutos cuando la batería parece acelerarse y el trémolo de Steve Hughes enlaza con “To Hell Or the Hangman”, una de las mayores sorpresas por varios motivos; el primero, es el fuerte sentimiento post-punk y el segundo es la inexplicable referencia a The Edge de U2, por muy extraño que parezca, el último minuto le debe mucho al guitarrista de la banda irlandesa por antonomasia. Según escribo estas líneas me extraña a mí mismo, pero así suena y así lo siento, el eco latente de la guitarra de Hughes resuena con fuerza en una la historia de Walter Lynch, que fue colgado por su propio padre en 1943, tras matar a un noble español por el que sintió celos tras confirmar el romance con su amada, Agnes. Aún más descarnada y melodramática es “Where Lie the Gods” en la que el mayor recurso es la carga de profundidad que es la voz de Nemtheanga, exactamente igual que ocurre en “Exile Amongst the Ruins”, aunque aquí se jueguen con dobles voces y un mayor trabajo en su desarrollo, haciéndonos entender que en el nuevo álbum de Primordial lo que importan son las historias que en él se narran, el fondo y no la forma.

“Upon Our Spiritual Deathbed” es una marcha en la que Nemtheanga recurre de nuevo a la caída de los imperios, la decadencia de lo establecido mientras que en el single “Stolen Years” (magnífico video) nos hablan de los años perdidos en causas ajenas, emocionante es la introducción; la percusión y su guitarra, que haya su segunda parte en el pulso de contra el mar y aquellos que han perdido su vida en sus tripas. Cierra “Last Call”, más cerca de Cave que de Quorthon, un larguísimo desarrollo de diez minutos tempestuosos que concluyen con la malsana calma con la que también todo parecía conjurarse en la canción y “Exile Amongst the Ruins”, en general.

Cuando pienso en Primordial, pocas bandas me vienen a la cabeza que mezclen con tanta dignidad la herencia de su país con lo contemporáneo de su planteamiento y lo lleven con dignidad a un subgénero como es del metal pero los de Averill saben lo que se hacen y la prueba de ello es una carrera sin mácula. Es cierto que es un álbum que requiere de tiempo pero que derrocha pasión y sangre a cada compás, lo de que es la perfecta banda sonora para los tiempos oscuros que nos ha tocado vivir, se lo dejo a aquellos para los que este disco y esta banda nunca significará absolutamente nada sino una crítica más en su portal. Aún más emocionante y dramático, oscuro e intenso que “Where Greater Men Have Fallen” y eso es decir mucho.

© 2018 Lord Of Metal

Crítica: Light The Torch "Revival"

Hay músicos que parecen ser perseguidos por una sempiterna nube tormentosa sobre sus cabezas y Howard Jones es uno de ellos. La carrera del que fuese vocalista de Killswitch Engage tras su salida de la banda ha sido del todo menos estable y es una pena porque, aparte de contar con la simpatía de todos sus seguidores, posee una potente y bonita garganta, capaz de sonar agresiva pero también transmitir emociones. Light The Torch, antes conocidos como Devil You Know, se vieron obligados a cambiar su nombre por motivos legales y Jones, Artusato, Wombacher y Sciulara (tras la marcha de Roy Lev-Ari en 2015 y John Sankey al año siguiente) se han empeñado en asegurar que esto no es un disco más sino una nueva aventura, un nuevo punto de partida y repetir hasta la saciedad lo mucho que han disfrutado mientras grababan las nuevas canciones. “Revival”, el álbum de debut de Light The Torch suena bien y entretendrá a algunos pero no es un punto de partida de nada, es previsible y continuista, en “Revival” hay todo lo que nos gusta de Killswitch Engage o Devil You Know pero de marca blanca; los riffs suenan potentes, la melodía y contundencia son las apropiadas y la voz nos muestra a un Jones en plenitud de facultades pero el disco es plano tanto en forma, como en intenciones, quizá sea el metalcore más genérico y carente de emoción, prefabricado, que hayamos escuchado en mucho tiempo; lo que ya es decir mucho en sí mismo.

Es más, es hacer sonar “Die Alone” y sentir que nada ha cambiado, que estamos ante el nuevo álbum de Devil You Know, quizá más relamido, más pulido y más complaciente. Veréis, soy el primero que se alegra de que Jones esté de vuelta con nosotros y me gusta ver como Killswitch Engage y Jesse Leach apoyan su nuevo proyecto pero no termino de entender la dirección de Light The Torch; si querían que todo cambiase, sin cambiar nada, haciendo lo mismo o si, por el contrario, esta es su idea de evolución. En ambos casos, “Revival”, es un pequeño fracaso que sería comprensible en una banda con menos recorrido, en un profesional como Jones y es que, por mucho que me pese, tanto el sonido -plenamente estándar-, como los videoclips o el resultado general es ligeramente decepcionante y huele a álbum elaborado sin mucho mimo, en el que la magia no se ha dado. Tengo el amargo presentimiento de que si tras el cambio de nombre y un par de músicos, todo sigue prácticamente igual, es absurdo esperar a un segundo álbum.

“The God I Deserve” nos muestra las guitarras en afinaciones más bajas y un buen riff con dobles voces en los coros, “Calm Before The Storm” intenta mantener el nivel de energía y contundencia sobre el que Howard dibuja la melodía, mientras que en “Raise The Dead” se acercan al djent antes de bajar de volumen y tempo y acabar convirtiendo la canción en un medio tiempo sin riesgo alguno. Quizá sea por eso que “The Safety Of Disbelief” parece desplegar sus alas y nos sorpende; no hay ningún color nuevo en su paleta pero, por lo menos, posee la melodía y la carga emocional en la que Jones se sabe manejar con tanta soltura. Igual que “Virus” o “The Bitter End”, quizá la triada por la que cualquier fan de Devil You Know o Killswitch Engage pincharía de nuevo este álbum, aunque palidezcan frente a cualquier de las canciones de, por ejemplo, “Incarnate”.

“Lost In The Fire” o “The Sound Of Violence” (a pesar del desgarro de Jones) pierden fuerza y nos hacen perder también nuestro interés en un álbum en el que ni siquiera el músculo de “Pull My Heart Out” sirven de avales. Así, no es de extrañar que el minimalismo con el que arranca “Judas Convention” sea de lo más prometedor, a pesar de que la lentitud de Sciulara y el pesadísimo tempo de la canción opaquen el trabajo tras las voces, una lástima...

No es de extrañar que “Revival” reciba críticas tan tibias y la nueva aventura de Jones termine diluida en el caso de que ellos mismos no se den cuenta del absurdo callejón sin salida en el que se han metido con un álbum repleto de material de relleno en el que quizá debamos entender que “la cabra tira al monte” y demasiado le estamos pidiendo a unos músicos con unas señas de identidad tan marcadas. Puede sonar injusto, lo sé, pero cuando veo a Killswitch Engage en directo, veo a una banda que se lo pasa bien sobre el escenario y a un Leach que, lejos de las comparaciones, vive con intensidad y verdadero desgaste físico y emocional cada actuación de su banda; sin embargo, cuando escucho Light The Torch, leo sus entrevistas o veo sus videoclips, no siento absolutamente nada. De verdad que lo siento por Howard Jones pero si quería un cambio, Light The Torch tendrían que haber abandonado su zona de confort, esa en la que parece sumido desde hace muchos, muchos años.

© 2018 Conde Draco

Crítica: Ministry “AmeriKKKant”

Los noventa…. Bendita década. Pero no nos llevemos a engaños, estábamos todos tan perdidos como ahora, incluidos algunos de nuestros músicos favoritos. Pero Al, el bueno de Al Jourgensen, estaba aún más perdido que el resto, quizá tanto que dio la vuelta y se convirtió en un auténtico visionario, paradójicamente, más centrado que ninguno. “Psalm 69: The Way to Succeed and the Way to Suck Eggs” (1992) se convirtió en la biblia de un género, como fue el industrial, que impactó en una generación, la X y la ahora denominada xennial (entre la X y los denostados millennials) que supieron entender el fin de la franela a golpe de beat y ordenadores, el camino de Jourgensen no había sido fácil, de la influencia más ochentera a discos gloriosos como “The Land of Rape and Honey” (1988) y “The Mind Is a Terrible Thing to Taste” (1989) al metal industrial. Tras aquel hito, “Filth Pig” (1996) actualizaba el sonido de la banda con la pesadez de sus guitarras, sin embargo, perdía comba, algo que se sintió en “Dark Side of the Spoon” (1999). Pero la Administración Bush le vino bien a un Jourgensen que, sediento de incorrección y acidez, firmó una trilogía que comenzó en “Houses of the Molé” (2004), “Rio Grande Blood” (2006) y un “The Last Sucker” (2007) que le colocó de nuevo en lo más alto, el industrial se mezclaba con el metal. Jourgensen había encontrado la inspiración en la incompetencia de Bush y con ello anunció el final de Ministry con una gira de despedida que supo a gloria. Pero, “allá donde dijo digo, digo Diego”, y Jourgensen reactivó a la banda, sufrió problemas de salud y perdió al artífice de los riffs más robustos de sus canciones en los últimos años con la muerte de Mike Scaccia.

Si la incompetencia y estupidez de Bush le sentó bien a Jourgensen, la tibieza y corrección política de Obama, sin embargo, le hizo parir discos mediocres como “Relapse” (2012) o “From Beer to Eternity” (2013), algo injustificable si tenemos en cuenta que un presidente como Reagan le hizo dar el salto de banda electrónica a industrial, y reconozco que con la elección de Trump y los jugosos titulares que nos ha regalado en los últimos años, llegué a creer que Jourgensen escribiría el disco más corrosivo y agresivo de su carrera con “AmeriKKKant” (2018) pero me equivoqué con un álbum flojo, poco acertado, falto de inspiración u orientación, como seguidor de Ministry desde aquel “Psalm 69…” no puedo menos que sentirme decepcionado con conocimiento de causa. Lo sorprendente de “AmeriKKKant” es que, a diferencia de “Rio Grande Blood” (por poner un ejemplo) en el que parecía haber consenso en la figura de Bush, Jourgensen se ha encontrado no sólo con el mayor bajón de ventas de su carrera y las críticas más encarnizadas, sino también con que mucho de su público parece haberle dado la espalda, es como si el acuerdo mutuo (entre público y artista) sobre crítica social y política se hubiese desviado hacia el álbum de la banda y todo el mundo parezca coincidir en que lo que importa no es el contenido (político) sino el continente artístico; “AmeriKKKant” es un disco horrendo y prescindible, el peor de Ministry, y quizá su poca aceptación se deba fundamentalmente a dos motivos; Trump es un blanco fácil (valga el juego de palabras) y mucho del público norteamericano que no tragaba a Bush y vio con buenos ojos el escarnio público, sin embargo, sí ha votado a Trump con lo que cuando Jourgensen dispara al actual presidente de su país también lo está haciendo contra mucho de su propio público, ese acomodado y de clase media que tan sólo se muestra transgresor cuando asiste a un concierto.

“I Know Words” es una introducción desconcertante, por la trumpniana voz, el tono oriental y los scratches, además desemboca sin mucho convenciminento en “Twilight Zone” en la que hay demasiada presencia del plato y sí, más scratches, aunque lo mejor sea la armónica y la tensión creada por el bajo y la batería, siete minutos son demasiados para no ir a ningún sitio. Lo mismo ocurre con “Victims Of A Clown”, otro medio tiempo, más samplers, más plato y menos dirección aún. “TV 5/4-Chan” es un minuto de introducción en un álbum en el que nos hemos situado en su hemisferio sin sobresalto alguno y mucho bostezo (cuatro canciones; dos de las cuales son introducciones), “We’re Tired Of It” nos despierta pero la potencia de los riffs se ha visto desdibujada por la presencia del plato hasta parecer una mala versión de Slipknot.

Burton C. Bell de Fear Factory es incapaz de resolver el estropicio que es “Wargasm” en un disco en el que el horrendo single que es “Antifa” parece la mejor del conjunto entre canciones como ”Game Over” o esos ocho minutos y medio de sufrimiento, de lagrimón y sueño, mucho sueño, de “AmeriKKKa” en la que Ministry nos recordarán al Manson de los noventa pero sin la gracia de aquel, sin rímel, sin medias y sin laceraciones.

Decepcionante, infantil en su crítica, nada caustico, poco afilado, no hace daño sino que causa aburrimiento y eso es lo peor que se le podría decir a Jourgensen de su nuevo retoño, como cuando uno justifica el tedio de las canciones y establece una correspondencia con la edad y aburguesamiento del propio artista. Ministry deberían abandonar ya la crítica política-social para perderse en su propio y fascinante mundo, por lo menos, durante un tiempo porque ni el más cafre de los republicanos sobre la faz de la tierra es capaz de hacer que este álbum remonte el vuelto.

© 2017 Lord Of Metal