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Crítica: Morrissey "World Peace Is None of Your Business"

Debo ser el único de los mortales que da las gracias al altísimo por la desaparición de Jerry Finn (tristemente fallecido en Agosto del 2008) tras los mandos del nuevo disco de Morrissey y pido a Dios que le tenga en su eterna gloria pero le aleje de la grabación de cualquier divinidad allá por encima de las nubes porque tiene el don de que todas sus producciones suenen exactamente iguales. Me gustó “You Are The Quarry” (2004) y lo consideré un dignísimo regreso, la consumada y elaborada venganza de un artista en plena madurez que volvía a recuperar su trono tras el injustamente vilipendiado “Maladjusted” (1997) pero “Years Of Refusal” (2009), a pesar de contener algunos incontestables singles y funcionar en directo como una bomba de relojería, siempre me pareció una aberración en la carrera de Moz. Vayamos por partes, claro que me gustan las guitarras y los bajos contundentes, las aceleradas baterías y sentir algo de velocidad en una carrera de medios tiempos como la suya pero me niego al hecho de sentirle como una mezcla de Brian Ferry/ Robert Palmer segundón con Sum 41 o Blink-182 como banda de acompañamiento. Tuvo gracia como curiosidad pero si el nuevo disco, que ahora nos ocupa, hubiese continuado por estos derroteros estaríamos hablando de un artista muerto. Lo que honra a Morrissey a estas alturas –como si necesitase más honra que ser el autor de algunas de las mejores canciones de la historia- es que pese a la flagrante censura que sigue sufriendo en muchos medios porque a veces es un bocazas y un "artista incómodo", el escaso apoyo de una industria que sólo le mira de soslayo por si acaso reforma a los Smiths y el exacerbado e injustificado odio de sus detractores, es que sigue publicando discos que sabe que no se venderán –pero que son los que él quiere grabar- y sigue en esa búsqueda, en ésa en la cual todo artista de verdad debería vivir eternamente, puede que Morrissey termine muriendo solo como él mismo dice pero estoy seguro que será tras haberse bajado de un escenario o grabado su último disco. 

Y he tardado en escribir sobre “World Peace Is None Of Your Business” porque a estas alturas ya deberíamos saber que los discos de Morrissey son merecedores de, al menos, dos docenas de escuchas antes de poder hablar de ellos con propiedad. No me creo las críticas que nacen, crecen y se reproducen en apenas veinticuatro horas desde la primera filtración porque suelen estar condicionadas por la caricatura del personaje, por la rabia, quina o lo pretencioso del plumilla que cree que escuchando el single dos veces y seleccionando versos escogidos cree trazar la radiografía del nuevo álbum. ¿Malgastamos dos párrafos en sus problemas de salud, en sus polémicas intervenciones, mencionar a Johnny Marr, los Smiths, su veganismo o su autobiografía publicada por Penguin? ¿Hablamos de “el mancuniano”, de su divísimo y agrias declaraciones sobre Margaret Thatcher? A veces tengo la sensación de que el supuesto esnobismo de Morrissey no es nada comparado con el de los "críticos" que escriben sobre su él y su obra...

Aunque no lo parezca a todos nos cogió con el paso cambiado la publicación de “World Peace Is None Of Your Business” y la elección de Joe Chiccarelli como productor cuya versatilidad es justo la que necesita un disco como el que Moz ha publicado. Adiós al sonido de esas guitarras punk-noventeras de FM de Jerry Finn y demos la bienvenida a un brutal collage sonoro en el cual tienen cabida los acoples, los acordes más estrangulados y chirriantes, las guitarras españolas con regusto latino (por algo Chiccarelli tiene experiencia con Café Tacuba o Juanes), las baterías atronadoras pero también de acompañamiento o percusiones, los arreglos de cuerda, vientos y metales (diferenciemos, por favor) y los teclados de Gustavo Manzur. Si “Years Of Refusal” funcionaba perfectamente como saciante, “World Peace Is None Of Your Business” es una comida bien especiada, criolla, exótica y de larga digestión, imposible que alguien que lo escuche media docena de veces sea capaz de captar toda la paleta sonora, decenas de matices y detalles que encierran cada canción. Pero no todo son novedades en el nuevo disco de Moz, a pesar de contar con la inestimable ayuda de Boorer, los temas tratados son recurrentes en el panteón personal de Morrissey y conocidos de sobra por sus acérrimos seguidores.

Que nadie se extrañe a estas alturas con títulos como “Kick The Bride Down The Aisle”, la obsesión por el estereotipo sexual en “I’m Not A Man”, la autocompasión casi adolescente en “Earth Is The Loneliest Planet” o la obvia y antitaurina “The Bullfighter Dies” que resulta tan forzada e infantil a ratos como “morriseyniana” cuando grita hurra por el torero muerto. ¿Pero quién se puede resistir a escuchar a Morrissey pronunciar ese “no hay piedad en Murcia” a estas alturas? Por otro lado tenemos la trompeta de “Kiss Me A Lot”, “Mountjoy”, “Staircase At The University” y la, anteriormente mencionada, “Kick The Bride Down The Aisle” como avales de un álbum que fue presentado por videos promocionales a modo de cortos en los cuales él mismo recitaba mientras se dejaban caer Nancy Sinatra o Pamela Anderson, ese tipo de personajes antagónicos a los que tanto gusta mezclar Morrissey, como él mismo diría; uno de sus pasatiempos favoritos.

El comienzo de “World Peace Is None Of Your Business” es precisamente un acierto en el que, sin embargo, por mucho que base su atractivo en la percusión, es su voz la que levanta la emoción en esos “in crescendo” constantes al final de cada verso; “World peace is none of your business, you must not tamper with arrangements. Work hard and sweetly pay your taxes, never asking what for… Oh, you poor little fool, oh, you fool!”. Cuatro minutos dan para mucho y entre medias creemos llegar al clímax en un par de ocasiones pero la canción es un constante “tease and denial” y, a pesar de eso, funciona. Siempre he pensado que Morrissey era muy inteligente en el cuidado orden de canciones en sus discos y aquí no iba a ser una excepción, cuando “World Peace Is None Of Your Business” arranca nos sentimos reconciliados con el mundo al escuchar su voz y sentir cómo se eleva, por no hablar de sus arreglos, poco a poco pero es “Neal Cassady Drops Dead” la que nos remata con su electricidad y violencia, que nadie se alarme que no ha vuelto Jerry Finn de ultratumba, la distorsión no es más que un vehículo más, un efecto sonoro más y no un pedal de guitarra que pisar con unas quintas. Y es bajo esa presión en la que las eléctricas logran mezclarse con suaves fraseos de guitarras españolas que lejos de sonar distantes en la música de un inglés con sangre irlandesa, suenan frescos y naturales como unas vacaciones en la campiña francesa en las que nuestro protagonista se ha dejado embaucar por las sonoridades del país vecino y canta, a medio camino entre la indignación, la literatura beat (no sólo en el protagonista del título, la referencia a Ginsberg) y la crítica social a modo de vómito o aullido pero siempre con su mordacidad; “Everyone has babies, babies full of rabies, rabies full of scabies. Scarlet has a fever, poor little fella has got rubella. Liver full of fungus, Junior full of gangrene, Mine is melanoma, Tikes full of gripe, Whippersnapper’s scurvy, Urchin made of acné”

Como segundo single del álbum, “Istanbul” en la que para lograr esa mezcla étnica, el caos y el ritmo de sus calles, Chiccarelly ha dicho en recientes entrevistas que utilizaron una cigar-box (una guitarra muy de moda últimamente fuera de los ambientos “rootsy”, cuyo cuerpo o caja de resonancia suele ser una caja de cigarrillos o puros -de ahí su nombre- pero actualmente también se hacen con latas industriales de aceite o combustible), una lap steel más propia del country, además de percusiones y un gong, logra transportarnos a las calles turcas con una letra profundamente triste: “When he first cried, his mother died. I had tried to be his guide. When he was born I was too young, the father searches for the son” en la que, sin embargo, Morrissey también logra tejer bonitas imágenes, por ejemplo; “Moonlight jumping through the trees, sunken eyes avoiding me. From dawn to dusk the hunt is on, the father searches for the son. On secret streets in disbelief, little shadow shows the lead. Prostitutes stylish and glum, in amongst them you are one. Oh what have I done…”

Pero tras estos retazos de realidad y amargura también tenemos al compositor divertido hasta el paroxismo, aquel que se empeña una y otra vez en desmontar estereotipos y se esfuerza por situarse alejado ya no sólo de la humanidad sino también de su propio género en particular: “no soy un hombre, soy algo mucho más grande y mejor que eso” asegura en “I’m Not A Man”, esa canción que fracasa en el planteamiento pero se muestra divertidad en una letra como: “Don Juan, Picaresque. Wife beater vest, cold han, ice man. Warring cave man. Well if this is what it takes to describe. Wheeler, dealer, mover, shaker, Casanova, Beefaroni, A-ho but lonely. Well if this is what it takes to describe...I 'm not a man, I'm something much bigger and better than a man” y remata, sin miedo alguno; “Wolf down. Wolf down. T-bone steak. Wolf down. Cancer of the prostate”. La canción puede naufragar a ratos pero resulta innegable admitir que al final la emoción gana la partida y estamos lo suficientemente enganchados como para ser rematados con “Earth Is The Loneliest Planet” y “Staircase At The University”.

La primera, aparte de ser uno de esos títulos tan propios de Morrissey y que sintetiza tan bien ese sentimiento que lleva enarbolando más de dos décadas, es uno de los mejores momentos del disco y es quizá el crisol en el que se mezclan todos los elementos de “World Peace Is None Of Your Business” en su justa medida, en la que somos testigos que grabar en Francia con Chiccarelli y mezclar elementos latinos en un disco de pop británico tiene todo el sentido del mundo y es que su música logra perder todo su influjo anglosajón. “Earth is the loneliest planet of all. Day after day you say one day, one day. But you’re in the wrong place and you’ve got the wrong face. And humans are not really very humane. And earth is the loneliest planet of all” y es que nos encontramos a un Morrissey que ahonda en esa misantropía teórica (porque si la aplicase no publicaría discos ni haría giras, ni se bañaría en multitudes como al final su ego mortal le pide) , no con los dardos envenenados de antaño sino con la resignación de la madurez pero también sabe arrojar veneno cuando vuelve a la crítica social en las exigencias a los vástagos en uno de los mejores momentos Pop de todo el disco, “Staircase At The University”.

“March, April, May. She crammed night and day. I hadn't seen her smile in a while. Staircase at the university. She threw herself down and her head split three ways. "If you don't get three As," her sweet daddy said. You're no child of mine and as far as I'm concerned, you're dead” uno de esos momentos amargos tan propios de Morrissey, siempre me ha gustado la violencia que es capaz de narrar en aparentemente inocentes canciones de pop, es muy serio que tu novia esté en coma, casi tanto como que tu hija se tire escalera abajo y se abra la cabeza o patear a tu esposa en el pasillo pero siempre con un dulce estribillo tarareable no exento del nubarrón inglés ochentero de eterna melancolía. La canción es soberbia y únicamente por ella merece la pena todo el álbum, desde el comienzo a su arranque con el silbato, los arreglos, el empuje de la voz, las guitarras y para rematar ese punteo latino (peligrosamente cercano a una Conga) que hacen que uno no puedo menos que amar el nuevo álbum, una canción sencillamente espectacular.

Sobre “The Bullfighter Dies” poco más que añadir, la canción funciona y la polémica está servida, inocente y ramplona pero cumple su objetivo, era cuestión de tiempo que Morrissey fijase su objetivo en la fiesta taurina. No diré nada sobre la extraña mezcla que siempre resulta de la fascinación inglesa por el folclore español y los casi siempre desastrosos resultados artísticos. A un español le resultará gracioso escuchar a Morrissey nombrar ciudades como Madrid, Barcelona, Valencia, Málaga o Murcia como exótico y distante a un inglés o un alemán, lo cierto es que cuando decía que la “canción funciona” es porque, siendo un tema menor en su repertorio, consigue estar en boca de todos y replicar el clásico riff de medio tiempo en una acordeón es para quitarse el sombrero. Pocos son los artistas capaces de cantar desde su púlpito; “Loco en Madrid, enfermo en Sevilla, solo en Barcelona y entonces alguien te felicita; ¡hurra, el torero ha muerto! Y nadie llora porque todos queríamos que muriese y el toro sobreviviese” y salir victorioso. Imagino que, a pesar de lo tópico, cuando la toque en en España será toda una fiesta.

“Kiss Me A Lot” es un buen single, sencillo y directo en su más pura expresión, como refleja su repetitiva letra; “Kiss me a lot, kiss me a lot. Kiss me all over my face. Kiss me a lot, kiss me a lot. Kiss me all over the place. Kiss me a lot, kiss me a lot. Kiss me all over and then when you've kissed me. Kiss me all over again” ¿Pero qué esperábamos? En este disco tenemos de todo y para todos, los hay que se quejan de “World Peace Is None Of Your Business”, de “I'm Not A Man”, de “Earth Is The Loneliest Planet” y “Staircase At The University”, ¿por qué no disfrutar de una golosina supuestamente ligera como “Kiss Me A Lot”?

De la intrascendencia a la pesadez y la presión de “Smiler With A Knife” bajo un paradójico acompañamiento suave, casi una nana, narrada en primera persona desde el punto de vista de la víctima que espera en la cama a que su asesino llegue puntual con una sonrisa y un cuchillo en su mano que hunde en su piel, pero nunca más hará el amor, nunca más porque la víctima está cansada de la vida hasta la muerte. “When my last breath falls away. Smiler, trust me when I say: you'll be OK, you'll be OK". Uno de los mejores y más intensos momentos del álbum al que sigue un tema no menos controvertido como el maltrato en “Kick The Bride Down The Aisle” con una letra con polémica incluida desde la primera palabra: “Kick the bride down the aisle. And make no mistake. It's the best you can do for everyone's sake. She just wants a slave to break his back in pursuit of a living wage. So that she can laze and graze for the rest of her days. Write down every word I say”

Para cuando llega “Mountjoy” ya estamos entregados a pesar de lo plomizo del tema. ¿Morrissey cantando sobre la prisión dublinesa? ("Many executed here By the awful lawfully good But the only thing that makes me cry Is when I see the skyBrendan Behan's laughter rings For what he had or hadn’t done…") A pesar de que el tema no es de lo mejor de su carrera (ni siquiera del disco), permanece en tu memoria gracias a ese; "We all lose Rich or poor, we all lose, we all lose" como "Oboe Concerto", quizá la más prescindible de todo el conjunto, conserva cierto encanto cuando recuerda a todos esos grandees desaparecidos; "All the best ones are dead And there's a song I can't stand And it's stuck in my head", y despide el disco de manera ligera….

En definitiva, un gran disco pero no genial, simplemente a la altura de Morrissey (con sus luces y sus sombras), ésa que desde “Vauxhall and I” (1994) es capaz de ofrecer tantas luces como sombras. Hasta en los momentos menos inspirados su producción está a años luz del resto de artistas por clase y personalidad, aunque “World Peace Is None Of Your Business” naufrague en su totalidad, el esfuerzo de cambio es encomiable y toca con la yema de los dedos lo imposible, el salto mortal tras “Years Of Refusal”. Morrissey está muy vivo y la prueba es que ladran, luego sigue cabalgando.


© 2014 Dr. Strangelove

Crítica: U2 "Songs Of Innocence"

A estas alturas de la película está claro que a U2 se les critica por ser grandes. Claro que han cometido errores, son humanos, sus canciones no son las mejores, no son virtuosos con una técnica apabullante, sus últimos discos han errado en el blanco y la sobreexposición de Bono le ha quemado, caricaturizado y demonizado ante las nuevas generaciones que, sin embargo, consumen grupos que copian sistemáticamente los esquemas, vicios y virtudes de los irlandeses pero el gran logro de U2 -y dejadme que os lo desvele- no reside en ser la banda de Rock más grande del planeta sino en no serlo y en hacer que tú te creas que sí, me explicaré. Este año ha sido fértil en lanzamientos discográficos, ha habido grandes decepciones y grandes sorpresas; artistas que tenían mucho que demostrar han pinchado y, por el contrario, pequeños proyectos han resultado ser grandes revelaciones pero ninguno ha suscitado la polémica de “Songs Of Innocence”.  El 9 de Septiembre del 2014, medio billón de personas (has leído bien) estaban con un ojo en Cupertino pero lo que nadie se esperaba es que U2 irrumpiese y regalase -no un vídeo como apuntaban los mentideros cibernéticos- sino su último disco al completo. Muchos pensarán que no hay nada nuevo en esto, que Radiohead o Nine Inch Nails (por citar a los más populares), además de otros cientos de grupos lo han hecho antes pero no es el mismo escenario, no hablamos de las mismas cifras, millones y repercusión. El caso de Radiohead fue la actuación por despecho ante Parlophone y una filtración, por lo que lo adelantaron,  pedían como precio la voluntad al oyente, nada que objetar e igualmente grande pero diferente. El caso de Reznor fue la polémica con la distribución y los derechos con su discográfica por lo que, igual que los de Oxford, pedía al aficionado que valorase el nuevo disco y si lo quería gratis o aportando lo que buenamente pudiese. Para U2 es lo opuesto, está claro que ya no son un grupo sino una empresa o una marca y venderán a espuertas, ofrecer de manera inmediata –vía descarga en la propia librería de tu ordenador a través de iTunes- a alta calidad e incluyendo el libreto original, logrando que no se filtre y anunciando el formato físico y tradicional en varias ediciones tan sólo cuatro días después es realmente para quitarse el sombrero. Si además añadimos a esto el impacto del anuncio de un nuevo producto de Apple el terremoto de marketing es brutal, las redes sociales estallaron, iTunes desbordado y nadie sabía qué hacer, si contemplar el iWatch, ahorrar para el iPhone6 o escuchar el nuevo disco de U2 que se les había bajado de manera automática a la biblioteca de todos sus dispositivos, una deliciosa locura... “Everything you know is wrong” que pensamos lo más noventeros, el concepto del caos de los mejores U2 llevado al extremo.
Pertenezco a la generación del Zoo Tv, después de más de veinte años escuchando a U2 he tenido grandes satisfacciones y grandes decepciones, claro que sí. U2 nunca fueron los mismos tras el PopMart cuando se encontraron estadios desangelados en la segunda leg de su gira norteamericana, no aguantaron el vapuleo de la crítica y, por qué no decirlo, no supieron dar el salto doble mortal tras el electrónico callejón sin salida en el que ellos mismos se metieron, decidieron hacer el famoso “back to basics” en la trilogía encabezada por  “All That You Can’t Leave Behind” (un disco mediocre por más que tenga singles de pegada y, a la postre y con el paso del tiempo luzca de otra forma), el destartalado “How To Dismantle An Atomic Bomb” (con el mazazo que supone “Vertigo”, canción hortera y ridícula donde las haya pero que en directo funciona como catalizador de todo un estadio) y el más homogéneo “No Line On The Horizon”. Después llegó la precipitación, Bono quería publicar “Songs Of Ascent” y cuentan las malas lenguas que, tras las típicas demoras ya clásicas en sus lanzamientos, cuando preparaban la edición aniversario de “Achtung Baby”, pisaron el freno cuando miraron al pasado y se vieron en Berlín grabando quizá su mejor disco. Nada que objetar.

Once canciones grabadas en Londres, Nueva York, Los Ángeles y la sempiterna ciudad de Dublín, con Danger Mouse, Paul Epworth, Ryan Tedder, Declan Gaffney (como ingeniero) y, el ya fijo, Flood tras los mandos. ¿Y cómo suena? La producción de “Songs Of Innocence” suena cristalina pero contundente, llena de matices pero cruda, el bajo nunca ha sonado tan bien, la batería suena con inmaculada precisión, el volumen es atronador y la compresión por primera vez resulta creíble en un disco en el que los graves retumban pero suenan tan magníficos como los medios o agudos sin que llegue a sonar plana o artificial. Es el disco de un grupo formado por guitarra, bajo y batería en el que, a pesar de meter reverberaciones, ecos, delays, overdubs, samplers, voces dobladas, piano y teclados, sigue manteniendo su esencia. Basta escuchar “The Miracle” (Of Joey Ramone) para sentir la frescura del material más personal de U2 en años, nada suena forzado. Las guitarras rasgan la mezcla, el fuzz revienta, el delay nunca sonó tan clásico y limpio y la sección rítmica de U2 (los injustamente denostados Adam Clayton y Larry Mullen Jr) nunca han sonado tan sólidos, escuchar el bajo de Adam al comienzo de “Volcano” es una maravilla. Mención aparte las voces, el trabajo de Bono y The Edge es sobresaliente se mire como se mire, la voz de Bono ya no tiene la potencia de los ochenta pero ahora es más versátil que nunca y se quiebra cuando la canción lo requiere o se apoya sobre el suave colchón melódico de la de The Edge, los juegos a dos voces son de lo mejor del disco, por primera vez en su historia, U2 trabaja las voces como un instrumento más y hasta se permiten el lujo de emular a los Beach Boys de manera perversa y sobria en la sublime introducción de la oscura “California (There Is No End To Love)”, una de las mejores del nuevo disco. Que nadie se extrañe si hay más cojones en una canción como “Sleep Like A Baby Tonight” que en los últimos tres discos del cuarteto.

Soy consciente de que la conexión entre U2 y los Ramones les resulte a muchas personas tan incómoda como la de Morrissey con los New York Dolls pero los irlandeses vienen del punk y si bien la canción que escuchó Joey Ramone antes de morir fue una de U2, estos les pasearon por todo el mundo como teloneros en el mastodóntico ZooTv Tour y les reivindicaron siempre (¿alguien recuerda la camiseta de Larry en el videoclip de “The Fly”?), por tanto no es extraño que Bono cante a Joey y por Joey ya que fue básico en su adolescencia. “Me desperté en el momento en el que ocurrió el milagro; escuché una canción que le dio sentido al mundo entero, recuperé todo lo que había perdido, era el sonido más bonito que jamás había oído/ Tenemos el idioma para comunicarnos, la religión para amarnos y odiarnos y la música para exagerar mi dolor y darle un nombre”. Imaginémonos por un segundo a un irlandés adolescente de clase media/baja que acaba de perder a su madre y vuelca toda su ilusión y frustración en la música y un género como el punk, aún efervescente en los años setenta, y cómo la música le sirve de consuelo y no sólo le saca de su ciudad, sino de su país, vive de ella, conoce a su ídolo –aquel que le ha hecho despertar- entre otros muchos y su grupo termina llenando estadios y vendiendo millones de discos. A veces la música puede dar consuelo pero también cambiar las vidas de todos aquellos que la escuchan, hacer que alguien despierte, recupere la ilusión, se sienta acompañado o encuentre el motor. “The Miracle (of Joey Ramone)” irradia frescura, fuerza y ganas, el grupo suena natural y es un buen tema de Rock con un ritmo abierto que le sienta fantástico, la guitarra entra de manera crujiente con una distorsión a medio camino entre un crunch y un fuzz vibrante que resuena crudo.

En este punto la gran sorpresa es “Every Breaking Wave”, por todos es sabido que U2 piensa mucho el orden de las canciones y organiza sus discos de manera meticulosa, sorprende que no continúen por la brecha de “The Miracle” y entren en un medio tiempo como “Every Breaking Wave”, esa canción retomada una y mil veces, escrita una y otra vez y tocada en directo en un par de ocasiones. La base rítmica de Adam y Larry es sensacional y como hacía años que no se sentía, mucha gente ha comparado injustamente su comienzo con “With Or Without You” pero no tiene nada que ver, la contención de la guitarra de The Edge es rota por una letra preciosa que dice: “Cada ola que rompe en la orilla, nos cuenta que habrá una más, cada jugador sabe que es para perder para lo que estás allí/ el mar sabe que estamos en las rocas y ahogarse no es ningún pecado”. De nuevo U2 parecen tocar el delicado mundo de las relaciones, la impotencia no poder arreglar una situación, de sentir que uno no es tan fuerte y si en “With Or Without You” finalmente alcanzaba la orilla a través de la tormenta, por primera vez -y gracias a la imagen del perdedor o del rompeolas- admite que fracasar no tiene porque ser algo negativo sino la evidencia de que, por lo menos, lo has intentado. Brillante es la imagen del oleaje como un martilleo incesante al que nuestro protagonista esta avocado como genial la guitarra de The Edge y la experiencia de Bono que, ante la falta evidente de un estribillo que estalle, lo resuelve cambiando de tono. Una canción con sabor clásico que navega entre la balada y el medio tiempo.

A mi gusto, “California (There Is No End To Love)” es una de las maravillas del disco por muchos motivos. Olvídemonos de “Sunday Bloody Sunday”, “Pride”, “Where The Streets Have No Name” o “One”, todos esos grandes himnos que a la vez funcionaban como singles y décadas después son capaces de levantar estadios enteros porque el nuevo disco de U2 no tiene ni uno sólo de ellos pero a cambio tiene caramelos como “California”. Arranca de manera subversiva como si los irlandeses más famosos del rock se calzasen unas camisetas hawaianas y cantasen su propia versión de “Barbara Ann” de los Beach Boys (repitiendo como un mantra; Barbara, Santa Barbara, Barbara, Santa Barbara, Barbara, Santa Barbara, Barbara, Santa Barbara, Barbara, Santa Barbara) nada más que por esa introducción, “Songs Of Innocence” merece el apelativo del disco más personal de U2 en años pero lo mejor está por llegar y es que Adam y Larry se acoplan a la perfección. Narrando la primera visita del grupo al estado, “California, entonces caímos en un mar brillante, el peso que hundía tu corazón era el mismo que me hizo estar donde necesito estar, aquí” (California, then we fell into the shining sea, the weight that drags your heart down well that’s what took me where I need to be, which is here) y me gusta no sólo por lo original del planteamiento sino por cómo despega y entra el solo de The Edge, porque es una canción atípica en el repertorio de U2 y porque la introducción, esa introducción, vale su peso en oro. “Song For Someone” comienza de manera acústica, con un acorde que a todos nos recordará a “Yahweh” pero nada más que evidencie al pasado, con una melodía juguetona y repetitiva que sin embargo engancha y en la que parecen narrarse los primeros pasos de un amor juvenil, cuando todavía no hemos sido vapuleados por la vida o la experiencia; “You got a face not spoiled by beauty. I have some scars from where I’ve been. You’ve got eyes that can see right through me, you’re not afraid of anything they’ve seen, I was told that I would feel nothing the first time, I don’t know how these cuts heal but in you I found a rhyme”.

Pero el nuevo disco de U2 no es sólo personal por el envoltorio de las canciones, por la forma en la que son interpretadas o la producción sino por los temas a tratar como en “Iris (Hold Me Close)”, la madre de Bono falleció de un derrame en el funeral de su abuelo cuando este tenía tan sólo catorce años y si de aquel dolor salieron canciones con la urgencia postpunk plasmada en su primer “Boy”, en “Songs Of Innocence” la perspectiva es la de un hombre de cincuenta años, con más camino recorrido que vida le queda, el cual echa la vista atrás y la incertidumbre y el miedo por la pérdida se transforman en la experiencia de aquel que mira atrás y ve cómo ha sobrevivido. “La estrella que nos da luz se ha ido por un momento pero no es una ilusión, el dolor de mi corazón es parte responsable de quien soy, algo en tus ojos me hizo tardar miles de años en llegar aquí, abrázame fuerte y no me dejes ir, abrázame fuerte como si fuese alguien que conoces, la oscuridad nos deja ver quiénes somos, tengo tu vida dentro de mí, Iris” en uno de esos alegatos artísticos a la altura de Lennon y su desgarradora "Mother". La canción, musicalmente hablando, es cien por cien sonido U2, directos al hueso y sin compasión, tenemos a Larry cabalgando sobre el bajo de Adam mientras el delay de The Edge recorre la canción y Bono se lanza sobre el estribillo una y otra vez de manera dramática, las estrofas en un tono mucho mas grave -lo que añade fuerza a la canción y hace que su voz se eleve en los puentes- pero son de nuevo las dobles voces y el falsete de The Edge tras el estribillo lo que la sitúan entre el rock, el funky y el ritmo más bailable pero épico al mismo tiempo, otro diez.

El punto de inflexión del disco es “Volcano” con ese bajo fortísimo de Adam entrando en la canción; ira, rabia, fuerza, así suenan cuando se lanzan sobre los versos;“El mundo gira rápido esta noche, puedes hacerte daño si intentas pararlo que es lo que intentabas hacer, estoy tan contento de que el pasado se haya ido/ antes estabas solo pero ahora eres Rock ‘N’ Roll/ a veces querría soplar un volcán, eres tan sólo una piedra en el suelo de un volcán”, una gran canción con influencia ochentera en sus guitarras y sus ambientes, con un estribillo pegadizo y juguetón en el que a Bono se le siente realmente cómodo. 

Temas recurrentes en un disco de U2 son la religión, el sexo, el amor y, por supuesto, la política y en "Songs Of Innocence" tiene su lugar en "Raised By Wolves" en la que se cuenta la historia de un coche bomba en plena calle de Dublín, “Cualquier otro viernes hubiera estado en esa tienda de discos, pero me fui en bici a la escuela ese día, un compañero de clase y su padre fueron testigos, fue muy duro para él, no creo que lo superara”, las cortantes guitarras de The Edge, los cambios de ritmo, las voces sampleadas y el estallido de la voz de Bono en el estribillo (Raised by wolves, stronger than fear, raised by wolves, we were raised by wolves!) añaden tensión a la canción como la calma antes de cada estrofa o los puentes. Otra de las grandes joyas del disco es "Cedarwood Road"no sólo por los magníficos y evocadores arreglos, los ecos nostálgicos o la interpretación sino por las escenas que narra, Bono creció en el 10 de Cedarwood Road y en la canción cuenta parte de su juventud y adolescencia en la calle; "I was running down the road, the fear was all I knew I was looking for a soul that’s real, then I ran into you and that cherry blossom tree was a gateway to the sun and friendship once it’s wonIt’s won… it’s one", no sólo su infancia con sus amigos Guggi o Gavin sino también sus peleas y juegos; "Sleepwalking down the road not waking from these dreams ‘cause it’s never dead it’s still my head. It was a warzone in my teens" y a estas alturas ya podemos confirmarlo, uno de los discos más personales de U2, desde luego.

Pero hay otro elemento que está muy presente en todos y cada uno de sus discos; la madrugada, el amanecer tras una noche que ha durado demasiadas horas e incluso una vida como ocurre en la arriesgada "Sleep Like a Baby Tonight" en donde U2 se la juegan y salen victoriosos, un sintetizador y una guitarra filtrada mientras Bono se vuelve a calzar un traje de lamé, se deshace el nudo y con los ojos rojos intenta desayunar; "Morning, your toast, your tea and sugar, read about the politician’s lover. Go through the day like knife through butter. Why don’t you. You dress in the colours of forgiveness, your eyes as red as Christmas. Purple robes are folded on the kitchen chair", unas notas de piano y vuelve el falsete de un MacPhisto al que ya echábamos de menos. ¿Qué más le podemos pedir a U2 en pleno 2014? 
Si al principio del disco le rendían sus respetos a Joey Ramone ahora le toca el turno a su amigo Joe Strummer y The Clash y lo cierto es que el experimento vuelve a resultar porque desde los coros iniciales hasta el bajo de Adam imitando al de Simonon la guitarra entrecortada de The Edge como la de Mick Jones en su última época y los efectos burbujeantes a lo "Sandinista!" dan en el clavo para rendir homenaje al concierto de The Clash al que asistieron en 1977: "This is the site, this is the season, this is where you can reach me now, this is the time, this is the number, this is where you can reach me now". Y, para acabar, otra sorpresa porque, por primera vez, U2 no nos arrojan al pozo del todo en la última canción y "The Troubles", a pesar de hablar de la situación política en Irlanda del Norte, sus arreglos llenos de soul y la presencia de Lykke Li, despega y, aunque acaba con intensidad, la magnífica guitarra de The Edge y el suave "crescendo" nos deja con mejor sabor de boca que en otras ocasiones (que nadie me hable de las naderías de "Grace", "Fast Cars" o la pretenciosa "Cedars of Lebanon", que sí me gustan pero echo de menos algo del calado "Love Is Blindness"/ "The Wanderer"/ "Wake Up Deadman" por no irme a los ochenta)

Podemos seguir echando de menos el pasado más glorioso de U2 y dejar de disfrutar del presente; “You glorify the past when the future dries up” que decían ellos mismos a finales de los ochenta cuando ironizaban sobre una de las canciones más famosas de Lennon, pero sería tan injusto para ellos como para nosotros porque "Songs Of Innocence" no es su mejor disco, ni falta que les hace, pero han trabajado, han hecho los deberes, se han arriesgado y han acertado, es un disco digno de madurez que seguramente envejecerá mucho mejor que los tres anteriores, con mejores ideas y más buqué. Ahora sólo nos queda esperar la segunda parte, "Songs Of Experience".


© 2014 Jim Tonic


10.09.2014 HELMET en ESPAÑA

La mítica banda de metal ofrecerá tres conciertos los próximos 9, 10 y 11 Octubre 2014 en Barcelona, Madrid y Hondarribia (Gipuzkoa) respectivamente, con motivo del vigésimo aniversario de su disco de culto y que les llevó hasta lo más alto del metal y el noise rock, “BETTY”. Esta gira significa el retorno de una de las mejores bandas de metal surgidas a principios de los noventa interpretando el disco más emblemático de toda su discografía. 

El grupo, surgido en Nueva York y liderado por el cantante y guitarrista Page Hamilton, aportó una nueva forma de entender el metal y los sonidos pesados, gracias a su popular álbum debut “Streap It On” (1990), y dos años después, fue seguido por su obra más conocida, titulada “Meantime”. Con ese disco, de donde cabe destacar joyas como ‘Unsung’ o ‘In The Meantime‘, consiguió ubicarse entre los primeros puestos del Billbaord americano, lo que les deparó una prometedora carrera.

Sin embargo, todo llegó a su fin en 1998 cuando, después de grandísimos discos como “Betty” y “Aftertaste“, decidieron separarse. Desde entonces, decenas de bandas reconocieron la influencia que Helmet había dejado en su música, como fue el caso de Nine Inch Nails o Red Hot Chilli Peppers.

En 2004 regresaron y grabaron “Size Matters“, disco que vería la luz el año posterior. Con este retorno, y gracias a la relación del grupo con el sello de Trent Reznor (Interscope Records), los fans pudimos disfrutar de ellos en directo abriendo para Marilyn Manson , quien también se mostró fan de HELMET y su sonido tan peculiar y característico.

Tras su última gira en Marzo del 2012, Helmet demostró que aun goza de una excelente salud y que están más activos que nunca: Encabezaron el Metalliance Tour junto a bandas de culto como Saint Vitus, Crowbar y bandas punteras como Kylesa, Red Fang por todo USA, etc….

10.09.2014 BIGELF con PORTNOY en ESPAÑA

Por fin Bigelf oyen nuestras plegarias y vuelve a la carretera con un nuevo disco bajo el brazo, ya que desde 2008 no editaban material nuevo...por lo que los amantes del rock más progresivo estamos de enhorabuena, y más sabiendo que su gira europea tendra parada por aquí, ofreciendo tres fechas:

El nuevo disco se ha titulado "Into The Maelstrom" y está compuesto por un listado de temas que se ajustan a lo que nos esperábamos de esta refundación de la banda de Damon Fox: prog, psicodelia, space rock y un toque gamberro y freak que hacen que te sorprenda desde la primera escucha. En esta ocasión, Damon vuelve a confiar en un invitado de lujo, Mike Portnoy (Dream Theater, Transatlantic, Adrenalin Mob, The Winery Dogs, etc...) para grabar las baterías de los nuevos temas.

"Into The Maelstrom" es un disco publicado en 2014 pero, no por sonido, que es absolutamente impactante, sino por desarrollos, dinámicas y tempos podríamos habérnoslo encontrado por el camino en cualquier punto de la carrera de Bigelf, donde también disfrutamos de nuevos ingredientes psicodélicos, cinéfilos, paisajísticos y doom progresivo. Este nuevo disco se distancia de la línea prog-doom melódicapara acercarse a los Beatles más psicodélicos, de Yes, del prog más ´70s.


10.09.2014 HAMMERFALL PRESENTANDO (r)EVOLUTION

Hammerfall @ Bilbao, Madrid y Barcelona
Tras el lanzamiento de “Gates Of Dalhalla” HAMMERFALL decidieron tomarse un descanso creativo para recargar las pilas, tras los últimos 15 años entre giras y grabaciones.  Y el plan de volver en 2014 con energías renovadas no podía salir mejor,  los Templarios mantuvieron su promesa.  Su nuevo álbum, (r)Evolution será editado ya en 2015 cuando vendrán de gira por España para darlo a conocer.
De nuevo el productor Fredrik Nordström se fusiona con la banda para grabar un impresionante nuevo disco.  Grabado en los Castle Black Studios, la batería, guitarra y bajo vuelven a sonar con la crudeza y energía del sonido de sus primeros discos.  Las voces han sido grabadas por James Michael que ha conseguido que Joacim suene incluso mejor que  en su anterior disco de estudio.  Tras tres semanas de mezclas en los Studio Fredman para dar a (r)Evolution la última capa de nitidez y potencia,  Hammerfall puede gritar bien alto que está de vuelta más hambrienta que nunca.
Junto a ellos vendrán Orden Ogan y Serious Black para completar una estupenda gira con el mejor Heavy Metal de todos los tiempos de la mano de los maestros ¡HAMMERFALL!
HAMMERFALL
+ Orden Ogan + Serious Black
Viernes 30 de Enero, 19:00 hrs.
Sala Razzmatazz 2 (Barcelona)
Anticipada: 23€ / Taquilla: 28€
Venta de Entradas: Revoler, Pentagram, Fnac, Carrefour, puntos de la red Ticketmaster.es, en el teléfono 902 150 025 y ticketea.com
Sábado 31 de Enero , 19:00 hrs.
Sala Shoko (Madrid)
Anticipada: 23€ / Taquilla: 28€
Venta de Entradas: Sun Records, Fnac, Carrefour, puntos de la red Ticketmaster.es, en el teléfono 902 150 025 y ticketea.com
Domingo 1 de Febrero, 19:00 hrs.
Sala Kafe Antzokia (Bilbao)
Anticipada: 23€ / Taquilla: 28€
Venta de Entradas: Power Records, Arise, Fnac, Carrefour, puntos de la red Ticketmaster.es, en el teléfono 902 150 025 y ticketea.com

10.09.2014 OVERKILL y su KILLFEST

Overkill @ Madrid, Barcelona, Bilbao y Lisboa
Con el anuncio de su nuevo album “White Devil Armory” previsto para este verano, los veteranos del thrash de New Jersey, OVERKILL, anuncian un extenso tour Europeo para Octubre y Noviembre de 2014.
La banda volverá a la carretera para el acontecimiento, junto con los metalheads de Los AngelesPRONG, los jovencísimos suecos speed metaleros ENFORCER y los tejanos DARKOLOGY con su grandioso heavy metal.
El carismático Bobby Blitz nos comenta: “Reventaremos Europa el próximo Octubre con nuestra versión del Killfest a lo White Devil Armory.  Con nosotros estarán PRONG & ENFORCER.  Esperamos sorprender con nuestros nuevos temas, así como los grandes clásicos old school nos han acompañado durante estos 28 años de headbanging.  Hasta entonces, HORNS UP!”
“White Devil Armory” saldrá el 18 de Julio a través de Nuclear Blast y ha sido mezclado por Greg Reely, quien también se encargó de “The Electric Age” en 2012.
Cita ineludible para todos los amantes del Thrash con unas leyendas vivas en una gira que nos visitará los meses de Octubre/Noviembre.
OVERKILL
+ PRONG + ENFORCER + DARKOLOGY
Jueves 30 de Octubre, 18:30 hrs.
Sala Razzmatazz 2 (Barcelona)
Anticipada: 24€ / Taquilla: 29€
Venta de Entradas: Revolver, Pentagram, Fnac, Carrefour, puntos de la red Ticketmaster.es, en el teléfono 902 150 025 y ticketea.com

Viernes 31 de Octubre
, 18:30 hrs.
Sala Shoko (Madrid)
Anticipada: 24€ / Taquilla: 29€
Venta de Entradas: Sun Records, Fnac, Carrefour, puntos de la red Ticketmaster.es, en el teléfono 902 150 025 y ticketea.com
Sábado 1 de Noviembre, 18:30 hrs.
Sala Paradise Garage (Lisboa, Portugal)
Anticipada: 23€ / Taquilla: 28€
Venta de Entradas: 1820 – http://www.ticketline.sapo.pt
Domingo 2 de Noviembre, 18:30 hrs.
Sala Kafe Antzokia (Bilbao)
Anticipada: 24€ / Taquilla: 29€
Venta de Entradas: Power Records, Arise, Kafe Antzokia, Fnac, Carrefour, puntos de la red Ticketmaster.es, en el teléfono 902 150 025 y ticketea.com

10.09.2014 ENTOMBED A.D. + GRAVE ESTE MES

Entombed A.D. @ Madrid y Barcelona

Tras años de historia y siendo uno de los nombres más conocidos y admirados dentro del death metal, L-G Petrov, Nico Elgstrand, Victor Brandt y Olle Dahlstedt continúan bajo el nombre de ENTOMBED A.D. con el que editarán muy pronto su disco “Back To The Front”. Su nuevo single recientemente publicado, “Bedlam Attack” no puede presentarlos mejor, absolutamente inigualables y con toda la esencia que cualquier fan busca en su música.

El cantante L-G Petrov nos comenta “Fué la primera canción que grabamos para el disco, así que es la primera que está lista! Hemos trabajado duro y de una forma un tanto diferente para que viera la luz lo antes posible. Hemos escrito sobre la gran putada de perder la cabeza en un psiquiátrico, perderla de verdad, darte cuenta en tu interior que jamás vas a salir de ahí”

“Back To The Front” ha sido grabado en Kungalv (Suecia) con Roberto Laghi como productor (In Flames, Hardcore Superstar) y será editado por Century Media en Agosto. La banda no ha tardado en confirmar su presencia en varios festivales este verano así como su inminente tour junto con Grave.

Los suecos GRAVE son una auténtica leyenda del death metal sueco, su imparable carrera comenzó con lo que hoy es una obra maestra del género, “Into The Grave” en 1991, y culmina en una completa discografía de la que su último EP “Morbid Ascent” da buena cuenta.

¡Cita imprescindible para los fans del mejor death metal sueco de todos los tiempos!

ENTOMBED AD
+ Grave
Domingo 28 de Septiembre, 19:30 hrs.
Sala Apolo 2 (Barcelona)
Anticipada: 20€ / Taquilla: 25€
Venta de Entradas: Revolver, Pentagram, Fnac, Carrefour, puntos de la red Ticketmaster.es, en el teléfono 902 150 025 y ticketea.com

Lunes 29 de Septiembre, 19:30 hrs.
Sala Shoko (Madrid)
Anticipada: 20€ / Taquilla: 25€
Venta de Entradas: Sun Records, Fnac, Carrefour, puntos de la red Ticketmaster.es, en el teléfono 902 150 025 y ticketea.com

Martes 30 de Septiembre, 19:30 hrs.
Sala Sonora (Erandio, Vizcaya)
Anticipada: 20€ / Taquilla: 25€
Venta de Entradas: Power Records, Arise, Fnac, Carrefour, puntos de la red Ticketmaster.es, en el teléfono 902 150 025 y ticketea.com

Crítica: Wolf "Devil Seed"

Wolf no son precisamente un grupo nuevo ni novato dentro del panorama del heavy metal, los de Örebro llevan ya desde 1995 dando guerra y tras de sí llevan la nada desdeñable cifra de siete álbumes de estudio (que se dice pronto), desde que empezaran allá por el nuevo milenio con su homónimo "Wolf" (2000) y llegaran hasta hoy en día con "Devil Seed" (2014). Cierto es que, hasta su fichaje por Century Media, no dejaban de ser una banda que se movía por el underground más oscuro y cenagoso, nada fuera de lo normal, raro es la banda, por muy grande que sea, que no le toque pasar algunos años en los "bajos fondos"; pero obviamente el hecho de fichar por el potente sello discográfico y la posterior edición de "Ravenous" (2009) les llevó a dar un cuantioso salto y de esa forma tomar aire y salir del más puro anonimato en el que hasta entonces andaban inmersos. Pienso que el juego de palabras que forman "New Blood, Old School" podrían ser la mejor forma de definir la música que hace este cuarteto de metaleros rabiosos y de carácter fuerte. Lo suyo es el heavy metal clásico y afilado (de eso no hay duda), pero con una particularidad muy interesante, dicho heavy viene aderezado con los aditivos de los sonidos modernos y contemporáneos, que por otro lado (guste o no) toda banda debe reflejar en su música si quiere tener actualmente algo de reconocimiento...Y visto lo visto, pienso que Wolf están tomando el camino adecuado para llegar a conseguirlo…

He de ser honesto y confesaros que "Legions Of Bastards" (2011), disco que prosiguió a "Ravenous" (2009)-mi favorito- no acabó por convencerme del todo, los temas era buenos, a los chavales se les veía con ganas y con fuerza, pero las composiciones adolecían de ser un tanto repetitivas, muy simétricas y excesivamente parecidas entre sí; y para más inri y por si esto fuera poco dicho álbum carecía de un hit o de un single propiamente dicho como podían serlo "Speed On" o "Hail Caesar" del redondo de 2009. Así las cosas reconozco sin tapujos que fui un tanto dubitativo y no sin cierto temor a escuchar el nuevo trabajo...pero bueno, todos tranquilos, ya que después de la experiencia tengo que afirmar que el lobo sigue aullando con fuerza en "Devil Seed" (2014).

El álbum se abre con una intro de lo más marchosa y cachonda, donde los dos hachas del combo (Niklas Stalvind y Simon Johansson) se recrean y divierten haciendo hablar a sus guitarras mientras Richard Holmgren marca la base y la línea a seguir con una pegada ruda y constante, lo que lleva a la postre a convertir una simple intro en un tema propiamente dicho y a tener muy en cuenta. Eso sí, no será hasta el estribillo de "Shark Attack" cuando el grupo recurre y tire del speed metal, que marca su sello y su Adn. Sin duda estamos ante un temazo con todas las de la ley, un corte muy rápido con una base muy potente y con unas guitarras opulentas y pesadas que te engancha desde la primera escucha y desde el primer segundo. Todo un acierto que la hayan escogido como single para realizar un videoclip, consiguiendo de esta forma recuperar el estilo y la idea que habían conseguido con la anteriormente mencionada "Speed On" en su clásico "Ravenous" (2009).

Con "Skeleton Woman" siguen en sentido ascendente con el automático puesto, esta vez estamos ante un corte que hereda las directrices de su predecesor y que vuelve a contar con una interpretación vocal de diez a cargo del maestro Stalvind. También muy llamativo el uso de acústicas en su parte intermedia en la previa al solo de las eléctricas de Simon, todo un detalle que dejará a más de uno con el ceño fruncido. Con "Surgeons Of Lobotomy" siguen soltando sedal, es una de las más heavys, un tema que desprende rabia y contundencia por todos y cada uno de sus poros, donde nuevamente las guitarras vuelven a ser el foco de atención y la máxima expresión de un tema redondo, gracias a la laboriosidad y contundencia de las mismas; sin duda uno de los activos más preciados de Wolf.

"My Demon" posiblemente sea mi favorita, cosa rara si tenemos en cuenta que tenemos en frente un tema tranquilo y sosegado que decelera según avanza, pero que te atrapa gracias a una de las mejores melodías del álbum y sobre todo a su grandioso estribillo que te hace elevar el puño hacia el infinito y disfrutar de ese old school de pantalones de pitillo ajustados y chupas de cuero. A unos cuantos cuando escuchen la intro y el riff principal de "I Am Pain" se les vendrá a la cabeza Rock N Rolf y sus Running Wild, es inevitable, ya que el mismo parece sacado de "The Rivalry" o de alguno de sus clásicos noventeros...El speed vuelve a ganar fuerza con "Back From The Grave", aunque en este caso el corte es un tanto más difuso, sigue teniendo fuerza y carácter pero no está tan bien elaborado como "Shark Attack" o aquel "Speed On" del que tanto me gusta echar mano. Aunque también es verdad que si somos un poco pacientes y abiertos de oídos el tema se acaba dejando querer; lo mismo que "River Everlost" donde los coros de Niklas y el resto de la banda en sus copiosos estribillo son de los mejor del nuevo trabajo de los suecos.

Por desgracia no podemos decir lo mismo de "The Dark Passenger", una canción muy aburrida que particularmente no me dice nada de nada, se vuelve muy monótona y singular, pienso que no le han puesto las ganas necesarias para que saliera mínimamente aceptable. Me huele que estamos ante el típico track de relleno del que hay que a veces hay que echar mano para completar las 10/11 canciones de rigor que debe contener todo LP de tipo medio. Por suerte para nosotros, y obviamente para ellos, los suecos cambian el chip rápido y nos dan un buen mordisco con "Frozen", una de las piezas más molonas y con más cuerpo de las once que integran "Devil Seed". Si lo vuestro es el heavy de corte clásico aquí vais a disfrutar cuan gorrinos en un maizal, con una melodía pegadiza y dulzona, al más puro estilo Gamma Ray, que no dejará de resonar en vuestro cabeza durante mucho tiempo. El disco finaliza con "Killing Floor" recuperando nuevamente el sonido más power en su comienzo pero que de repente pega un viraje convirtiéndose en un depredador lleno de actitud y de riffs potentes que le dan un toque genuino y único. Sin duda un corte más que acertado para poner el epílogo al nuevo trabajo. Wolf nos pegan un buen zarpazo con "Devil Seed", no estaremos ante un nuevo "Ravenous" (2009) pero, aún así, es altamente recomendable.

© 2014 Lord Of Metal

Crítica: In Flames "Siren Charms"

El problema que tienen muchos “entendidos” con In Flames es que analizan sus discos antes de escucharlos, incluso (y esto no es una exageración, podemos asegurarlo) con anterioridad a que sean editados; la verdad que éstas son de esas cosas que por más que uno las ve nunca dejan de sorprenderle. Por regla general, los nuevos trabajos de In Flames (desde “Reroute To Remain” en adelante) tienden a tildarse de “basura” o “mierda” (y eso no lo decimos nosotros). Y ¿sabéis por qué esto es así? Pues por la simple y sencilla razón que los suecos ya no hacen death metal, bueno, más concretamente no hacen lo que estas personas entienden por “death metal”… ¡vaya problemón! ¿verdad? Parece que en el mundo del rock en general y del metal en particular es apocalíptico y malo malísimo cambiar de estilo y hacer determinados virajes sonoros. Vamos a ver, pienso que no debería pasar absolutamente nada por el hecho de que las bandas evolucionen o simplemente quieran recoger en sus grabaciones otros registros distintos de los de su pasado. Metallica lo ha hecho con el “Black Album” (“Metallica” tiene tanto de thrash como “Un hombre solo” de Julio Iglesias), y posteriormente con el “Load” y derivados. La clave no está en criticar (para bien o para mal) un disco de una banda por el hecho de que tenga un estilo o una etiqueta diferente a la de sus predecesores, sino por el hecho subjetivo (nunca jamás una crítica será objetiva) de que el mismo pueda ser catalogado como “bueno o malo.

Siempre me he considerado más fan de discos que de grupos, no hay ninguna banda de este planeta de la que pueda decir que me gustan todos sus discos (no hay excepción al respecto), y soy el primero en criticar y poner a caer de un burro trabajos de Machine Head, Metallica, Judas Priest o Iron Maiden. El nombre es simplemente eso, un nombre, una razón comercial o social que sirve de carta de presentación para los desconocidos y de una buena tarifa en euros para los conocidos. De igual modo y en sentido contrario también reconozco que otras bandas con las que por regla general no comulgo, tienen buenos, incluso grandes discos (Avenged Sevenfold, Bring Me The Horizon, Black Veil Brides…) Por eso lo que antes apuntaba de que no soy fan de una banda porque lleve asociado un nombre más o menos conocido que delate mayor o menor calidad. ¡Qué le voy a hacer, será que con los años me voy haciendo más simple!

“Siren Charms” es un gran disco, no podemos decir lo contrario, sería del género bobo no reconocer dicho aspecto por el mero hecho tonto de que Anders se haya puesto gafas de pasta o se haya cortado las rastas, o que Bjorn se haya dejado una barba interminable y no lleve la melena al viento como hacía en “Whoracle”. Yo al igual que muchos siempre he preferido a Jesper que a Bjorn ya que pienso que es mejor guitarrista (aunque no mejor batería, pienso que en esta disciplina Bjorn lleva ventaja a su viejo amigo). Jesper y Bjorn siempre han compuesto codo con codo la música de In Flames, más concretamente desde que el segundo aterrizara en la banda sueca justo antes del proceso de grabación de "The Jester Race". Tanto uno como otro han sido responsables del sonido de la banda desde dicho álbum hasta la actualidad con la edición de "Siren Charms". Ellos han sido unos de los padres del sonido Goteborg, contando como alumnos aventajados de At The Gates o de Entombed. Ellos han sido pioneros en el death metal melódico, y se han convertido con sus canciones y melodías en uno de las bandas más importantes de la escena metalera actual. Puedo comprender que no guste la música que están haciendo actualmente, al fin y al cabo todos sabemos que los gustos son tan personales que el DNI o el ADN. No obstante a un servidor le ha gustado mucho "Siren Charms"; y ojo, os lo dice una persona que se lo pasa pirata escuchando "The sound of Perseverance" de Death, el "Back From The Dead" de Obituary, el "Altars of Madness" de Morbid Angel o, el antes mencionado, "Whoracle". Canciones como "In Plain View" tienen  algo que te enganchan,  que te atrapan; Anders canta más melódico que nunca, con una voz tan sosegada como tranquila, donde los guturales brillan por su ausencia, creando una melodía maravillosa y deliciosa con su prodigiosa voz. Suena raro, pero te puedes llegar incluso a relajar si cierras los ojos y le disfrutas con total plenitud. Estamos ante uno de los mejores estribillos de "Siren Charms", muy acertado y profundo, poniendo toda la carne en el asador cuando entona, "Deep Inside, the memories that are left behind… Close my eyes, I´ve been hopelessly lost in the fear, are you for real?". El solo es marca de la casa, el mismo viene ejecutado por un Bjorn centrado y en estado de gracia,  que sabe muy bien lo que quiere y como lo quiere.

"Everything's Gone" nace con la rabia de Svensson martilleando nuestra cabeza con la rapidez de sus parches y bombos. Anders en las estrofas y puentes le hace algún que otro guiño a su amigo Davis (Korn), mientras que el estribillo se desgañita como alma en pena produciendo un efecto desalentador en sus oyentes. "Paralyzed" es un tema que tira y hace uso de los sintetizadores que pusieran de moda en temas como "The Quiet Silence" de  su "Soundtrack To Escape". Es uno de los cortes más vistosos del álbum, muy versátil y que se deja querer por los que amamos la buena música. Un tema que nació para convertirse en single y que a buen seguro, y esto son palabras del propio Bjorn, dará mucho juego en sus conciertos venideros…Ya estamos deseando que llegue Octubre y poder disfrutarla como de verdad se merece... "Through Oblivion" por su parte me parece de las más flojillas de "Siren Charms", se queda un tanto coja, no llega a cuajar del todo, y me sorprende de sobremanera que la misma haya sido escogida para realizar un videoclip tras el de su single "Rusted Nail".

Si por nosotros fuera, el single del álbum sería "With Eyes Wide Open", sin duda el mejor tema de "Siren Charms", una maravilla de canción que te atrapa y te aprisiona desde el segundo uno gracias a una de las melodías más deliciosas que hoy en día uno se puede echar a la cara. Estamos ante un medio tiempo con muchísima fuerza, muy del estilo de "Evil In A Closet", aquella balada escondida en "Soundtrack To Escape" con la cual era imposible no emocionarse dejando escapar alguna que otra lágrima por la mejilla. Bjorn lo dice constantemente, él quiere hacer música para emocionar al oyente y ver en sus caras la procesión que llevan por dentro. Y es que en ese sentido no podemos hacer otra cosa que darle la razón al sueco, ya que con canciones como "With Eyes Wide Open" lo consigue sin paliativos. Cuestión de magia... "When the World Explodes" tiene dos partes bien diferenciadas, una primera en la que Anders es el protagonista escupiendo desde el fondo de su alma los mejores versos de "Siren Charms", y una segunda con voz femenina, que no me acaba de entusiasmar del todo. Tiene una parte operística, donde la cantante, al más puro estilo Sarah Brightman en "El Fantasma de la Opera" se deja llevar por unos tonos que para nada pegan con la música que es escucha de fondo. Pienso que esta vez, y al contrario que sucedió con "Dead End" de su "Come Clarity", no aciertan de pleno.

"Rusted Nail" es la canción que escogieron como single para presentar el álbum a nivel mundial, un tema vistoso, donde los suecos recuperan los sonidos de "A Sense Of Purpose" (2008), donde los tonos tristes y apagados vuelven a plantearse y a plasmarse en un tema que va ganando actitud y presencia según se le va comiendo segundos al crono. Es cierto que su portada en blanco y negro viene a ser una continuación de la figurada en "Sounds Of A Playground Fading" (2011), aunque en esta ocasión el armazón de su esqueleto se ciñe más de lo expuesto en su noveno trabajo que en su disco de 2011. Las guitarras de Björn suenan como siempre, "espectaculares", mientras que Anders tira de melodía y experiencia, llevándonos por terrenos ya trabajados y vistos anteriormente en temas como "The Mirror´s Truth" o "Alias".

"Dead Eyes" y "Monsters in the Ballroom" también convencen por su frescura y las acertadas melodías de Bjorn. Son temas que no pueden desagradar a nadie que respete la nueva trayectoria que tomó In Flames desde "Reroute To Remain". El disco finaliza con la potente "Filtered Truth", un tema con un inicio muy pop pero que en los estribillos sufre una transformación brutal, convirtiendo a Anders en una especie de Mr. Hyde, tirando de tonos "old school", que sacarán la sonrisa hasta de los más escépticos. Con "Siren Charms" In Flames sigue engordando los capítulos de su historia. No pueden gustar a todo el mundo, ni tan siquiera lo pretenden, pero, ¡qué coño!...a nosotros todavía nos siguen haciendo tilín!

© 2014 Lord Of Fuckin' Metal

Crítica: Eric Clapton & Friends "The Breeze"

Si echamos un vistazo a la carrera de Eric Clapton en los últimos veinte años nos daremos cuenta de lo lejos que están sus detractores de tener razón. No es que Clapton muriese, creativamente hablando, tras “From The Cradle” (1994) o “Pilgrim” (1998), es que desde hace catorce años se dedica a publicar lo que le viene en gana sin ninguna otra pretensión que disfrutar él mismo. No nos demos por engañados, no nos llevemos las manos a la cabeza, no pretendamos ver donde no hay porque nos lo ha dicho por activa y por pasiva. Quiere hacer la música que le gusta, no tiene necesidad de romper de nuevo las listas ni hacerse un lavado de cara o rejuvenecerse, no necesita más “laylas” ni “cocaines”, se acabó. Lo que él quiere es descansar, hacer música sin presiones, girar los meses de verano y el resto del tiempo pasarlo con su familia navegando por el mediterráneo, se lo ha ganado a pulso.

Hagamos un breve repaso para los más excépticos: disco mano a mano con su amigo B. B. King “Riding With The King” a pesar de publicar un álbum de Blues en pleno 2000 llegó a ser doble platino, tras la publicación de “Reptile” (2001), homenajea a Robert Johnson en “Me and Mr. Johnson” y “Sessions For Robert J” (2004) en donde interpreta todo el repertorio del mítico bluesman rodeado de su banda en un ambiente distendido y casero en lo que parece más un documental que un disco para las masas,  tras “Back Home” y la ansiada reunión con Cream, disco a medias con J.J. Cale y su “Road To Escondido”, gira con Winwood y posterior grabación del concierto en el Madison Square Garden, versiones con “Clapton” (2010),  disco en directo con el trompetista Wynton Marsalis, un “Old Sock” veraniego, relajado y cálido en el que vuelve a grabar con sus amigos algunas canciones sin mayor pretensión que disfrutar y ahora vuelve con este “The Breeze: An Appreciation Of J.J. Cale” para, como él mismo dice en el bonito videoclip promocional, rendirle sus respetos a su amigo recientemente fallecido. ¿De verdad pensamos que ésta es la carrera de alguien interesado en ser un superventas, de alguien pendiente de su cuenta bancaria?

Todos esos que menosprecian la actitud del actual Clapton y hablan de aquel joven que dejó a los Yardbirds por querer sonar más comerciales y lo comparan con el actual no pueden estar más equivocados o desconocen los últimos pasos de la carrera del guitarrista. Muchos de esos detractores son los mismos que se rasgan las vestiduras tras la muerte de J.J. Cale pero dejadme que os diga una cosa; Cale, por suerte o por desgracia, no era tan conocido y si en Estados Unidos era un artista de culto, aquí en España era un auténtico desconocido del que, como mucho algunos tendrían el “Naturally” o, nada que objetar, conocerían por Clapton. Por lo tanto, honra a Clapton reconocerle al césar lo que es del césar y devolverle a Cale, una vez más, el protagonismo que merece –no sólo por haber sido el autor de algunos de los éxitos del británico- sino porque en sí mismo fue y es un músico y un compositor excepcional. Pero tengamos algo claro sobre este “The Breeze: An Appreciation Of J.J. Cale”, a pesar de los involucrados (Mark Knopfler, Tom Petty, Don White, John Mayer o Willie Nelson) no pretende ser más que un homenaje, un recuerdo bajo el nombre de Eric Clapton & Friends y, sin embargo y a pesar de ello, entró directamente al número dos de las listas de medio mundo, la mejor marca de Clapton precisamente desde “From The Cradle”.

Pero en él tan sólo encontramos eso; un homenaje. Que nadie se espere una catarsis, que nadie se espere un single tras otro, abrasadoras interpretaciones y relampagueantes números uno. Tan sólo unos pocos amigos interpretando algunas y escogidas canciones de Cale y excepto la famosa “Call Me The Breeze”, el resto del repertorio deambula en un tono pacífico, tranquilo e inofensivo como demuestra “Rock And Roll Records” con Petty a la cabeza, “Cajun Moon” o “Magnolia” con un comedido John Mayer (basta escuchar “Lies” para darse cuenta de que le han metido en vereda o él mismo no ha querido o podido hacer mucho más).  Petty volverá con una ligeramente más emotiva “I Got The Same Old Blues” y se despedirá con “The Old Man And Me” que sí consigue emocionar pero entendamos que la entonación y la flema de “Rock And Roll Records” es la que la canción solicita, la que demanda un músico como Cale que tenía más que asumido que lo suyo no era un status sino un oficio y así lo cuenta la canción; “Hago discos de rock 'n' roll, los puedo vender por un centavo, me gano la vida y alimento a mis hijos con ello, todo a su tiempo…”. Resulta irónico y cada vez más gracioso comprobar cómo Cale se reía de todo cuando decía: “Enviadme el dinero y dejad que los jóvenes se lleven la fama” pero es que pocas veces un artista con tanto empeño en no trascender y pasar desapercibido ha tocado tantas veces la gloria con la yema de sus dedos sin pretenderlo y tan sólo con su talento. “Starbound” de Willie Nelson suena como sólo Nelson y su garganta saben hacerlo, imposible que no te llegue muy adentro mientras que Don White se acerca pero no llega en “Sensitive Kind” o compartiendo labor con Clapton en “I’ll Be There (If You Want Me)”. Mención aparte merece Mark Knopfler (otro de los grandes guitarristas vilipendiados con todo tipo de calificativos por hacer actualmente lo que le viene en gana y no tener que pasar por el aro de reunir a Dire Straits y pasearse a sus sesenta y muchos años con una cinta de tenis en la frente, como hizo hace treinta años) porque si bien su aportación en “Train To Nowhere” con su amigo Eric  es notable, en “Someday” lo borda y tanto el tono como su guitarra nos recuerdan a lo mejor de su carrera, quien tuvo retuvo…

Pero el broche de oro lo constituye “Crying Eyes”, un más que apropiado cierre de Clapton con la viuda de Cale, Christine Lakeland, que sí llega a emocionar y hacen que uno sienta a este “The Breeze: An Appreciation Of J.J. Cale” como un disco de mayor envergadura, que tengamos ganas de volver a pincharlo aunque sea tan sólo una vez más. No es que Clapton no sea capaz de arrancarse con “Cocaine”, “After Midnight” o una incendiaria interpretación de “Layla” (como pudimos comprobar en vivo y en directo en su concierto de Berlín) es que ha aprendido de los mejores; de Mayall, de Johnson y Cale, siendo de este último la mejor de las enseñanzas; pasa desapercibido, deja que sean otros los que se peleen por la fama y disfruta de tu música, sé como la brisa.


© 2014 Jack Ermeister