Crítica: Ektomorf "Retribution"

Cuando hablamos de Ektomorf, estamos hablando de una banda que tiene un gusto exquisito por las cosas bien hechas, y como sabemos muy bien, lo bien hecho bien parece. Cuando escuchamos su música es fácil de descifrar que hasta el mínimo detalle está cuidado y mimado en todos y cada uno de sus discos. Quienes les seguimos desde hace tiempo sabemos muy bien que eso es así, que éste ha sido un aspecto cualitativo en su forma de trabajar lo que les ha llevado a erigirse como una de las bandas más prometedoras del thrash/groove europeo. Cuando escuchamos alguno de sus discos no es difícil que se te pase por la cabeza varios de los grandes del negocio como son Sepultura o Machine Head, donde el groove y el armamento pesado prevalece sobre el thrash y los movimientos rápidos. Su frontman, Zoltán Farkas, es un tipo con talento que sabe lo que tiene que hacer en cada momento, es un niño aventajado en esto de la música, no en vano estamos hablando de un chaval con una media excepcional en lo que se refiere a la actividad de edición de discos, ya que nada más y nada menos que nueve son los retoños que lleva pariendo el joven húngaro desde el 2000, cuando su primer trabajo, "Kalyi Jag", veía la luz. Con las cosas así está claro que su celo profesional es más que evidente y palpable para todos nosotros.

Con "Retribution" Ektomorf vuelven a llenarnos la cabeza, y no de pajaritos precisamente, sino más bien de una sobredosis mortal de buen y potente hevy metal. Ya es raro que digamos hoy en día algo así, donde toda la música parece salida desde la misma batidora y todas las bandas parecen hacer lo mismo disco tras disco con diferente nombre. Ektomorf siguen fieles a su estilo, está claro que no van a cambiar de la noche a la mañana (además de que no tienen por qué hacerlo), pero en cada disco y en cada trabajo nos dan algo nuevo y diferente, no es una banda plana o estándar que tienda a hacer el mismo disco una y otra vez. Como hemos dicho antes Zoltán es un currante nato y eso se nota a la hora de componer y de trabajar en el estudio. El sonido del álbum es espectacular, de auténtico diez, te podrá gustar más o menos su música, pero una buena ración de heavy la tenéis garantizada si le dais una oportunidad a "Retribution"

A nivel personal no puedo ocultar volverme loco cada vez que escucho "You Can´t Control Me". Es un tema con una energía tremenda que me transmite muchísima positividad y seguridad. El título ya lo dice todo, Ektomorf con este puñetazo directo a la cara nos recomiendan que hagamos lo que realmente "nos venga en gana", sin que nadie se interponga en nuestro camino, teniendo los santos cojones de meterse o entrometerse en nuestra vida. Un bombazo que escupe animadversión y rabia en el estribillo, donde un Zoltán enrabietado aúlla desesperado y a los cuatro vientos la frase que da título del tema. La apisonadora sigue su camino al más puro estilo Sepultura con "Ten Plagues", donde el patrón del mismo sigue al pie de la letra al dibujado por los hermanos Cavalera y por Kisser en el fantástico "Roots". Estamos ante una pieza magistral con la que vuestra memoria viajará en el tiempo hasta finales de los 90, cuando la música todavía tenía mucho por decir.

"Face Your Fear" descorcha al Zoltán más alternativo, evidentemente no será éste su único coqueteo en "Retribution" con el movimiento más castigado de la historia del metal. El Nu metal nunca gozó dentro del metal de una buena reputación, aunque Ektomorf saben darle un toco picajoso que lo convierten hasta en agradable para el oyente más old school. "Escape" es una maravilla, una canción realmente bruta con la que los húngaros logran ponernos de rodillas mientras nos atiborran a riffs despiadados y maléficos. La voz de Farkas es fantástica , está o parece estar siempre en el sitio indicado; ni excesivamente gutural cuando los momentos lo requieren, ni abrumadoramente clara en las segundas estrofas hacia los estribillos. No es difícil de adivinar que "Escape" agradará a todos por igual, tanto a los más familiarizados con los sonidos modernos como a los que se identifican más con los clásicos.

"Numb & Sick", elegida como primer single del álbum, y "Lost & Destroyed" no son tan consistentes como las anteriores, mostrándose un tanto más difusas y diáfanas que las anteriores, donde las estrofas cantadas por Cristian Machado (Ill Nino), en la primera de ellas, y las débiles y grises voces de Farkas en la segunda, desentonan un poco con el alma y el espíritu que transmite por norma general la música de Ektomorf. Pienso que con ellas se experimenta un bajón importante en uno de los momentos cruciales del álbum. Por suerte Zoltán saca la mano a pasear nuevamente con otra de las más vitoreadas de "Retribution"..."Souls Of Fire" tiene un sonido fantástico, con unas melodías que te atrapan desde el segundo uno y que no dejan de martillear tu cerebro, dando buena cuenta de lo grande que son esta gente cuando le echan un par de huevos. La versión de Verbal Abuse "I Hate You", que ya hiciera famosa Slayer en su "Undisputed Attitude", es la siguiente en mandarnos a filas. Al igual que hicieran los reyes del thrash unos años antes, Ektomorf le dan un punto de dureza y de dolor (también hay que decirlo) al original de la banda texana, en un momento (el de Verbal Abuse) donde el más rápido y veloz del movimiento punk era el que se acababa por llevar el gato al agua.

"Watch Me", uno de mis temas favoritos y uno de los más groove contiene la rabia y las melodías de "You Can´t Control Me", mientras que "Mass Ignorance" juguetea más con el sonido punk y thrash de los primeros Sepultura, más referenciados en trabajos como "Beneath The Remains" o incluso "Arise", donde el parecido (y no sólo en el título) con "Mass Hypnosis" es más que razonable...Por su parte "Save Me" es rabia y dolor, donde su lento y pesado comienzo acaba por destrozarte con un cambio de ritmo loco y autodestructivo. Fascinante la voz del maestro cuando trabaja con frases cortas; bien es cierto que tiene un deje un tanto alternativo, pero en esta ocasión no desentona ni cae mal en un tema que está llamado a convertirse en uno de los fijos de sus próximos conciertos. Si no lo tocasen, lo echaría en falta.

La parte final viene ensamblada con dos temas un tanto menores, el primero "Whisper", porque no acaba por convencer debido a su desesperado coqueteo con los sonidos modernos, y el último "Collapsed Brigde" simple y llanamente porque es malo, un tema que no deja de actuar como relleno para condimentar un buen álbum en términos generales, pero que desde nuestro punto de vista no está a la altura de "Redemption" o de "Black Flag".

© 2014 Lord Of Fuckin' Metal

Crítica: The Afghan Whigs "Do To The Beast"

Escuchar el nuevo disco de The Afghan Whigs me resulta embriagador por la cantidad de recuerdos que se me agolpan en la cabeza, por la cantidad de puntos de mi vida que soy capaz de conectar con la voz de Dulli y los sentimientos que despierta su música en mí. He podido hablar con él en varias ocasiones y siempre me ha parecido que tenía un aura especial; es de esos tipos que entran en un bar y todo el mundo le mira, uno de esos artistas con personalidad propia, que basta tan sólo una nota para saber que es él. Por eso, la mayoría de opiniones que he leído sobre el retorno de The Afghan Whigs me parecen vertidas por gente que no siente demasiado por la música de Dulli, por críticos aficionados que hoy escriben sobre The Afghan Whigs y mañana sobre Arcade Fire. Yo he estado allí, llevo en su universo desde el año 93 con "Gentlemen", he crecido con la guitarra de McCollum, The Twilight Singers y he saludado a Lanegan, le he pedido más canciones con Dulli y le he llevado el mensaje de vuelta al propio Greg, ante su sorpresa, en una calurosa tarde de verano. He sufrido con su música pero también he festejado, he respirado y dedicado muchas madrugadas a escribir con su voz de fondo y me creo en el derecho de escribir sobre "Do To The Beast" con el mismo cariño con el que está hecho. Pero, a pesar de mi pasión por su música, tampoco carezco de criterio, si Dulli y sus Afghan Whigs no hubiesen vuelto con un grandísimo disco bajo el brazo tras década y media, también lo diría y me refugiaría en las canciones pasadas, tampoco pasaría nada pero no es el caso.

Llevamos desde 1998 sin canciones de los Whigs, ¿no es mucho tiempo? Demasiado. Durante el camino, varios y magníficos álbumes de The Twilight Singers, uno en solitario, otro con Mark Lanegan y un aperitivo con "Unbreakable (A Retrospective)" del 2007, que supo a poco. Recuerdo un concierto en el que Dulli, después de deleitarnos con un poco de Soul, preguntó qué canción quería su público, le pidieron de los Afghan Whigs y, con mucha sorna, espetó: "Son canciones muy antiguas, no recuerdo ninguna" ante la risa del respetable que acaba de presenciar como cantaba un "Time Of The Season" de The Zombies, del año 68. ¿Qué ha ocurrido para que vuelva? Barajar la opción del dinero es algo bastante ridículo, los Afghan Whigs nunca fueron superventas y, aunque la gente que los amábamos éramos obsesivos con su música, nunca fueron capaces de compararse con Nirvana, Pearl Jam o Soundgarden. Pero es que en aquella época de Martens, Converse, camisas de franela, pelos largos y pantalones raídos, si la música de Nirvana procedía del Punk y el Pop, la de Pearl Jam del Rock más clásico y la de Soundgarden del Metal y el Underground, la de Dulli y McCollum bebía del Soul, bebía vino y fumaban cigarrillos vestidos de negro, con botines y grandes gafas de sol. Los Afghan Whigs pensaban que el negro era el color y su música era novela negra, bares llenos de humo, madrugadas infinitas, sexo y sudor, obsesión y tabaco, ninguna angustia adolescente que hiciese al gran público empatizar con su música. Era más fácil cantar "Alive" que "Somethin' Hot", desde luego que sí. 

¿Qué es lo que ha hecho que Dulli haya vuelto a componer con los Afghan Whigs y volver en pleno 2014? Quizá tenga que cerrar algún círculo, quizá no tengamos que plantearnos mucho más para volver a ponernos esa vieja chaqueta que, aunque desgastada, tan bien nos hace sentir, no siempre hay que preguntarse los porqués sino entender que es así, sin más, y los Afghan Whigs han vuelto con uno de los mejores discos de este año.

"Parked Outside" abre el disco de manera contundente, entre el Blues y el Rock, puro Afghan Whigs, suenan atemporales mientras Dulli pasa de la chulería al lamento, al suspiro, al quejido, al murmullo y las guitarras comienzan a subir el tono y el volumen, comiéndose su voz y la canción entera adquiere tensión, el solo es doliente y Dulli te lleva de la mano mientras la batería sigue castigando el tempo y todo se vuelve más y más violento entre falsetes. No es que hayan querido demostrar que el tiempo no ha pasado por ellos (que no lo ha hecho) sino que los Afghan Whigs suenan como cuando descorchamos la botella tras una década y media agitándola. La urgencia de "Matamoros" se reviste de influencia oriental mientras el estribillo se llena de violencia y tensión sin tener que acudir a recursos tan manidos como la distorsión o elevar la voz, sino que Dulli y los suyos llenan de densidad la canción muy parecido a como lo hacían antes los Bad Seeds. 

Pero, sin lugar a dudas, lo que hace subir la nota de "Do To The Beast" es "It Kills" que es enlazada de manera brillante con "Matamoros". Apabullante, intensa y sensible. El piano es una maravilla y la voz de Dulli nos va introduciendo mientras las guitarras se desperezan y el grupo se une, Greg se desgañita hasta el puente en el que los coros toman el papel principal, la canción despega, llega el Soul, llega el coro femenino, Greg hace el amor con la corista, la anima a llegar al clímax; "Come on, baby!" hasta que acaba en un orgasmo que es cortado en seco por la voz y el piano. Deja sin aliento, es una canción intensa y desbordante. "Algiers" fue lo primero que pudimos escuchar de "Do To the Beast" junto con "The Lottery", de sabor fronterizo, con la voz de Dulli exudando actitud y las guitarras a medio camino entre la distorsión más ruidista y el lejano oeste pero vuelve a ser el puente lo que la convierte en un auténtico lujo, el video tiene encanto y sólo por ver a Dulli vengándose de todos los forajidos merece ya la pena. Gran sentido del humor y una estética cuidadísima. 

La primera cara de "Do To The Beast" acaba con "Lost In The Woods" en la que el piano es el protagonista creando una tensión digna de los mejores Afghan Whigs pero pronto todos se unen y la canción despega para sumergirse en unos arreglos de cuerda de infarto, Dulli y los suyos han puesto toda la carne en el asador para este disco. "The Lottery" es una de las mejores canciones del álbum pero también de la carrera de los Afghan Whigs; un inicio rápido y un arranque lleno de violencia contenida hasta que en el estribillo las guitarras edulcoran la mezcla y se convierte en un gran single con un solo verdaderamente jugoso y lleno de Wah. "Can Rova" es un interludio que levanta el vuelo al final, justo para llegar a "Royal Cream" y encontrarnos esa batería cruda y descarnada, ese bajo palpitante y esas guitarras cortantes tan propias de los Whigs, enlaza con "I Am Fire" que, entre palmas, arreglos, percusiones y Dulli cantando "I'm burning", nos lleva a la última gran joya del álbum; "These Sticks", una canción que entra poco a poco con unas guitarras fantásticas y un "in crescendo" que, gracias a la batería y las cuerdas y metales, se vuelve asfixiante y llegan hasta el paroxismo de manera violenta, en sacudidas, como si estuvieran exorcizando la noche y el deseo del cuerpo del oyente, Dulli grita y parece suplicar, canta como un mantra y la canción se endurece aún más hasta que, súbitamente, se calma.

Greg Dulli me lleva acompañando desde hace muchísimos años pero es curioso que en primavera siempre acuda a sus canciones y él siempre esté ahí para refugiarme. Pensaba que el negro era mi color pero no, es el nuevo disco de The Afghan Whigs y me enciendo un purito mientras lo pincho otra vez. Gracias, Greg.

© 2014 Jon Nieve

Crítica: Nux Vomica "Nux Vomica"

¿Sentís el dolor?, ¿sois capaces de percibirlo?...se huele, se palpa, se siente; es algo que está muy presente y que Nux Vomica quieren transmitirnos con su música y su arte. Hacía mucho tiempo que no apreciaba este sentimiento, posiblemente desde que Harakiri For The Sky llegara a mi vida por casualidad a través de las redes sociales. Aquel sentimiento de dolor y de ahogamiento que experimentaba con el black metal depresivo de los austriacos vuelve a hacer acto de presencia con Nux Vomica y su maravilloso álbum. Nux Vomica no son un grupo debutante, al contrario de lo que se pudiera pensar si vemos el título del álbum, son ya varios los Ep que han editado desde su fundación en los primeros 2000 y tres los Lp que han grabado desde entonces. Evidentemente la diferencia entre "Nux Vomica" (como álbum) y todo lo anterior se llama Releapse Records. Algún cazatalentos de la potente discográfica norteamericana se ha fijado con muy buen criterio en una banda que a buen seguro, y al contrario de lo que sucede con su música, le va a dar más alegrías que disgustos.

Es muy complicado hablar o definir la música de Nux Vomica, lo más sencillo sería ceñirnos al panfleto oficial y decir que hacen crust, pero es que no nos parece justo dejarles o apalancarles en una única etiqueta. Nux Vomica es crust, pero también es black, death, doom e incluso progresivo, aunque por encima de todo es dolor, mucho dolor. Si eres de los que sientes y te emocionas con la música, Nux Vomica te va a atrapar desde el primer momento, te va a resultar imposible darle al stop de un álbum que a día de hoy junto con el "Death By Burning" de Mantar es mi favoritos del ejercicio 2014 . "Nux Vomica" (como álbum) está compuesto única y exclusivamente por tres temas, los dos primeros que están en torno a los doce minutos de duración y un tercero que roza los veinte, algo que resulta curioso en los tiempos que corren. Como veis no estamos hablando de un grupo más, de un grupo cualquiera, esta banda tiene algo diferente que se torna poco menos que obligatorio llegar a descubrir. Hora de ponerse cómo y disfrutar.

Ya desde la portada te enganchas a una banda que cuida y mima todos los detalles; el maravilloso dibujo, obra de Erik Stotik, que refleja un tipo abatido, boca abajo, sobre unos escombros ya te da una ligera idea del dolor y de la pasión que te vas a encontrar en su interior. Las guitarras retorcidas de "Sanity Is For The Passive" te ponen a hacer headbanging en los primeros compases de una pieza que podríamos catalogar como puro black metal, donde la voz de Just Dave podría fácilmente confundirse con la de un proscrito Varg (Tsjuder) o con la de un desesperado Ravn (1349). La canción podría definirse como caótica en sus primeros minutos, aunque según avanza el caos parece irse apaciguando y el sonido crust, pesado y plomizo, va ganando presencia con unas guitarras que rozan la perfección y con un Just Dave entonando unos versos dementes, con una voz que roza la locura y que no podría entenderse a no ser que el cantante estuviera poseído por el mismísimo Pazuzu. La percusión es muy importante en Nux Vomica y la misma se deja ver en los cuarenta y cinco minutos que dura el álbum, con unas baterías modélicas que acompañan nota a nota a los riffs más doom en la parte final de este increíble tema. Es un tema largo que requiere tiempo y paciencia para asimilar todo lo que puede dar de sí, pero merece la pena dedicárselo.

"Reeling" es sin duda la obra maestra por excelencia de "Nux Vomica", un tema muy diferente al anterior en todos sus aspectos. Aquí, si cabe, el sentimiento de dolor cobra una mayor fuerza y presencia. Con un comienzo de guitarras limpias, al más puro estilo "Clenching The Fists Of Dessent" de Machine Head, "Reeling" va cogiendo fuerza y cuerpo con unas melodías oscuras y tenebrosas más propias del doom de Candlemass o del black atmosféricos de Solstafir. Los primeros riffs (por otra parte, los más pesados del álbum) y la voz de Just rebosan calidad y sentimiento en cada segundo del metraje lo que nos conduce a poder vivir y disfrutar sin ningún tipo de censura o remordimiento una canción hecha para los amantes de la música. Si os dejáis llevar realizaréis un viaje apasionante por los sonidos más crudos y duros del metal...El bajo se vuelve artífice en la su parte intermedia, marcando el ritmo y la pauta a seguir por el resto de invitados a esta fiesta de los sentidos, mientras que la locura y el ambiente más black vuelve a hacer de las suyas en la fase póstuma del tema, con un Just enrocado y fuera de control, conduciéndonos por los pasajes más tenebrosos y oscuros de "Nux Vomica", en un tema que me recuerda mucho a "Embrace The Cycles" y que se incluyera en su Ep de siete pulgadas editado hace un par de años. Si algo me gustaba de aquel disco (ep) era su portada y su logo al más puro estilo true norwegian black metal de Burzum o Mayhem. Enormes.

El uso del bajo al más puro estilo Flea (Red Hot...) dinamita los primeros compases de la extra-larga "Choked At The Roots", un tema que roza los veinte minutos de duración y que viene a ser un cuento diseminado en varios capítulos. En el primero de ellos la instrumentación es la que manda, con sonido pegadizo y envolvente que una vez se te mete en la cabeza no eres capaz de sacarlo. Las guitarras nacen por su propio peso en una llamada hacia la heroica y hacia el sonido más propio del death metal nórdico. La voz de Just en esta ocasión se torna más gutural y grave (más dañina) y no tan chillona como la que dibujaba en "Sanity Is For The Passive" o incluso en los pasajes finales de "Reeling". Aunque si somos pacientes veremos como la misma no tarda en mutar y evolucionar hasta hacerse totalmente estridente en las estrofas más épicas del disco, donde las mismas, acompañadas de una melodía al más puro estilo Cradle Of Filth, nos vuelven locos de remate. Es imposible negarse o decir "no" al tremendo pasaje que se abre en el primer tercio de "Choked At The Roots", finalizando el mismo con los riffs más potentes y abruptos de "Nux Vomica". La canción se rompe hacia el minuto diez, haciéndose un silencio sepulcral seguido por unos efectos distorsionados que salen de las guitarras de sus dos hachas. El ambiente tosco del crust más psicodélico va ganando fuerza y velocidad a la vez que la distorsión se hace más agresiva, llegando a un punto de no retorno donde nos espera el fin de fiesta de esta maravilla de tema. Por unos minutos el dolor y la tristeza parecen desaparecer por completo dejando vía libre a la fiesta y la alegría de las melodías finales de "Choked...", sin duda toda una lección magistral de cómo lograr que una canción de 20 minutos se haga corta. No podemos decir otra cosa: "Nux Vomica" es uno de los discos cinco estrellas del 2014.

© 2014 Lord Of Metal

Entrevista a MANTAR

El dúo de Hamburgo formado por Erinc y Hanno, MANTAR, ha publicado uno de los mejores discos del año, "Death By Burning"; una mezcla genial entre la oscuridad de Darkthrone y el sonido primitivo de los Melvins con ingredientes Black, Punk, Doom, Stoner, Rock e incluso Sludge, que ha dejado sorprendidos tanto a crítica como a público. Blogofenia ha tenido la inmensa suerte de poder hablar con Erinc sobre su música y sus canciones.

Blogofenia: Antes de nada, enhorabuena por el disco que habéis grabado, estamos sorprendidos por su sonido y la fuerza de vuestra música, estamos encantados con sus canciones. Lo primero que nos gustaría saber es cómo nació Mantar, ¿qué significa MANTAR?

Mantar (Erinc): Hanno (guitarra y voz) es uno de mis mejores amigos y los dos hemos tocado en grupos muy diferentes durante mucho tiempo. Hace dos años, más o menos, me preguntó si estaría interesado en hacer algo mucho más duro, más pesado, musicalmente hablando, ya que él deseaba empezar una nueva aventura sin prestar atención al estilo o una etiqueta determinada sino simplemente algo  realmente duro. Recuerdo que me decía: “¡Vamos a ser el grupo más heavy del mundo!”, despertó mi curiosidad y empezamos a ensayar cuatro horas diarias improvisando, nos dimos cuenta de que había química aunque en aquellos momentos no era el sonido de MANTAR que ahora todos conocéis sino algo mucho más clásico, tipo Rock N’ Roll, pero empezar así fue lo que formó los cimientos de la banda. Después de un año teníamos suficientes canciones compuestas entre los dos como para grabarlas en el estudio de unos amigos.

Blogofenia: Sobre vuestro nombre, ¿qué significa MANTAR?

Mantar (Erinc): MANTAR son “setas” en turco, nos encantan las setas aparte de que nos gusta cómo suena la palabra, tiene una fonética épica y creemos que encaja con el sentimiento de la banda.

Blogofenia:  Mantar tiene un sonido muy especial , ¿cómo lo definirías?

Mantar (Erinc): MANTAR sonamos como un enorme y pesado barco oxidado (risas). En realidad no creo que nuestro sonido sea demasiado especial, tan sólo tratamos de tocar tan fuerte y duro como nos sea posible pero intentando llevar todas nuestras influencias a las canciones, venimos del Punk Rock por lo que sabemos perfectamente cómo rozar lo extremo. El resto deviene de nuestro amor por la música oscura, siniestra y heavy. ¡Eso es! Si queréis utilizar alguna etiqueta supongo que sería Black, Doom, Metal… (risas)

Blogofenia: ¿Qué bandas o músicos os han marcado? Algunas de veustras canciones son muy oscuras, ¿escucháis mucho Black Metal? 

Mantar (Erinc): Siempre suelo mencionar a los Melvins pero es que, siento repetirme, son  el mejor grupo del mundo y todo el mundo debería saberlo, así como Dale Crover es el mejor batería. Hanno, sin embargo, se crío entre lobos, entre el punk alemán y AC/DC. Creo que ese componente tan oscuro que percibís en nuestra música no viene únicamente de escuchar Black Metal, amamos ese sentimiento oscuro y siniestro de ver cómo la vida se oscurece por momentos, la noche es densa y oscura pero es más aterrador ver cómo atardece y el día se va apagando… Las mejores canciones del mundo han sido escritas en un estado de ánimo oscuro o amargo.

Blogofenia: Sabemos que es una pregunta difícil de responder, pero nos gustaría saber cuál es vuestra canción favorita en "Death By Burning"?

Mantar (Erinc): A ambos nos encanta "White Nights” de una manera especial, tiene un sentimiento muy épico, aparte también me gusta mucho “Berzerker” porque su sonido es, lo que yo denomino; “heavy puro” y además cuenta con la impresionante voz de “The Norseman”, ¡sencillamente fantástica!

Blogofenia: A nosotros, sin embargo, nos encanta "Cult Witness" , ¿qué nos puedes decir de ella?

Mantar (Erinc): ¡Que es la segunda canción del disco! (risas). La letra es muy misteriosa, te traslada a esos enormes y oscuros castillos de hace siglos o al menos eso es lo que pensamos cuando tocamos esa canción, el groove y el riff están robados a Led Zeppelin.

Blogofenia: Hemos leído que "March Of The Crown " fue grabada en total oscuridad, ¿es cierto, cómo fue la experiencia, repetiréis en un futuro?

Mantar (Erinc):  Estuvimos improvisando un buen rato sobre la melodía, había una idea que rondaba por nuestras cabezas, un sentimiento que nos costaba capturar y tardamos muchos en conseguir que la canción sonase como queríamos, seguimos tocándola y tocándola hasta que descubrimos que podíamos llegar a entrar en el estado de ánimo necesario si la tocábamos a oscuras, tan sólo iluminados por una o dos velas, ¡pero no os imaginéis nada romántico sino algo más parecido a una película de terror clásica! (risas). Así que la grabamos igual que la ensayamos, a oscuras, y lo volveremos a hacer si es necesario. ¿Por qué fingir un sentimiento cuando haciendo algo tan sencillo como tocar a oscuras no requiere de ningún esfuerzo?

Blogofenia: ¿Qué significa la portada y quién es el artista? 

Mantar (Erinc):  Es obra del genial Aron Wiesenfeld, se llama “La Corona” y decidimos utilizarla para nuestro primer disco incluso antes de tener escritas las canciones o haber elegido un nombre para el grupo, representa perfectamente a MANTAR y  “Death By Burning”, para nosotros viene a decir algo como: “puede que lleves una preciosa corona de velas pero no te olvides de que un día la cera terminará quemándote” El final nunca es todo lo bueno que uno desearía (risas), todavía estamos emocionados por haber podido usar la ilustración para la portada de nuestro primer disco. ¡Muchas gracias, Aron!

Blogofenia: Tenemos varias copias de “Death By Burning”, nos encanta el vinilo de color blanco, ¿es importante para vosotros cuidar a vuestros seguidores con este tipo de lanzamientos?

Mantar (Erinc): Por supuesto, es un gran honor que la gente ame, respete y profundice en tu música y por eso nos gusta publicar diferentes formatos por el mero placer de divertirnos entre todos y también porque lo consideramos arte, como la primera edición de “Death By Burning” en cinta de cassette, fue una tirada muy limitada en una edición muy especial, por desgracia se agotó más rápido incluso de lo que nosotros nos esperábamos.

Blogofenia: Sabemos que es un tema muy controvertido pero, por otro lado, es cierto que sin Internet y las nuevas tecnologías sería imposible llegar a bandas jóvenes como MANTAR , ¿cuál es vuestra opinión?

Mantar (Erinc): ¡Bueno, ya que tenemos todas estas nuevas herramientas, usémoslas! Llegar a todo tipo de personas en todos los rincones del mundo sigue resultándonos tan extraño como bonito en esta época. Es parte importante del negocio pero, para ser honestos, creemos que sigue habiendo formas de llegar al público de manera tradicional, a la manera de “la vieja escuela”, y hacer una gira tocando cada noche es una de ellas.

Blogofenia: ¿Estáis pensando en el segundo disco o todavía es demasiado pronto para ello?

Mantar (Erinc): No, no del todo pero ya estamos guardándonos algunas ideas para el próximo álbum y nos gustaría entrar en el estudio lo antes posible, ojalá que podamos grabarlo a finales de este año o, como mucho, primeros del que viene.

Blogofenia: ¿Cómo es el proceso de composición en MANTAR, entráis al estudio con todo escrito u os gusta improvisar? 

Bueno, nuestra forma de componer es muy poco convencional, no trabajamos sobre una canción en particular sino que vamos improvisando una y otra vez, una y otra vez. Grabamos las partes que más nos gustan, las guardamos en un cajón y seguimos trabajando sobre ellas, hay veces que tiramos de ese “cajón” para terminar una canción, así nos funciona y así seguiremos trabajando. Cuando entramos en el estudio ya tenemos todas las canciones escritas y perfectamente estructuradas, podemos añadir algún detalle o idea adicional pero ya no improvisamos, sabemos exactamente lo que queremos

Blogofenia: ¿Cómo os arregláis en directo? Sabemos que no hay bajista, sois únicamente dos músicos. ¿Tenéis un equipo especial para reemplazar el sonido del bajo en los conciertos?

Cuando se trata de tocar, lo hacemos lo más duro y al volumen más alto que podemos. ¡Cualquier músico debería ser capaz de tocar su propio material en directo, es por lo que están ahí arriba subidos, sobre las tablas! (risas) Estamos utilizando el mismo equipo en directo que en estudio… Tres o cuatro amplificadores, incluyendo un Bassamp, algunas pantallas enormes y la pedalera de efectos más grande que he visto en mi vida. ¡Eso es todo lo que necesita Hanno para seguir el ritmo de mi batería! (risas). ¿No hay bajo en los conciertos? Claro, tampoco lo hubo en el estudio, no hemos utilizado pregrabados ni samplers mientras grabábamos precisamente porque queríamos que fuese tan crudo como pudiésemos, justo como en directo.

Blogofenia: Hace unos días saltó la noticia de que estabais planeando girar por España, Portugal y el sur de Francia. ¿Qué es lo que podremos ver en esos conciertos? ¿Tocaréis “Death By Burning” al completo?

¡Claro que sí! No podéis perderos “Death By Burning” en directo y tocado a “fuego lento” (n.d.r: juego de palabras en inglés: “Be sure to see “Death By Burning” played By Fire”)

Blogofenia: Váis a tocar con bandas muy diferentes de vuestra propuesta; Dimmu Borgir , Opeth, Beastmilk e incluso Volbeat ¿Hay algún artista en especial con el que os gustaría compartir escenario?

Mantar (Erinc): Claro, hay muchas, con algunas incluso ya hemos tocado pero nos encantaría tocar con los Melvins, ¡sería brutal!

Blogofenia: Muchas gracias por vuestra amabilidad, poder entrevistaros ha sido muy especial y os deseamos toda la suerte del mundo. ¡Nos veremos por España muy pronto!

Mantar (Erinc): Gracias a vosotros, amigos, gracias por vuestra ayuda, apoyo e interés en nuestra música, ¡nos vemos en España!

© 2014 Blogofenia

09.04.2014 ¡Tercera edición KRISTONFEST: Mayo 2014!

La tercera edición del KRISTONFEST tendrá lugar el Sábado 24 Mayo 2014 en su ubicación habitual, la sala Santana 27 de Bilbao. Para esta ocasión el festival contará con los alemanes Colour Haze, el power trío noruego Motorpsycho, los clásicos americanos Karma To Burn y los novedosos The Socks provenientes de Francia. 4 artistas procedentes de 4 países distintos pero con el rock como denominador común serán los encargados de dar continuidad a un festival que cada año va posicionándose como uno de los más interesantes a nivel nacional.

Las entradas pueden ser adquiridas a un precio de 25,00€ + gastos de distribución en www.codetickets.com, Power Records, Bar Muga, Sandy, Fnac, Carrefour, en el teléfono 902 150 025 y en los puntos oficiales de la red www.ticketmaster.es

¡ENTRADAS A LA VENTA EN TICKTACKTICKET!
TODA LA INFO: www.kristonfest.com

COLOUR HAZE es considerada una de las bandas más destacadas de la escena stoner-rock a nivel mundial y actuará de forma exclusiva en la tercera edición del Kristonfest. Aprovecharán para presentar canciones de su décimo primer disco titulado "She Said" (2012 Elektrohasch Records), ocho nuevas composiciones donde el stoner rock de corte progresivo vuelve a ser el principal protagonista. 

Pese a ser un grupo muy difícil de ver, el pasado año visitaron Madrid y Barcelona y pudimos ser testigos de la majestuosidad sónica que este trío es capaz de ofrecer sobre un escenario. Stefan (Voz y guitarra), Philipp (Bajo) y Manfred (Bateria) son únicos y virtuosos mezclando pasajes ambientales y suaves con riffs de tintes blues-rock, el rock-progresivo vía Rush o E.L.O. o incluso el krautrock originario de su país.

Otro plato fuerte del Kristonfest 2014 será la actuación, también en exclusiva, de uno de los grupos mas inventivos y arriesgados de la escena europea, los noruegos MOTORPSYCHO, que vendrán a presentar su decimoséptimo disco bautizado como “Behind The Sun” (Doble LP!) y que refutará su inconfundible calidad compositiva. Un power-trío inclasificable que lleva desde 1989 yendo un paso más allá y que aún sigue sorprendiendo y escapando como alma en pena de posturas conformistas y estancamientos estilísticos.

La sensación conceptual y por momentos operística de MOTORPSYCHO recorre su dilatada discografía desde el minuto cero, demostrando la calidad creativa de este grupo conducido por un trío de ases, cada uno único en lo suyo: Hans Magnus, Bent Saether Kenneth Kapstad (aunque en algunas ocasiones se rodeen de amigos y compañeros de carretera para algunas grabaciones y conciertos). Creadores de una enorme profundidad musical que se manifiesta en una variada mezcla de sonido y actitud rock, grunge, experimental con toques de música más pesada tipo Stoner, progresivo y Psicodelia que en ocasiones nos hacen recordar a los clásicos de estos géneros (Blue Cheer, Hawkwind, Pink Floyd o King Crimson por citar algunos)

Por su parte, KARMA TO BURN, que tenia una deuda con el público del Kristonfest al ser cancelada su actuación en la pasada edición, es considerada una de las bandas pioneras del género stoner-rock proveniente de USA. Contemporáneos de Kyuss, Fu Manchu, etc…es con su vertiente psicodélica e instrumental donde más han conseguido destacar, llegando a ser influencia de muchos grupos que han ido surgiendo a posteriori.

Viven su segunda juventud tras regresar en 2009 a los escenarios y, tras varios cambios de formación, parece que han dado con la fórmula compositiva perfecta para que Rob, William y Evan sigan ofreciendo un muro sónico macizo e indestructible! 

Según anunció el propio grupo, este 2014 traerá novedades en forma de varios 7”, incluyendo una versión actualizada de “Fifty Three”, masterizada en los estudios Abbey Road y editada por H42 Records. 

Para redondear el Kristonfest 2014, disfrutaremos de la visita de THE SOCKS, el grupo más joven y desconocido del cartel, pero que tras su paso por el Azkena Rock Festival dejaron claro que querían comerse el mundo a base de ritmos de rock ´70s muy contundentes a lo Graveyard, complementándolo con pasajes más pesados vía Black Sabbath y rememorando a los cásicos del stoner.

El cuarteto se formó en Lyon, cuentan con un par de EP’s y gracias a esos temas pudieron captar la atención de Small Stone Records, uno de los mejores y más especializados sellos de stoner-rock que existen. “Some Kind Of Sorcery” es la carta de presentación de esta fructífera alianza, que sirve de carta de presentación para su primer larga duración:

Crítica: Ronnie James Dio "This is Your Life"

Si a alguno/a a estas alturas le quedaba alguna duda (a nosotros no) pienso que ya podemos afirmar sin temor a equivocarnos que Wendy Dio está por la labor de sacar la máxima rentabilidad al legado de Ronnie. Por un lado es muy loable, al fin y al cabo es su viuda y puede hacer lo que realmente le venga en gana con la música de su marido; pero una cosa es el hecho en sí, que podrá ser más o menos cuestionable, pero bueno no queda otra que tragar saliva, y otra muy distinta es el "cómo". Os soy sincero, no sé si os pasará a vosotros, pero yo ya he perdido la cuenta de las recopilaciones, directos, rarezas y dvds que han sido editados desde la fecha de fallecimiento de Ronnie el 16 de Mayo de 2010, creo que hubo una temporada que cada tres meses salía algo nuevo; y lo que está claro es que esto seguirá sucediendo en el futuro más cercano, la voracidad de Wendy no tiene límites. De todos estos trabajos post-mortem unos han sido más acertados que otros (siempre desde nuestro humilde punto de vista), pero al fin y al cabo Ronnie era el protagonista en todos y cada uno de ellos,  y bueno, tampoco vamos a ser ahora nosotros más papista que el Papa, al fin y al cabo nos gusta poder disfrutar de "material nuevo" de nuestros artistas favoritos. Hasta aquí todo correcto, pero ¿un tributo a la voz del metal?, y hacerlo ¿cuatro años después de su muerte? ¿Nos hemos perdido algo?...Sinceramente no le vemos ningún otro sentido que el puramente lucrativo para todas las partes implicadas en el mismo. La voz de Ronnie es inigualable, nadie, pero nadie de este jodido mundo puede competir en igualdad de condiciones con el poderío que tenía el pequeño elfo en su garganta, eso es así, le pese a quien le pese. Obviamente en el circo del Rock siempre queda de puta madre juntar a los "grandes" y ponerles a cantar los clásicos de un difunto. Y ¡coño!, si al menos lo hubiéramos visto editado en los meses posteriores a su fallecimiento, pues a lo mejor le habríamos visto algún sentido, digamos no-económico, al putiferio que aquí se ha montado; pero que haya ocurrido cuatro años después de su muerte nos hace cuando menos ser un poco escépticos con este proyecto.

Respecto a la recopilación tengo que decir que no me gusta nada, pero no porque los artistas que participan en ella no sean los adecuados (que muchos tampoco), pero es que ninguno (y soy muy tajante en este campo) pone el alma ni el corazón necesario para defender con cierta solvencia los temas que el gran Ronnie nos dejó. Sobre el papel queda muy trendy tener un tributo donde participan los más grandes de nuestra música, eso siempre vende y llena portadas de periódicos y revistas; aunque si somos más puristas y analizamos con un poco de detalle veremos que grandes amigos de Ronnie no están aquí; miembros de Iron Maiden o Machine Head, grandes y buenos amigos de Dio algunos de ellos, se han quedado fuera (inexplicable), y otros como Jamie Jasta (Hatebreed) o Killswitch Engage (y eso que su versión de "Holy Diver" es de las más aceptables), que no han pasado de verle por Youtube, están incluidos en esta extraña compilación. Bueno, es inevitable, son cosas que pasan en el mundo de la música, y que por “a” o por “b” nunca llegaré a entender...Otro aspecto que me ha llamado la atención es la horrorosa ilustración que se ha elegido para la portada del álbum. Una especie de dibujo,  más propio de un cómic, con un Scott Ian, un Rob Halford o una Lzzy Hale en actitud desafiante que poco o nada tiene que ver con el sentimiento que Dio nos transmitía con las ilustraciones de sus discos; lo que desde nuestro punto de vista no hace otra cosa que resaltar el protagonismo de los artistas sobre el de las canciones. Una lástima.

El álbum arranca con la versión de Anthrax del clásico "Neon Knights" que abría su primer álbum con Black Sabbath, "Heaven and Hell" (1980). Medir sobre el mismo baremo la voz de Belladona con la de Dio resulta ridículo, el neoyorquino tiene chorro, tiene potencia, pero no tiene ni de lejos el carisma ni el alma que Ronnie ponía cuando entonaba cada uno de los estribillos de esta maravilla hecha canción. A todos nos cae muy bien Belladona, disfrutamos con sus locuras en  los directos de Anthrax, pero una cosa es eso y otra muy distinta estar a la altura del más grande…Las guitarras de Scott es lo más destacado y lo que mejor ha quedado plasmado en el producto final, suenan muy potentes y muy del estilo a la SG de Iommy, dándole al tema un colorido y una versión thrashser un tanto especial. Por su parte Adrenaline Mob hacen una versión muy cañera de "The Mob Rules", con un solo realmente rápido y certero, de esos que te dejan con la boca abierta. Sin duda de lo mejor de este tributo, aunque pienso que no estamos descubriendo la pólvora teniendo en cuenta el trío de ases que forman Allen, Portnoy y Mike Orlando…Los siempre divertidos y cachondos Jack Black y Kyle Gass, conocidos como Tenacius D, sacan con cierta solvencia, aunque no sin las lógicas carencias, la canción que daba título al segundo álbum de la carrera en solitario de Dio, “The Last In Line” (1984). Ya sabemos que como tienden a comportarse este par de sinvergüenzas (evidentemente lo digo con todo el cariño del mundo, ya que son unos putos cachondos), siempre dando un toque de gracia y de chispa a todo lo que tocan. Lo que sí resulta evidente es que este par de locos lo han hecho bastante mejor que otros que tienen un caché muy superior.

La luz roja se enciende y saltan todas las alarmas con la llegada de Corey Taylor y "Rainbow In The Dark". Pienso que fuera de Slipknot este tipo no vale un duro (mejor dicho, ni una peseta), me parece un supino prepotente al que le gusta estar en todos los saraos al más puro estilo Dave Grohl, y al que no le gusta perder baza ni comba cada vez que se trata de salir en la palestra; parece mentira que un día estuviera escondido detrás de una careta. En ese caso, y para más inri, ha elegido bailar con la más fea, nada más y nada menos que con "Rainbow In The Dark". Sinceramente, patético, pero no solo la voz de un Corey, que anda más perdido que una oveja en un garaje; es que además no hay teclado, el mismo se quiere cubrir con unas guitarras totalmente purreleras que no dan pie con bola, y eso sin hablar de la carnicería que han hecho con el solo del tema. Vivian Campbell aseguraba no hace mucho, tras la unión a Jimmy Bain y a Vinny Appice en Last In Line, que le costaba llegar a plasmar correctamente dicho punteo, así que ya os podéis imaginar la que tenemos aquí montada con Christian Martucci (Stone Sour) y Satchel (Steel Panther)...la primera parte del solo suena más rápida que la original, en la segunda logran hacer lo contrario, el punteo final se lo inventan totalmente; os aseguro, y mira que he escuchado esta canción miles de veces, que no la reconozco, es algo que se me escapa de las manos, hacía tiempo que no escuchaba una versión tan desastrosa. Deberían hacérselo mirar.

Halestorm nunca  han sido santo de mi devoción, no he acabado por encontrarles el gusto, es verdad que Lzzy Hale y los suyos están creciendo como la espuma y batiéndose como titanes dentro de un mundo (el heavy metal) dominado en su mayor parte por hombres, y debemos reconocerles a tal efecto dicho mérito. Aún así pienso que en esta cover a la guapa Lzzy le sobra carácter y le falta actitud, ya que tanto para ella como para el resto del grupo "Straight Through The Hearth" se convierte en una pieza demasiado grande para abatir de un solo disparo. La chica se viene arriba entonando con fuerza las duras estrofas del clásico de Ronnie, pero según el tema va avanzado te das cuenta que esto empieza a hacer aguas por todas partes. Ni las guitarras ni la batería están al nivel  mínimo exigido para hacer un poco de daño a uno de los temas más característicos de la carrera en solitario de Ronnie, suena todo muy convulso, no tiene la finura que Campbell y Dio le dieron a este hit allá por 1983. Motorhead y Byford (Saxon) cumplen a regañadientes con "Starstruck", no me acaba de encajar del todo; lo mismo ocurre con el clásico que eligen Scorpions, "The Temple Of The King". Es verdad que Klaus tiene aún una gran voz, pienso que de las mejores del Hard Rock actual, pero claro, una cosa es tener una buena voz y otra muy distinta tener “la voz”.

La guapa e inigualable Doro sí demuestra estar a la altura del acontecimiento cantando con mucho sentimiento y con mucha empatía el fantástico "Egypt". Da gusto escuchar a esta mujer, nunca dejará de conmoverme su seguridad y su finura a la hora de cantar heavy metal. Es una especie de reina midas del metal, ya que todo lo que toca tiende a convertirlo en oro…Los metalcoretas Killswitch Engage, uno de mis grupos "modernos" favoritos, encabezados por un soberbio Jesse Leach aprueban con su versión y visión un tanto particular de "Holy Diver", haciéndola muy suya, hasta el punto que los típicos graznidos guturales del estilo que defienden los americanos se hacen notar en los estribillos del tema. Te podrán gustar más o menos, pero hay que reconocer que los chavales sí que se han esforzado, logrando sacar con nota una versión bastante vistosa de la canción que bautizaba el debut de Dio. "Catch The Raibow" con grandes artistas de la talla de Glen Hughes te deja un tanto frío, no acaba por arrancarte la sonrisa, lo mismo que la sosa visión de "I" comandada por uno de los grandes amigos y compañeros de Ronnie, Jimmy Bain. Un gran tema que se ve empañado por la actitud apática de un conjunto de músicos que se dedican a cumplir sin más con el propósito encomendado.

"Man On The Silver Mountain" posiblemente tenga el elenco  más llamativo en cuanto a nombres de artistas aparecen en sus créditos. Pero esta vez Halford, Appice y Aldrich no son  precisamente la alegría de la huerta, en un tema enfocado con cierta pena y tristeza, al contrario del buen rollo y positividad que transmitía su original de 1975, y donde además (no podemos pasarlo por alto) la guitarra de Blackmore deja en pañales a la apagada y malnutrida de Pilson. ¡Joder!, echémosle unas poquitas más de huevos, que al fin y al cabo estamos tocando una de las mejores canciones de la historia del Rock...Pues ni con esas…

…Y lo de Metallica ya es de juzgado de guardia con el medley que bautizan como “Ronnie Rising”. Hetfield sigue como siempre, desde 1996, tirando de ese tono de voz horroroso que poco o nada tiene que ver con la voz chillona que un día nos enamoró y nos cautivó a todos en los 80. En lo referente a la  musicalidad más de lo mismo, la batería suena angosta y pastelona,  pareciendo estar filtrada de las sesiones de "St. Anger" o "Death Magnetic". Así las cosas "Tarot Woman" y "Stargazer" se vuelven horrorosas para un fan de la vieja escuela de Rainbow, salvaría de la quema el comienzo y el final con la parte instrumental de "A Light In The Black", y quizá a unas malas "Kill The King", con un Hammet (el único que aprueba) que para mi sorpresa anda bastante suelto en el largo y trabajado solo del tema. Inexplicable…En serio, ¿qué necesidad había de hacer este álbum?

© 2014 Lord Of Metal

Crítica: Alcest "Les voyages de l'âme"

Conocí a una persona que me recomendó escuchar Alcest y a la que, por desgracia, no puedo mencionar. ¿Por qué Alcest? Porque sé que lo valorarás -me dijo. No recomiendo Alcest a todo el mundo. ¿De verdad? ¿Crees que cualquiera puede apreciar su música? No me quedó otra que darle la mano y escuchar “Les voyages de l'âme”. Creo que es injusto hablar de Alcest como Shoegaze o Black Metal porque lo que hace precisamente grande a la música de Neige es que no es fácil de ubicar y es capaz de llevarte lejos. Las canciones de Alcest son mágicas y sensibles, de otro mundo pero tampoco feérico. Me cuesta creer la bonita historia de que Neige, cuando era jovencito, tuvo experiencias con hadas y explicarme que hace esta música como un medio para evocar, recordar aquellos viajes fantásticos porque la música de Alcest está por encima de absurdas historias con las que alimentar unas canciones realmente místicas pero hablan de nosotros. “Les voyages de l'âme” será nuestro primer disco –insistía; es el que debe sonar y, conduciendo en mitad de la noche, hacía sonar “Autre temps”. Pero tanta belleza a veces duele e igual que el sol no se debe mirar por tiempo prolongado, escuchar “Les voyages de l'âme” sin ella al lado era una experiencia dolorosa. "Là où Naissent les Couleurs Nouvelles" y sentía que entraba en otro mundo pero, conforme nos despedíamos, no podía escuchar la tercera canción; “Les voyages de l'âme”. ¿Te gustan Alcest? –me preguntaba. Claro que sí, ¿pero cómo decirle que me resultaba completamente imposible escucharlos sin ella? Era capaz de hacer sonar “Shelter” (2014) pero “Les voyages de l'âme” se me hacía demasiado evocador, como oler la fragancia de un perfume que te recuerda tiempos pasados e inevitablemente te hace caer en la melancolía sólo que con Alcest y este disco lo que me ocurría es que no quería caer en sus redes porque, aunque todavía no me traiga recuerdos, estoy seguro de que me los traerá y no quería relacionarlo a algunos de los mejores días de mi vida, no quería pasar por el trago de escuchar “Les voyages de l'âme” dentro de muchos años y matarme un poquito con cada canción. Aquí hallarás la respuesta –me decía y, en efecto, en el disco las encontré.

"Autre Temps" comienza de manera calmada y me recuerda a ella porque no hay comienzo más bello que aquel que te hace viajar, que aquel que te hace sentir en el pecho de quien amas y pronto despereza el vuelo para llevarte lejos, muy lejos, en el estribillo. El juego de voces es magnífico mientras cantan en francés; "So many seasons have passed; they did not wait. The golden leaves dying on the ground will be reborn under bright skies as this weather worn world remains the same, And tomorrow, you and I will be gone", no me gusta que canten en francés pero es parte de su identidad, me decía ella.

"Là où Naissent les Couleurs Nouvelles" es una de las más emocionales del álbum debido a esas guitarras que parecen romperse creando texturas, un medio tiempo que, poco a poco, va cogiendo fuerza hasta convertirse en puro Black Metal -a veces nostálgico, a veces denso pero siempre intenso- y terminar subiendo las revoluciones para saber echar el freno en el puente y, de nuevo y ya esta vez, más calmados afrontar el final de la canción más larga de todo el álbum. La canción “Les voyages de l'âme” transmite calma y paz gracias a lo moderado de su ritmo y, a veces, solemne. Más cercana al Shoegaze que al Black Metal, Alcest nos llevan de viaje con su canción y nos hacen estallar de júbilo en los últimos compases.

En "Nous Sommes l'Émeraude" volvemos a escuchar una melodía llena de sentimiento y emoción -nada contenida, por cierto- con ecos del Metal más negro y, sin embargo, un toque Post Rock irresistible que la hace llegar a otro nivel. Sin embargo, "Beings of Light" es puro Black, sin duda alguna, debido a la repetición constante del riff principal a lo largo y ancho de sus compases, repleta de coros y un "tempo" rapidísimo. "Faiseurs de Mondes" nos hace alcanzar el clímax gracias a su insistente ritmo y, de nuevo, las guitarras llevándose todo el protagonismo. "Havens" es ideal para liberarse de cierto peso y centrarse en la guitarra; suena inevitablemente a un boceto de “Les voyages de l'âme” pero, aunque parezca increíble, encaja en el conjunto del disco hasta “Summer's Glory” que, llena de cambios y progresiones, subidas y bajadas, es una auténtica maravilla con la que Alcest cierran el álbum como lo empezaron; haciéndonos sentir únicos.

¿Te ha gustado? -me preguntaba. Me ha encantado, respondía yo en voz baja pero, en realidad, no podía escucharlo sin ella y deseaba poder compartirlo de nuevo, una vez más, tumbado a su lado porque de poco sirve la música si no es capaz de conmovernos y, por supuesto, que Alcest lo lograban pero siempre en su compañía.

© 2014 Dead Rokstark

Dedicado a Su Rokstark

Crítica: Cult Of Luna "Vertikal"

Para todos aquellos que vivimos la música de manera especial, que somos capaces de zambullirnos en las aguas de un disco y vivir en ellas durante meses, que buscamos respuestas y creemos encontrarlas en la experiencia vital de querer sentir lo mismo que otras personas a través de unas canciones, para todos aquellos que queremos sentir la apasionante experiencia de vivir otras vidas o exprimirle el jugo a unas cuantas notas, Cult Of Luna se antojan como la elección perfecta. No me gusta el Metalcore y cada vez detesto más el Metal fundamentalista, desconfío de cualquier grupo en un género que parece enranciarse cada cierto tiempo y en el cual la repetición de clichés se me antoja detestable. Quizá por eso, entienda el mérito y el valor del grupo sueco en su evolución desde “Cult Of Luna” (2001) o “The Beyond” (2003) hasta el magnífico “Eternal Kingdom” (2008) o este apabullante “Vertikal” (2013). Han pasado cinco años hasta llegar a “Vertikal” y por el camino, Cult Of Luna parecen querer dejar claro que no hay ningún prisa, que todo debe surgir e igual que para lograr el estado de ánimo perfecto con una canción requiere de varios minutos de introducción o desarrollo, la elaboración de un disco con el cual se pretende trascender debe ser sin prisa alguna. Mi pareja me recomendó escuchar “Vertikal”, ¿cómo negarme a ello? Según ella, llevaba meses escuchando sus canciones y había pasado días enteros colgada del disco, convirtiéndose en una de sus bandas favoritas. Así que, renovando mi interés por los suecos gracias a ella y después de “Eternal Kingdom” y habiendo escuchado “Passing Through” día y noche mientras hablábamos, pinché “Vertikal” desde “The One”.

Según Johannes Persson, todos los miembros de Cult Of Luna habían establecido su residencia en ciudades diferentes y cuando sintieron que debían grabar disco comenzaron a mandarse emails con ideas, fotografías, libros, películas y cualquier referencia que les llevase a encontrar la inspiración porque para Persson, debían estar enfocados, tener un terreno común en el que desarrollar la idea del nuevo álbum y que ese terreno tuviese límites para poder concentrarse y extraer toda la inspiración posible.

Si Thomas Hedlund afirmaba que los discos del grupo habían sonado de una manera más orgánica y relacionaba ese sonido como la antítesis de lo que quería para “Vertikal”, es en éste en donde utilizando como inspiración “Metropolis” de Fritz Lang (la portada del disco evoca las construcciones expresionistas y, si uno presta atención, podrá diferenciar varios edificios), se abandonan a cualquier concepto urbanita de la sociedad como son la maquinaria, la industrialización, el abandono entre los monolíticos edificios grises de las grandes ciudades, mezclado con conceptos como la repetición, la "verticalidad" de éstos, las junglas de cristal y asfalto en las que se llegan a convertirse los núcleos urbanos y todo visto desde el proceso de deshumanización que implica la visión de un futuro distópico en el que las relaciones son impersonales, con las máquinas y no entre los individuos. Así que, Cult Of Luna, sólo empezaron a escribir y hacer los bocetos de las nuevas canciones una vez tuvieron claro qué es lo que querían y esperaban del nuevo álbum, al cual pretendían diferenciar del resto, que marcase un antes y un después en su propia historia. Esto hizo que, por una parte, el proceso de composición (llegaron a tener canciones suficientes para un álbum doble, como demuestra la publicación de un “Vertikal II”) y, por supuesto, grabación fuese aún más sencillo, la claridad de ideas y saber qué era lo que buscaban ayudó a hacer crecer las nuevas canciones al mismo tiempo que las revestía de elementos electrónicos que ahora no funcionaban como mero relleno o aditivo sino que la electrónica que antes sólo aderezaba ahora era un instrumento más (como una guitarra o bajo), los teclados y sintetizadores tomaban el protagonismo acercando el inclasificable estilo de Cult Of Luna (ése que nadie parece capaz de identificar y oscila entre el Sludge, Groove, Progresivo e incluso Post Metal) a las fronteras del Rock Industrial.

Es imposible no escuchar los latidos de “The One” y sentir que estamos entrando en el “The Darkside Of The Moon” (1973) de esta época, el sintetizador capta a la perfección el sabor futurista, más cercano a “2001: Una odisea del espacio” de Kubrick que a un disco de Metal pero el impacto que uno siente al escuchar "I: The Weapon" es sólo proporcional a los melódicos coros que rompen la voz gutural principal y unas guitarras que, descendiendo por el mástil, dan sensación de verticalidad, de caída al vacío mientras mantienen la épica de una canción que no sólo rompe sino que cambia de ritmo e hipnotiza. La introducción de "Vicarious Redemption" logra introducirnos poco a poco en la canción pero su nivel de abstracción y su "in crescendo" son lentos, casi diez minutos hasta que surge un riff denso, plomizo y gris como una ciudad, el ritmo es opresivo y consigue llevarnos a ese futuro que "The One" anunciaba pero la gran sorpresa será un cambio de tercio lleno de guitarras arpegiadas y un sintetizador que sabe fundirse con el fraseo principal mientras el bajo nos subyuga con su gravedad.

"The Sweep" es puro Kraftwerk, sonido teutónico con crujientes texturas, como si Brian Eno hubiese hecho un pacto con el diablo. La transición entre ésta y "Synchronicity" está lograda y consigue obviar el paso, siendo la batería la que nos obligue a comprobar qué canción está sonando. Los teclados se engrandecen, crean atmósfera y la voz de Fredrik vuelve a desgarrarse de manera brutal. Si antes nos recordaban a un Brian Eno exudando azufre, ahora se acercan a las coordenadas de Vangelis y nos relajan de manera malsana con la intensidad de "Mute Departure" mientras "Disharmonia" hace las veces de pasaje entre las cargadísimas atmósferas de este "Vertikal" e "In Awe Of" (quizá una de las mejores del disco por lo directa que es), cruda y cortante, con constantes cambios de ritmo y un trabajo excepcional de Hedlund que parece llevar la batuta tras los parches hasta que Fredrik vuelve a agredirnos con su garganta.

EL video de "Passing Through", grabado en un hospital abandonado, es lo suficientemente desconcertante como inspirador, entiendo que el significado de una canción así esté sujeto a mil interpretaciones pero yo siento el abandono de los lugares en mitad de la noche, recuerdos de una vida o de muchas y el tiempo recorriendo las habitaciones, denso y aplastante, allá donde antes había un palpito, sufrimiento o esperanza. Devastadora para acabar un disco que roza la perfección.

Como canción extra, "The Flow Reversed", muy cercana a los patrones más clásicos del grupo y lejana a la experimentación o intento de salirse por la tangente del resto de "Vertikal", un buen tema que no aporta demasiado al conjunto pero que te deja con ganas de más.

Cuando acabo de escuchar “Vertikal” en su versión sencilla, que es la que más me gusta, con “Passing Through” como última canción, siento el deseo de volver a hacerlo sonar desde el principio. Es cierto que algunas veces las transiciones entre canción y canción no están todo lo logradas que uno espera, que uno siente la necesidad que entre la coda de una y la introducción de la siguiente logren la sensación de viajar por una unidad y no a través de canciones que, a veces da la sensación, de que funcionan de manera individual y no como un todo, que pueden haber pecado de poca contención en un tema como “Vicarious Redemption” con sus casi diecinueve minutos (canción remezclada por Justin Broadrick en “Vertikal II” con bastante menos minutaje que la original) pero también que “Vertikal” es intenso, salvaje, denso, profundo, violento, potente, bello y doloroso, mi pareja tenía razón y ahora “Vertikal” también me ha atrapado a mí, es tan adictivo como ella.

© 2014 Dead Rokstark
Dedicado a Su Rokstark

Crítica: Gamma Ray "Empire Of The Undead"

En un principio datado para el mes de Enero, aunque tras los ya típicos retrasos que suelen acompañar últimamente a la edición de la mayoría de los discos, llega por fin a nuestras manos el nuevo trabajo discográfico del maestro Hansen. Seamos francos, no podemos negar que teníamos sustanciales ganas de hincarle el diente al nuevo álbum de los Rays, máxime después del buen sabor de boca que nos dejó su anterior Ep "Master Of Confusion" (y del que en esta web ya hablamos largo y tendido), pero nuestro instinto ya nos decía y nos susurraba que no esperásemos un milagro de este nuevo trabajo, ya que por mucho que quisiéramos y soñáramos no se iba a producir ni de lejos una vuelta al sonido de los primeros trabajos de la banda de Hamburgo. Si somos justos "Empire Of The Undead" es un disco que podríamos calificar aceptable, pero nada más, ya que por desgracia dentro del mismo no nos vamos a encontrar un himno de la talla de "Rebellion In Dreamland" o de "Heaven Can Wait"; aquellos tiempos ya han pasado, y parecen estar olvidados en la memoria de un Hansen que por más que se esfuerza no encuentra la fórmula mágica que antaño le dio tan buen resultado. Y esto lo digo con todo el dolor de mi corazón, ya que adoro al pequeño pelirrojo alemán y a esta gran banda de power metal, con la que tantos y tan buenos momentos pasé en mi juventud. La esencia de Helloween y de los Keepers, que transcribieron al dedillo sus grandes trabajos de los 90, no encuentran forma ni sitio en un álbum que se dedica a cubrir sin más el expediente de una banda venida a menos en su faceta de estudio. Por suerte en directo siguen siendo una banda con carácter y con un estilo propio, no en vano estamos hablando de un combo que compartió liderato con los grandes del power en la reseñada década de los 90.

Lo primero que nos damos cuenta al escuchar "Empire Of The Undead" es que al igual que ocurriera desde "Powerplant" (1999), sus canciones ya no tienen el "punch" ni la pegada de aquellas maravillosas canciones de sus primeros discos que te hacían tararearlas noche y día. Por desgracia sus composiciones han perdido en parte esa magia y ese don que les hacía ser tan diferentes y jodidamente buenas al mismo tiempo. Hansen es un tipo adorable, pienso que a poca gente (por no decir a nadie) puede caerle mal un genio como él, ya que no es para nada un tipo engreído ni soberbio (ojo, no olvidemos que el sujeto en cuestión ha compuesto varias de las mejores canciones del heavy metal; véase "I Want Out" o " Future World"...). Pero no, para nada, Kai es un hombre nobleal que no le gustan los protagonismos, él se dedica a lo suyo, que es la música, y el aparentar y el destacar se lo deja para otros...Para empezar diremos que la portada no es para nada acertada, demasiado sobria, excesivamente fría para una banda que siempre se ha destacado por transmitir alegría y felicidad. Discos como "No World Order" o la segunda parte de "Land Of The Free", que ya se habían distanciado mucho del sonido castizo de la banda, conservaban al menos unas ilustraciones solventes, pero en este caso pienso que se han dejado llevar por el momento y no le han puesto el cariño y la atención que siempre se merece una portada de un disco de heavy metal. A nivel compositivo Kai se dedica a cumplir sin más; así "Avalon", un tema que destaca por su extenso metraje, superando los nueve minutos de duración, es un quiero y no puedo. Intenta emular en parte a la fantástica apertura de su primer "Land Of The Free", donde un "Rebellion In Dreamland" (con una extensión muy parecida a "Avalon") se convierte en una presa demasiado escurridiza para un cazador que lleva ya tiempo con la pólvora mojada en sus cartuchos. Conserva el ambiente épico (sí es cierto) y los extensos cambios de ritmo de la canción de 1995 (también), pero nada más, la esencia y la magia que aquella composición tenía se ha desintegrado totalmente...no obstante el tema es aceptable, posiblemente uno de los más característicos de "Empire Of The Undead", y con el que a unas malas todavía puedes cerrar los ojos y dejarte llevar viajando por el mundo de los sueños que emana de la mente de Hansen.

"Hellbent" al contrario que su predecesora va directa al grano y no se anda con rodeos, la Esp de Hansen echa chispas mientras procesa los riffs más duros y compactos del álbum. Me gusta mucho la voz aguda que saca el pequeño alemán en el estribillo del tema así como el fantástico solo lleno de sentimiento y alma que ejecuta el maestro Richter. Un tema capaz de subirte el ánimo de primeras es "Pale Rider", gracias al buen rollo que transmite y al alto tono vocal que experimenta Kai en las estrofas, mostrando su perfil más heavy y aguerrido..."Born To Fly", al igual que ocurría con "Hellbent", tiene un riff muy potente y resultón, pero el tema en sí es bastante peor, se nota o al menos se percibe que está menos trabajado y menos pulido, con un Hansen un tanto perdido, que denota cierto pasotismo arrojándose al vació y al sonido de "No World Order" y de "To The Metal".

"Master Of Confusion", que ya se incluyera en su anterior Ep del mismo título, es de lo mejorcito que os encontraréis en el nuevo álbum, ya que tiene la esencia y el sabor de las viejas melodías de la banda. Tanto las primeras estrofas, como los puentes hacia el estribillo son enormemente pegadizos, un lujo del que poder disfrutar en pleno siglo XXI. Como ya dijéramos en su momento, con esta canción acudirá a vuestra memoria "Heaven or Hell" de su "New World Order", debido sobre todo a la enorme similitud que existe entre el riff principal y la melodía de los mismos. Un tema muy divertido y dinámico que no dejará indiferente a nadie, gracias a un estribillo dulce y juguetón marca de los Rays..."Empire Of The Undedad" también formó parte de la lista de temas del Ep antedicho, y sin duda podríamos calificarlo como el fragmento más puro y netamente heavy del álbum. Es una canción arrolladora, cocinada y mimada para el gusto y disfrute de sus fans más clásicos; una pieza que no deja piedra sobre piedra, instigando al headbanging desde el segundo uno, con un Henjo magistral y con un Kai soberbio, gracias al castigo al que se ve sometida su preciosa Esp a base de power-chords feroces y endiablados.

"Time Of Deliverence" es la encargada de poner la parte amable y cariñosa del álbum, una balada con la que los más ñoños y ñoñas disfrutaran con un Kai que actúa a modo de maestro de ceremonias, jugando con voces imposibles y emulando en ciertos momentos y en determinados pasajes al desaparecido Freddie Mercury. ¿La verdad?, me ha gustado mucho, y eso que un servidor no es que sea especialmente amigo de las baladas, pero hay que reconocer que cuando están bien trabajadas tienen su encanto... La parte final con "Demonseed" y "Senved" no me dice nada, son temas de puro relleno que te dejan un tanto frío y que no aportan nada nuevo. Por suerte el final del disco con la soberbia "I Will Return", que con unas melodías muy épicas y unas guitarras brutales, evita que el daño sea mayor en la segunda parte del álbum y que la nota global del mismo fuera inferior a la definitiva; no obstante tampoco podemos echar las campanas al vuelo; ya que el aprobado en esta ocasión es por los pelos...

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Crítica: Hail Of Bullets "Of Frost And War"

Es difícil de definir lo que sientes cuando un grupo te cala y te llega tan adentro como me ha sucedido a mí con Hail Of Bullets. Sin duda el death metal centroeuropeo siempre ha tenido su fuerte en gente como Asphyx, aunque en los últimos años su hermano menor está comiendo el terreno, a pasos agigantados, al primer vástago de la familia más importante del death metal holandés. El death holandés se destacar por llevar implícito un sonido crudo y oscuro, rozando en muchos momentos elementos y acústicas más típicas y propias de otros estilos como puedan ser el black o el doom. No nos tiene que pillar de sorpresa ni de nuevos, ya que estamos más que acostumbrados a este tipo de jugueteos con bandas como Legion Of The Damned, que aún siendo un combo que está más centrado en el thrash metal, tiene gran cantidad de elementos death y doom en su música. De Asphyx tenemos que decir más de lo mismo, en este caso son debemos saber que estamos ante uno de los grandes estandartes del death europeo, pero venidos a menos en los últimos años y discos...sin duda el grupo de moda se llama Hail Of Bullets. Poco malo y mucho bueno podemos decir de la banda fundada por Warby y Gebédi en el 2006. Gebédi, quién también forma con Thanatos conocía (y conoce) muy bien a Baayens (no en vano eran compañeros en Thanatos) por lo que la proposición por parte de Gebédi de unirse a ellos para Hail Of Bullets fue aceptada desde el principio y sin oposición alguna. El trabajo de Warby era de sobra conocido por Gebédi; bien es cierto que Gorefest no deberían ser catalogados como una banda old school dentro del death, pero aún así el potencial del peculiar batería era más que evidente para un Stephan hambriento por buscar a gente con ganas y por darle forma y vida al monstruo que ya tenía en mente. Para potenciar el line up, tiro de su amigo Bayyens para conseguir que una eminencia de la talla de Martin van Drunen (Asphyx, Bolt Tower, Pestilence...) cogiera el papel de vocalista y de frontman (casi nada). Así que como veis, con este plantel de artistas sobre la mesa, la cosa no podía salir muy mal, y evidentemente no salió.

El estreno de Hail Of Bullets se bautizó bajo el nombre de "...Of Frost And War", para mí su mejor trabajo y sin duda un álbum realmente sorprendente. La temática de la música del combo holandés está basada única y exclusivamente en "la guerra"; según Gebédi ellos son una banda de batalla y de confrontación, un grupo creado para aniquilar y destruir todo lo que se interponga en su camino...Sin duda en este papel "bélico" y beligerante, tiene mucho que decir Van Drunen, un apasionado por los libros y biografías de naturaleza bélica, que le otorgan la suficiente soltura para que de su privilegiada mente salgan la mayoría de las letras que se firman en los discos de Hail Of Bullets. Po su parte Gebédi es el encargado de poner orden y sentido a los riffs y a la parte instrumental de esta poderosa banda que nos traemos entre manos...Una de las características "negativas" (y evidentemente empleo la palabra "negativas" con mucho cariño) que tiene Hail Of Bullets, es que por desgracia no tienden a prodigarse mucho a realizar conciertos, sus shows son contados y escasos, lo que les concede un carácter de exclusividad, convirtiéndolos en únicos y peculiares. Por suerte (y en este caso hablo a nivel personal) veré realizado uno de mis sueños el próximo mes de Junio, cuando pueda disfrutar de su potencial y de su directo en la próxima edición del increíble Hellfest; seguro que será un acontecimiento único y que no olvidaré en mucho tiempo.

"...Of Frost And War" podríamos definirlo como un álbum conceptual que tiene como origen la confrontación europea de la Segunda Guerra Mundial. La disputa entre el ejército rojo de Stalin y las tropas nazis de Hitler son el eje central y el campo de batalla donde se erige uno de los mejores trabajos de death metal clásico de los últimos tiempos. La sórdida y lúgubre instrumental, auspiciada bajo el nombre de "Before The Storm", desencadena el duro golpe que sufrió el desprevenido ejército soviético tras la operación bautizada como "Barbarroja" y con la cual Hitler daba un puñetazo sobre la mesa. La batalla estaba servida y "Ordered Eastward" nos lleva a unas cotas épicas realmente sorprendentes que dejarán a más de uno con la boca abierta. La voz de Van Drunen es de esas que te ponen los pelos de punta, cantando con una voz aguda que parece haber salido del mismísimo infierno (si es que hay alguien en el infierno que pueda cantar así); Warbi por su parte genial, inconmensurable la actitud que tiene uno de los grandes referentes en el doble bombo europeo. "The Lake Lodoga Massacre" tiene un tempo más calmado, es más dura y envolvente, con una atmósfera siniestra que lleva su death metal a un punto y una visión progresiva y superior a la alcanzada con el tema anterior. Gabédi se muestra en este caso intratable en las guitarras, destrozando nuestros oídos con unos poderosos riffs de alto octanaje belicista. Van Drunen por su parte se luce en "General Winter", un tema que parece sacado de los viejos old school de Asphyx e incluso del ala británica de su etapa en Bolt Thrower. El tema tiene un lado amable, caracterizado por su melodía lenta y angosta, y otro mucho más irascible que concurre cuando Gebédi y Van Drunen sacan al mismo tiempo su lado más salvaje e impío. Sin duda una de las grandes joyas y de los mejores aportes de "...Of Frost And War"; un temazo con el cual no resulta difícil evadirse.

La parte más desenfada y descarada viene propuesta por "Advancing One More" y sobre todo por "Red Wolves Stalin", donde los "lobos" de Stalin toman posiciones aventajadas sobre las siempre temibles tropas alemanas. En ambos casos hay que destacar por encima de todo el soberbio trabajo de Ed Warby, capaz de crear con su pegada, un ambiente idóneo para la marcha y el triunfalismo. Dos canciones tremendas que suman y siguen en el haber de un disco que con el paso del tiempo se convertirá en un incunable para los amantes de los sonidos más duros y fieros. "Nachthexen" cuenta con la suerte de tener uno de los mejores riffs del álbum, lo que produce en el oyente un impulso irracional de dejarse el cuello en cada uno de sus fragmentos y fracciones. La voz de Drunen es para volverse loco, el cabrón se muestra intratable en cada canción, en cada estrofa, en cada estribillo...parece increíble que alguien pueda cantar así. Es una voz que te atrapa, que te engancha hasta rozar la enfermedad; la voz de Van Drunen será siempre una de las principales características y uno de los grandes aciertos de Hail Of Bullets.

La batalla más cruenta de la historia de la humanidad, con una estimación de dos millones de personas muertas (se dice enseguida), se cuenta y se vive en primera persona con "Stalingrad", donde a través de los riffs y los pasos lentos y marcados que bombea la batería de Warby, se puede uno imaginar el infierno y la locura que podemos llegar a crear los hombres en lo que muchas veces denominamos erróneamente como paraíso Tierra. La locura en forma musical (la que reamente nos gusta) sigue sin darnos respiro con una desvergonzada "Insanity Commands", un tema con el cual no les resulta muy difícil volver a meternos en su bolsillo; canciones así son las que necesitamos los amantes del metal y de los sonidos duros, con cortes de este calibre resulta imposible no hacerse fans de Hail Of Bullets.

"The Crucial Offensive" e "Inferno At The Carpathian Mountains" se destacan ambas por tener unos cambios de ritmo muy dispares, lo que las hacen un tanto difusas e inestables (no olvidemos que estamos hablando de death metal). Seamos cautos, ya que no quiero decir con ello que estemos ante temas menores o con el calificativo de "malos"; ya que para nada lo son...pero no por ello debemos dejar de decir que en este caso no mantienen el altísimo ritmo del resto de cortes del álbum. Es decir, no es que estas dos canciones sean malas, simplemente es que el resto de temas del álbum son muy grandes... Pero si por un casual has sufrido un pequeño bajón con los dos temas anteriores, le mismo se te va a disipar de golpe cuando escuches el tema de cierre de "...Of Frost And War". Para mí "Berlin", que narra la toma de la ciudad alemana por el ejército rojo de Stalin en Abril de 1945, es una de las mejores canciones de death metal de la historia (sí, sí, habéis leído bien...). Tiene magina, tiene embrujo, tiene pasión, tiene pegada y tiene sensibilidad. Todos esos sustantivos vienen reflejados por una de las mejores melodías que he escuchado en los últimos años, la cual es imposible de descifrar con palabras, hay que escucharla para sentirla, es sin duda una genialidad. Toda una obra maestra que convierte por derecho propio a "...Of Frost And War" en todo un referente del death metal mundial.

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